La modernité d'un prétendu inepte. Serafino Macchiati exposé à Collesalvetti

Pour se faire une idée de la manière dont Serafino Macchiati concevait son rapport à l’art, on peut se référer à une lettre que l’artiste des Marches envoya de Paris à Livourne, adressée à Benvenuto Benvenuti, au lendemain d’une exposition de pointillistes italiens qui se tenait dans la capitale française. C’était le 23 septembre 1907: “Je suis parti, je l’avoue, un peu découragé, non pas parce qu’il manquait des éléments d’art, mais parce que j’ai dû constater une fois de plus que tout ce qui est organisé ici en Italie doit toujours fatalement échouer à cause d’organisateurs imbéciles et de spéculateurs imprudents”. La faute des artistes, selon Macchiati, est leur manque d’originalité et surtout leur manque de modernité. Comment parvenir à être un artiste vraiment moderne: telle est la douleur qui tourmentera Macchiati tout au long de sa vie. Depuis qu’il avait commencé à confier ses idées à une image, il ne pensait plus qu’à cela. Il s’était d’abord essayé à la peinture, toujours angoissé à l’idée de ne pas pouvoir exprimer pleinement ce qu’il avait à dire, toujours effrayé à l’idée d’être coupé des temps de sa contemporanéité. Et il avait réussi avec l’illustration, un médium qu’il avait d’abord considéré comme une sorte de repli, un expédient pour gagner sa vie, pour avoir les moyens de poursuivre ses recherches, car le préjugé de la primauté de la peinture a longtemps obscurci ses jugements, et cette angoisse de la modernité a fini par lui déchirer l’âme. Et cela se serait certainement terminé autrement s’il n’avait pas reconsidéré le rôle de l’illustration à un moment de sa carrière. C’est dans les pages des livres que Macchiati a trouvé sa raison de s’exprimer.

C’est cette histoire que raconte l’exposition Serafino Macchiati. Moi et l’autre, organisée par Francesca Cagianelli et Silvana Frezza Macchiati, que la Galerie d’art municipale de Collesalvetti accueille dans ses nouveaux locaux de Villa Carmignani, à la périphérie du village, jusqu’au 29 février. L’exposition est le fruit d’une recherche minutieuse et fructueuse parmi les documents épistolaires conservés dans le Fonds Grubicy du Mart de Rovereto, dont une grande partie n’a pas encore été étudiée, et qui a permis de reconstruire la personnalité de Serafino Macchiati de manière complète, comme jamais auparavant: Il en ressort la figure d’un artiste parfaitement conscient de son rôle et de sa place dans le contexte culturel de l’époque, un artiste cultivé, à la page, connaisseur de l’art et de la littérature de son temps, mais tourmenté et oppressé par l’idée de ne pas être assez moderne. Ce que j’aime en moi, c’est seulement l’art que je désire ardemment faire, le tableau que j’essaie toujours de créer et qui m’échappe toujours, peut-être parce que c’est une entreprise trop ardue pour mes facultés artistiques“: c’est ainsi que Macchiati écrit à Grubicy en 1866, alors qu’il n’a que 25 ans. Ce qu’il aimait, il ne le savait peut-être pas lui-même. Un désarroi presque irrémédiable, la perception d’une inaptitude présumée et les déceptions qui en découlent, une frustration continue qui devient cependant pour Macchiati une nourriture vitale, un carburant illimité. Même dans ses années de succès, il ira jusqu’à dire qu’il ne sait même pas si ce qu’il fait ”vaut la peine d’être vu", mais il n’est pas du genre à abandonner facilement, et quelle que soit la nervosité de son caractère, il ne laisse jamais ses états d’âme prendre le dessus, au point qu’ils finissent par obscurcir sa lucidité. Macchiati a passé toute sa vie dans les vagues d’une mélancolie laborieuse qui l’a conduit à expérimenter avec une ferveur incessante, avec une constance ardente, en élaborant à chaque fois de nouvelles suggestions: L’exposition, avec un parcours captivant qui, avec des changements continus de registre, reflète presque le caractère de l’artiste, nous donne l’occasion d’apprécier ses élans impressionnistes, son approche de Grubicy et une interprétation singulière du divisionnisme, sa passion pour le spiritualisme et l’ésotérisme, et enfin une impulsion symboliste qui est peut-être celle qui lui est le plus communément associée.

Moi et l’

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L’exposition, qui accueille le public dans une grande salle remplie de vues et de paysages, comporte cinq sections: Sous la lumière éblouissante de l’aube du XXe siècle , on suit les expériences en plein air de Serafino Macchiati, qui a ainsi entamé son propre parcours artistique au cœur de la nature. Il faut dire que cette salle ne contient pas les tableaux les plus anciens de l’exposition, puisque nous commençons ici à la fin des années 1890 et que, comme nous le découvrirons plus tard, le début des tourments de Macchiati est bien antérieur: l’attitude de l’artiste est cependant restée inchangée par rapport à ses débuts. Curieusement, c’est le théâtre qui l’a conduit à l’exploration de la nature, parce qu’il pensait que le théâtre n’était rien d’autre qu’une représentation de la vie, même si elle était plus pâle que la nature réelle. D’où la nécessité d’un engagement plus profond que Macchiati a ressenti en s’immergeant dans les bois et la campagne. Pendant longtemps“, écrit-il à Grubicy le 25 mars 1900, ”je n’ai vu et compris que le théâtre et, à travers le théâtre, la nature". Ses œuvres paysagères sont pour la plupart des peintures d’esquisse, et cela vaut pour les œuvres que l’artiste a peintes en s’inspirant de la campagne romaine (même si, pour des raisons de santé, il ne pouvait pas passer trop de temps à l’extérieur et était souvent contraint de donner des coups de pinceau).Il en va de même pour les œuvres que l’artiste a peintes en s’inspirant de la campagne romaine (même si, pour des raisons de santé, il ne pouvait pas passer trop de temps en plein air et était souvent contraint de donner libre cours à ses idées dans l’enceinte de son atelier), comme Parterre di fiori ou La grande nuvola, ainsi que pour celles qu’il a exécutées à Paris après avoir vu de près les œuvres des impressionnistes(Paesaggio a Mougins, Les deux mimosas ou Bord de mer). Elles doivent être considérées avant tout comme des recherches, comme des œuvres qui n’ont pas été créées pour être montrées au public ou pour être achevées (la seule œuvre véritablement achevée est peut-être l’Après-midi d’automne de 1902, propriété de la Fondazione Enrico Piceni), comme des expériences sur la lumière et la couleur, sur le support (Macchiati est passé avec agilité du pastel à la toile), sur la technique (Macchiati est passé avec agilité du pastel à la toile), sur la technique (Macchiati est passé avec agilité du pastel à la toile), sur la technique. du pastel à la toile), sur la touche, qui devient tantôt plus liquide et détendue, tantôt plus fragmentée et proche du pointillisme, sur la mise en page (qui atteint même parfois des résultats inattendus et audacieux, proches de ceux de la photographie, comme dans Bord de mer). Les paysages encadrent donc le tempérament de Macchiati qui, à cette époque de sa vie, est encore animé par la flamme de l’impression: “Plus l’œil s’habitue à un cadre et à une intonation donnés - plus il perd la première impression - qui est l’expression vraie et propre qui se dégage d’un effet donné pour chatouiller la peinture”.

Macchiati était déjà sur la voie de la modernité tant convoitée, et l’avait déjà démontré avec les œuvres que l’exposition réunit dans la deuxième section, “Making the living, living that speaks” (Faire la vie, la vie qui parle). Le rêve d’une “peinture qui respire la vie”, où le public peut voir la production la plus marquée par sa proximité avec Vittore Grubicy, avec des œuvres datant des années 1880. Mais ce sont aussi des œuvres qui renvoient à un verista comme Antonio Mancini, l’un des rares peintres contemporains à avoir réussi à capter Macchiati, qui, selon lui, était l’un des rares à peindre des figures “vivantes et palpitantes de vérité”. L’originalité du pointillisme de Macchiati tient à cette fusion singulière. Dans ces tableaux, écrit le commissaire Cagianelli, le peintre “est certain d’avoir trouvé la bonne direction”: la série de portraits inaugurée par Paolina Brancaleoni, la mère d’Umberto (1887) et poursuivie avec quelques études de têtes" comme le Paysan de Rocca di Papa, le Portrait de son fils dans un cadre ou l’Autoportrait, tous datant de la fin du XIXe siècle.Autoportrait , tous vers 1888, et toutes les œuvres “conçues à l’aube de la conversion picturale à la modernité”, comme des portraits de personnes capturées dans la vie, dans une tentative de les saisir dans leur contexte, de les encadrer dans leur environnement.

Serafino Macchiati,

Serafino Macchiati,

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L’environnement est le thème de la troisième section, Les contradictions de la Belle Époque: De la conquête de la ville à l’exploration de la psyché, qui fait le lien entre la première et la deuxième partie de l’exposition, nous permettant d’abord d’admirer un Macchiati plutôt ensoleillé, celui qui arpente les places de Rome avec l’idée d’enregistrer, avec sa peinture, des images de la vie quotidienne.l’idée d’enregistrer, avec son pinceau, la vivacité des environnements urbains de la capitale (les places romaines, avoue l’artiste, sont pour lui une sorte de “baptême qui me donnera du courage pour d’autres tentatives plus difficiles”.), comme le montre l’une des œuvres symboliques de l’exposition Collesalvetti, Dame à l’éventail sur la place (et il fera de même à Paris, où il s’était installé en 1898 pour travailler comme illustrateur), puis un artiste qui commence à se perdre dans les replis les plus sombres de l’âme humaine, un artiste qui ne sait plus où donner de la tête, un artiste qui ne sait plus où donner de la tête, un artiste qui ne sait plus où donner de la tête, un artiste qui ne sait plus où donner de la tête. Les taches morphinomanes, l’une de ses œuvres les plus connues, est un portrait de deux femmes qui ont pris le célèbre opiacé, particulièrement populaire à l’époque dans la haute société de la Belle Époque, ainsi que dans les classes inférieures: l’œuvre, comme plusieurs toiles de Macchiati, a probablement été conçue comme une illustration pour un livre, domaine auquel l’artiste consacrera toute la dernière période de sa carrière, reconnaissant, après avoir longtemps sous-estimé ce moyen d’expression, que l’illustration n’est pas une fin en soi, mais un moyen de communication.d’une part, que l’illustration possède une autonomie très noble et qu’elle ne doit pas être considérée comme un pis-aller pour un artiste, et d’autre part, qu’elle est peut-être l’outil le plus approprié pour décrire la société moderne. Cette prise de conscience a mûri au début du XXe siècle et a peut-être trouvé son moment décisif, du moins selon l’idée de Francesca Cagianelli, lorsque Macchiati a dû illustrer le roman Moi et l’autre de Jules Claretie, une entreprise qui a offert à l’artiste l’occasion d’explorer toutes les potentialités de l’illustration (non seulement les potentialités artistiques, mais aussi les potentialités artistiques).Cette entreprise a permis à l’artiste d’explorer toutes les potentialités de l’illustration (non seulement artistiques, mais aussi sociales) et de découvrir pleinement sa propre vocation, déjà reconnue par Vittorio Pica en 1904, année au cours de laquelle un article décisif a été publié dans Emporium pour comprendre l’étendue de l’art de Macchiati et pour définir sa personnalité artistique désormais définie.

L’artiste des Marches était convaincu, écrit Pica, “qu’à notre époque surtout, où l’on crée chaque année des milliers et des milliers de tableaux et de statues qui ne servent à rien d’autre qu’à encombrer les salles des trop fréquentes expositions d’art et dont on ne sait pas où ils finissent, un beau volume illustré ne vaut certainement pas moins qu’un bon tableau”. Pica, par ailleurs, voit en Macchiati une “virtuosité de reproducteur élégant [...] des scènes et des figures de l’existence grouillante de la ville moderne”, ainsi qu’un “illustrateur nonchalant” doté essentiellement de deux mérites un “naturel dans les attitudes” et la capacité de placer ses personnages “dans le cadre le plus approprié pour déterminer le type et comprendre l’état psychologique qu’ils traversent”. Serafino Macchiati, à ces sommets chronologiques, s’est déjà transformé: Laissant de côté ses aspirations à une peinture monumentale, qui ne se sont jamais concrétisées, et abandonnant l’idée de trouver sa voie à travers le pinceau, l’artiste s’est distingué comme un illustrateur raffiné, qui a dépassé les rangs de ceux qui travaillaient pour les magazines de l’époque pour devenir à la fois artiste, psychologue, sociologue, enquêteur minutieux de la société du début du XXe siècle à travers le médium de l’illustration, considérée non pas comme une simple traduction mais comme un moyen de comprendre l’état psychologique des personnes.l’illustration, considérée non pas comme une simple traduction en images d’une page de livre, mais comme un art à part entière qui part de la narration littéraire pour offrir une interprétation de la réalité qui vit et palpite dans l’esprit de l’artiste, et qui se nourrit de ses idées, de ses suggestions, des indices qu’il saisit en observant l’art de son temps. Celui qui illustre la composition littéraire", aurait observé le journaliste Carlo Gaspare Sarti dans un article sur Macchiati publié en 1912 dans Noi e il mondo, “accomplit un travail d’investigation et de pénétration qui est d’autant plus torturé qu’il est plus profond ; l’artiste qui collabore avec l’auteur de l’œuvre est celui qui a le plus d’expérience dans le domaine de l’art. L’artiste qui collabore avec le crayon à la narration du chroniqueur ou à l’invention du romancier doit s’identifier aux personnages de ces écrivains et vivre, pour ainsi dire, les situations qu’ils ont reproduites ou conçues”.

L’illustration ne peut donc qu’être le protagoniste de la quatrième section de l’exposition, intitulée La bataille pour “l’illustration de la pensée”: De “La Tribuna illustrata” à “Je sais tout” , qui rassemble des revues et des livres illustrés par Macchiati (dont une couverture de Noi e il mondo redécouverte à l’occasion de l’exposition Collesalvetti), ainsi que des esquisses des images qui seront ensuite imprimées. Selon Dario Matteoni, qui signe dans le catalogue une contribution dédiée à l’illustrateur Macchiati, c’est dans les images peintes pour la revue Je sais tout, et en particulier dans celles du roman Moi et l’autre, une œuvre qui raconte une histoire de dédoublement de personnalité, que l’on peut trouver une clé utile pour comprendre une grande partie de la production illustrée de l’artiste, puisqu’il s’agit de la couverture du roman Moi et l’autre, une œuvre qui raconte une histoire de dédoublement de personnalité, qui raconte une histoire de dédoublement de personnalité. C’est principalement dans ces panneaux que Macchiati mêle le réel au fantastique, la vérité au rêve, les faits aux idées, cédant tantôt aux réminiscences symbolistes (comme le montre dans l’exposition une scène pleine de pathos onirique et visionnaire comme L’avertissement, illustration de Moi et l’autre qui révèle aussi un certain goût pour l’horreur), tantôt à l’imagerie ésotérique et spiritualiste, en accord avec les modes de l’époque. Le recours à ces visions hallucinées n’est cependant pas une façon de fuir la réalité ou d’échapper à la vie quotidienne, bien au contraire: c’est une façon pour Macchiati de critiquer les excès et les contradictions de la société de son temps. Et c’est avec ce regard très original sur la société contemporaine que Macchiati recompose la fracture apparemment incurable entre la peinture et l’illustration. Une œuvre récemment réapparue sur le marché, L’Aimant, présentée lors de l’exposition sur Umberto Boccioni qui vient de s’achever à la Fondazione Magnani-Rocca, a été identifiée dans l’exposition comme l’esquisse d’une illustration incluse dans une enquête, intitulée Les grandes spéculations, publiée en 1905 dans Je sais tout (la page d’illustration de la revue est exposée): l’image est une sorte de dénonciation des spéculateurs, auxquels fait allusion le personnage qui regarde l’argent sur la table et derrière lequel se profilent plusieurs figures monstrueuses de squelettes et de fantômes, symboles des malheurs et de la ruine qui attendent les spéculateurs (“Dans quelle profonde et intolérable angoisse vivraient les spéculateurs”lit-on dans la légende accompagnant l’illustration, “s’ils connaissaient tous les dangers, tous les malheurs qui les guettent, prêts à fondre sur eux pour détruire leur destin, celui des êtres qui leur sont chers, celui des milliers d’hommes qui leur ont fait confiance”). Et c’est précisément à l’un des vices de la société de la Belle Époque, la toxicomanie, et en particulier la morphine, qu’est consacrée la dernière section(Paradis artificiels de la décadence), anticipée par les Morphinomanes que le public a pu voir dans la salle précédente. Organisée par Emanuele Bardazzi, cette section s’inspire de la peinture de Macchiati pour proposer au public une série d’œuvres graphiques d’artistes tels que Félicien Rops, Henry De Groux, Alfredo Müller et Anders Zorn, toutes liées à la consommation de morphine et d’absinthe.

Serafino Macchiati,

L’exposition de Collesalvetti ne manque pas d’inscrire la production de Macchiati dans les limites de la littérature, en particulier dans les dernières sections: Avec la présence vivante de Charles Baudelaire et le vide intérieur écrasant qui déborde des pages des Fleurs du Mal (dans l’exposition, dans la dernière salle, il y a aussi une illustration de Jean Veber pour L’ennui), il est difficile de ne pas penser, devant les images plus sombres de Macchiati, à l’ennui de l’homme. Difficile de ne pas penser, devant les images sombres de Macchiati, à la solitude hallucinée de Des Esseintes dans Controcorrente de Huysmans, et aux références indéfectibles aux écrivains qui ont traité de la passion de la Belle Époque pour les opiacés (comme Victorien De Saussay, qui a écrit un roman intitulé La morphine). Les références à Livourne ne manquent pas non plus, même si, à première vue, on pourrait penser que Macchiati n’a pas grand-chose à voir avec la ville toscane: en réalité, les contacts fréquents de l’artiste avec le milieu du Caffè Bardi, le lieu de rencontre ouvert en 1908 qui devint immédiatement une sorte de coterie des artistes leghorniens les plus avertis de l’époque, de Gino Romiti auxOn sait aussi que Macchiati avait des relations très solides avec tout le milieu divisionniste de Leghorn proche de Grubicy, en particulier avec Benvenuto Benvenuti. Et à son tour, Macchiati aurait parfois représenté un point de référence pour les artistes de Leghorn, par exemple lorsque, comme le rappelle Francesca Cagianelli, suite à un échange entre l’artiste des Marches et Benvenuti, il pénétra “dans le Caffè de Livourne”.dans le Caffè Bardi de Livourne l’écho du débat sur l’art futuriste", né d’une controverse sur un article d’Ardengo Soffici qui rejetait Grubicy, Benvenuti et Macchiati d’une manière assez brutale. Lesquels répondront à leur tour.

Un bon résultat pour la Pinacothèque de Collesalvetti qui, chaque année, et malgré les angoisses qui tourmentent notoirement les petits musées de province, réussit à éclairer les histoires oubliées de quelques protagonistes méconnus de l’art toscan entre le XIXe et le XXe siècle.L’art toscan entre le XIXe et le XXe siècle, et l’exposition sur Macchiati vont constituer une sorte de triptyque idéal, avec les expositions sur Charles Doudelet en 2022 et Gino Romiti en 2023, sur ces artistes plus ou moins liés aux milieux livournais du début du XXe siècle qui ont été séduits par le mot symboliste. Le tout est toujours accompagné de riches catalogues (celui de l’exposition de cette année, outre un long essai de Cagianelli, contient une nouvelle biographie de l’artiste écrite par Silvana Frezza Macchiati et des contributions de Dario Matteoni, Camilla Testi et Emanuela Bardazzi pour composer un tableau complet sur Macchiati). Enfin, il convient de noter que l’exposition ne manquera pas de surprendre le public, nous en sommes sûrs, en raison de son actualité: combien d’artistes aujourd’hui se soucient de poser le même problème de modernité que celui qui a tourmenté Macchiati tout au long de sa carrière ?

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