Los prerrafaelitas como nunca antes se habían visto. Así es la exposición de Forlì, la mayor de la historia en Italia

Han pasado casi cinco años desde laúltima exposición en Italia dedicada a los prerrafaelitas: en 2019 llegaron a Milán, al Palazzo Reale, unas ochenta obras procedentes de la Tate Britain de Londres, entre ellas obras maestras como laOfelia de John Everett Millais, la Dama de Shalott de John William Waterhouse y algunas de las sensuales figuras femeninas de Dante Gabriel Rossetti, como Aurelia, Mona Vanna y Mona Pomona, para narrar los principales temas del movimiento británico, una verdadera Hermandad que nació hacia 1848 tras la rebelión de siete estudiantes contra la Royal Academy. Sin embargo, no tiene comparación, sin ánimo de ofender a la exposición de Milán, con el gran proyecto expositivo Prerrafaelitas. Renacimiento Moderno que ahora se presenta en Forlì, en los Museos de San Domenico, hasta el 30 de junio de 2024: más de trescientas obras expuestas entre pinturas, dibujos, esculturas, tapices, grabados, fotografías, obras de arte decorativo, muebles, medallas, libros y joyas, procedentes de museos y colecciones italianas e internacionales, incluida la Colección Real, que se han colocado en todos los espacios de exposición temporal del complejo museístico, incluidos los pasillos; cuatro comisarios (Elizabeth Prettejohn, Peter Trippi, Cristina Acidini y Francesco Parisi) con el asesoramiento de otros cinco expertos; una comparación directa nunca presentada con tanta cantidad y calidad con los grandes maestros del arte italiano del pasado, de los siglos XIV al XVI. Es una exposición inmensa que incluye a los precursores, los exponentes de las tres generaciones y los herederos del movimiento, y a la que hay que dedicar (con mérito) alrededor de medio día para visitarla. Esto no debe asustarle porque la variedad, la calidad y la extraordinaria oportunidad de poder admirar tantas obras maestras de numerosas instituciones, incluso lejanas, todas juntas, harán que su tiempo pase sin que se dé cuenta. Con la satisfacción, una vez que se marche, de haber visitado la mayor exposición dedicada en Italia a los prerrafaelitas y de haber comprendido cómo los antiguos maestros del arte italiano influyeron poderosamente en el arte británico desde mediados del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX.

Entre las obras expuestas se encuentran obras maestras de los grandes maestros del arte italiano, como la Virgen entronizada con el Niño y dos ángeles de Cimabue, la Lamentación sobre Cristo muerto de Beato Angelico, Palas y el Centauro de Botticelli, la Sagrada Familia con un santo de Andrea Mantegna, la Virgen con el Niño de Filippo Lippi, la Cortigiana de Jacopo Palma el Viejo, la Virgen Trivulzio de Giovanni Bellini, Judith y Holofernes de Veronese, el Retrato de ballestero de Lorenzo Lotto, laAriadna de Guido Reni, el Cristo resucitado se aparece a su madre de Tiziano, así como los tapices del Santo Grial producidos por Morris & CO., Sidonia von Bork y la serie Briar Rose de Edward Burne-Jones, La viuda romana y La mujer en la ventana de Dante Gabriel Rossetti, Danaides de John William Waterhouse y Las vírgenes sabias y las vírgenes necias de Giulio Aristide Sartorio. Pero sigue siendo difícil hacer una selección de las obras más valiosas entre las más de trescientas expuestas.

Foto: Emanuele

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La exposición comienza como de costumbre en la Iglesia de Santiago Apóstol, donde el visitante se encuentra de inmediato con uno de los principales objetivos de la gran exposición, a saber, hacernos comprender hasta qué punto los prerrafaelitas soñaban con el arte de los Viejos Maestros, los grandes de la Italia de los siglos XIV y XV, especialmente de la Toscana y entre ellos Botticelli, y hasta qué punto “el amor por el Renacimiento italiano”, como afirma Elizabeth Prettejohn en su ensayo, “inspiró a los artistas británicos creaciones innovadoras”. En el proceso, los artistas miraron al arte italiano del pasado con ojos frescos y nuevas percepciones". Es con esto en mente, una especie de declaración de intenciones para toda la exposición, que la sección inicial incluye obras del Doscientos, del Trescientos, del Cuatrocientos (de Cimabue a Botticelli), del Siglo XIX (Frederic Leighton) e incluso del Siglo XX (Frederick Cayley Robinson). Especialmente significativo y declarativo es el boceto en color para la célebre Madonna de Cimabue es llevada en procesión por las calles de Florencia de Leighton, en el que el artista, que debutó en la Royal Academy de Londres en 1855, combina la procesión triunfal de los florentinos llevando el retablo de Cimabue (ahora sabemos que la Maestà es en realidad de Duccio y no de Cimabue: Se trata de la Madonna Rucellai, actualmente en los Uffizi) hasta la iglesia de Santa Maria Novella y la visita del rey Carlos de Anjou, a caballo a la derecha. El propio Cimabue participa también en la procesión, de la mano de su alumno Giotto, rodeado de otros artistas como Nicola Pisano, Buffalmacco y Gaddo Gaddi, para celebrar el arte italiano, y en el extremo derecho de la composición inserta también a Dante Alighieri, que observa la escena con desapego( Dante y su Comedia desempeñaron un papel muy importante en elimaginario prerrafaelita, en particular para Dante Gabriel Rossetti , a quien también debe su nombre). Como ya se ha mencionado, de Cimabue es Madonna entronizada con el Niño y dos ángeles, en compañía de un tríptico de Bernardo Daddi, un retablo de Taddeo di Bartolo, y luego Beato Angelico, Benozzo Gozzoli, Cosimo Rosselli, Andrea della Robbia, Filippo Lippi, Andrea del Verrocchio con Lorenzo di Credi, Luca Signorelli, y Botticelli con Palas y el Centauro (John Ruskin, profundo conocedor y amante de Italia, así como mentor y portavoz de la Botticelli-manía en Gran Bretaña, desempeñó un papel fundamental en la mentor y portavoz del movimiento prerrafaelita: Presentó su obra a una geneación de estudiantes en Oxford y a un público más amplio a través de sus escritos). También se presentan en esta primera sección cuatro murales monumentales del siglo XX de Frederick Cayley Robinson, considerado un seguidor del prerrafaelismo, influido sobre todo por Burne-Jones. Su arte y su estilo se vieron muy influidos por su larga estancia en Italia de 1898 a 1902, cuando tuvo la oportunidad de estudiar las técnicas de la pintura al temple y al fresco en las obras de artistas como Giotto, Mantegna y Piero della Francesca. Las cuatro escenas divididas en parejas(Los huérfanos y El médico) se inspiran en frescos renacentistas, pero también hay referencias al prerrafaelismo, como La escalera de oro de Burne-Jones en los huérfanos que descienden por una escalera de caracol a la izquierda o La primavera de Millais en la mujer que vierte leche en un cuenco. En el ábside, en cambio, se encuentran los asombrosos tapices de lana y seda que narran la leyenda del Santo Grial, diseñados por Burne-Jones y tejidos por la manufactura Morris and CO., fruto de la larga colaboración entre Burne-Jones y William Morris que culminó en la reelaboración visual de la mayor leyenda artúrica.

Las quince secciones siguientes de la exposición se desarrollan a partir de aquí, en el interior del monasterio, comenzando por la influencia de los artistas considerados precursores de los prerrafaelitas, los Nazarenos, pintores germanófonos de la Academia de Viena activos en Roma que se propusieron imitar a los predecesores de Rafael mirando hacia un pasado “primitivo” y caracterizado por el uso de colores vivos, el lustre de la superficie, las referencias naturales y el estudio de los detalles, sobre dos artistas en particular: William Dyce y John Rogers Herbert. Se exponen varios cuadros de ambos en los que se puede reconocer una notable conexión con el arte italiano de los Maestros Antiguos: Ejemplos de ello son la Lamentación por Cristo muerto y la Virgen con el Niño de William Dyce (suyo es también el cuadro que retrata a Tiziano de niño contemplando una estatua de la Virgen rodeada de plantas y flores de las que extrae una variedad de colores naturales), mientras que en el Rey Lear y Cordelia de John Rogers Herbert, pintura del fresco que el artista realizó para el nuevo Palacio de Westminster, la influencia nazarena se hace notar en la monumentalidad del rey, cuya pose recuerda a las Sibilas Sixtinas, en la pátina pictórica y en la precisión del dibujo. Tras una sección dedicada al llamado Renacimiento gótico que caracterizó toda laépoca victoriana, el periodo del largo reinado de la reina Victoria (que aparece aquí con el príncipe Alberto en un cuadro de Edwin Landseer) durante el cual nació y se desarrolló el movimiento prerrafaelita el movimiento prerrafaelita, y una sección que rinde homenaje al ya mencionado John Ruskin con sus dibujos y acuarelas de arquitectura, monumentos y obras que él mismo tuvo la oportunidad de ver en Italia, pasamos a las pequeñas secciones de enfoque que presentan el nacimiento de la Hermandad Prerrafaelita y sus primeros protagonistas: Ford Madox Brown, Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt. La Cofradía fue fundada en 1848 por siete estudiantes de la Royal Academy que, descontentos con la enseñanza excesivamente académica impartida por la institución, se reunieron para discutir y estudiar en profundidad el arte de los Viejos Maestros del arte italiano, es decir, aquellos que precedieron a Rafael, cuyo excesivo virtuosismo, la pomposidad fuera de lugar de los personajes representados y la falta de adhesión a la verdad de la naturaleza, rasgos que el de Urbino había reunido de manera ejemplar en su Transfiguración. La pintura prerrafaelita trataba así de responder a la necesidad de volver a la antigua honestidad, o al llamado primitivismo. Fue gracias a Ford Madox Brown que los prerrafaelitas conocieron y se vieron influidos por la impronta de la pintura de los nazarenos antes mencionados, mientras que el interés por la cultura primitiva se condensó en torno a los grabados de los frescos medievales del Camposanto de Pisa publicados por Carlo Lasinio en 1812. Por otra parte, la idea de crear una verdadera Cofradía se debe a Rossetti, hijo de un Carbonaro italiano exiliado, así como la fundación de la revista El Germen, que explicitó el aspecto literario del movimiento. Aquí se exponen dibujos y pinturas de los primeros protagonistas, como Paolo y Francesca y Dante en meditación de Rossetti, junto a dibujos de Elisabeth Siddal, su musa y esposa, además de artista y poetisa, Lorenzo e Isabella de Millais, Claudio e Isabella de Hunt, por citar sólo algunos. Continúa con pintores como Walter Howell Deverell, Charles Allston Collins, Joseph Noel Paton, que se adhirieron al clima cultural y a la forma prerrafaelistas aunque no participaran directamente en la Hermandad.

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A continuación llegamos a la sala de los frescos, enteramente dedicada a Edward Burne-Jones y a su relación con Italia. El artista viajó por primera vez al Bel Paese en 1859 en compañía de su amigo pintor Valentine Cameron Prinsep, y aquí tuvo la oportunidad de ver mucho arte italiano, especialmente en Florencia, con incursiones también en el arte del Véneto, pero volvió a Italia varias veces más, incluso con Ruskin. Le fascinaban Botticelli, Mantegna y Miguel Ángel. De este último, durante uno de sus viajes a Italia, tuvo ocasión de admirar los frescos de la Capilla Sixtina, que estudió haciendo copias fieles. Por este motivo, en esta sala, además de las obras maestras de Burne-Jones, se exponen dibujos del propio Miguel Ángel y de Pontormo, la Sagrada Familia con un santo de Andrea Mantegna , procedente del Museo de Castelvecchio, y obras de Filippino Lippi, Cosimo Rosselli y Giovanni Bellini. Entre las obras maestras del artista británico figuran Sidonia von Bork , para cuyo vestido Burne-Jones se inspiró en el Retrato de Margherita Paleologo de Giulio Romano, conservado en el Royal Collection Trust de Londres, El templo del amor y La caída de Lucifer, Lancelot en la capilla del Santo Grial, que recuerda una de las escenas de los tapices sobre el Santo Grial de la primera sección de la exposición, La cabeza torva, Amor entre las ruinas , que, como escribe Elizabeth Prettejohn en su ensayo, es un resumen de las influencias que Burne-Jones recogió durante sus encuentros con el Renacimiento italiano (desde el manto azul profundo de las Madonnas renacentistas, la arquitectura de Mantegna, Crivelli o Piero della Francesca, el friso con putti juguetones que nos trae a la mente a Donatello). Y, sobre todo, la serie Briar Rose del Museo de Arte de Ponce, inspirada en el cuento de la Bella Durmiente. Saliendo de la sala de los frescos, uno se fija en el hermoso suelo pintado por Burne-Jones por encargo de su amigo Wlliam Graham como regalo de cumpleaños para su hija, y se dirige por el pasillo hacia la monumental escalera que conduce a la planta superior: el pasillo está dedicado a las artes aplicadas relacionadas con la firma londinense Morris & CO, que comenzó en 1861 con la intención de reformar las artes aplicadas integrándolas con la “cualidad ornamental que los hombres adoptan para añadirla a los objetos utilitarios”, es decir, salvar la distancia entre las artes puras y las aplicadas. Así, se exponen aquí sillas, jarrones, cuencos, textiles, platos, azulejos relacionados con la empresa manufacturera.

La planta superior comienza con una sección dedicada a la fascinación por Botticelli, cuya pintura fue redescubierta enla Inglaterra victor iana gracias a John Ruskin, que lo calificó como el más grande pintor entre los florentinos, pero también gracias a las exposiciones y adquisiciones en Italia por parte de los museos londinenses, y varios artistas de la época victoriana se inspiraron en la pintura de Botticelli. Ejemplos de ello, como puede verse en esta sección que también incluye la Virgen con el Niño del Museo Stibbert, son Simeon Solomon con su Amor en otoño, obra probablemente pintada durante una estancia que el artista realizó en Florencia en 1866 para estudiar las obras de artistas renacentistas y en la que queda clara la visión mística e idealizadora de su arte, o Walter Crane con Diana y Endymion que remite a Botticelli sobre todo en los cortinajes. Sin embargo, las obras expuestas aquí de Evelyn De Morgan (presente con un estudio del Nacimiento de Venus) y Christiana Jane Herringham (presente con Cabeza de María Magdalena del Retablo de San Ambrosio de los Uffizi) son especialmente significativas para esta Botticelli-manía: las dos pintoras copiaron y estudiaron numerosas obras del pintor florentino, contribuyendo así de manera significativa al redescubrimiento del artista italiano y a la difusión de los rasgos característicos de Botticelli.

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Continuamos con una sección dedicada a las figuras femeninas representadas por Dante Gabriel Rossetti, a través de las cuales experimenta, como en Louisa Ruth Herbert, con las pintoras venecianas, o explora las posibilidades expresivas en un juego de asonancias literarias, como en Bocca baciata, refiriéndose a una novela del Decamerón de Boccaccio, explicando así sus dos grandes pasiones, la pintura y la literatura; las mujeres representadas por Rossetti son también un concentrado de sensualidad, como su Viuda romana, igual de sensuales eran las mujeres representadas por maestros italianos del pasado como Palma il Vecchio. pintor de la región del Véneto. Su amistad con Jane Morris, retratada aquí por el propio Rossetti, se convirtió en fuente de inspiración para obras posteriores como La mujer en la ventana, tomada de la Vita Nuova de Dante, pero que también tiene un sentido autobiográfico: Jane mira con lástima al pintor angustiada por la muerte de Elizabeth Siddal del mismo modo que la mujer de Dante dirigió su mirada consoladora a Dante tras la muerte de Beatrice.

Siguen dos secciones dedicadas a Frederic Leighton y George Frederic Watts: fuerte por su formación en la Europa continental y su conocimiento del arte italiano, el primero desempeñó un papel importante en la difusión de la cultura italiana en Gran Bretaña (sus obras se comparan aquí con las de Guido Reni, Lorenzo Lotto, el Veronés); su especial fascinación por Miguel Ángel se aprecia en Miguel Ángel cuidando a su sirviente moribundo y en la muestra de Jonathan a David. Este último tuvo la oportunidad de pasar cuatro años de formación en Italia, donde quedó fascinado no sólo por Miguel Ángel y Rafael, sino sobre todo por los pintores de la Venecia del siglo XVI, sobre todo Tiziano (aquí se expone el Cristo resucitado se aparece a la madre) y Veronés.

A continuación pasamos a presentar a los artistas que expusieron en la Grosvenor Gallery, fundada en 1877 en Londres como alternativa a la Royal Academy; la galería se convirtió en un lugar de moda frecuentado por la aristocracia y la alta burguesía, donde las obras se colocaban individualmente para facilitar su contemplación, y en un lugar de exposición que propiciaba la presencia de los artistas que allí exponían regularmente: entre ellos, Evelyn De Morgan, pintora recientemente revalorizada entre las mujeres de la Hermandad Prerrafaelita, que extrajo de Botticelli motivos claramente reconocibles como en Flora e impregnó algunas de sus obras del espiritualismo del que el artista era devoto.

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Nos acercamos al final de la última generación de prerrafaelitas, lo que algunos críticos de la época calificaron de neo-prerrafaelitas, ya que conservaron su pasión por la pintura renacentista italiana, que adoptaron como fuente de inspiración para refundar el arte moderno del siglo XX sobre los principios de la tradición. Entre los nombres de esta tercera generación figuran Charles Ricketts, Charles Shannon, Thomas Cooper Gotch y John William Waterhouse. Por último, la exposición concluye con obras de Giovanni Costa, Lemmo Rossi-Scotti, Filadelfo Simi, Giulio Bargellini, Giulio Aristide Sartorio y Adolfo De Carolis, pintores que sintieron cierto interés por la pintura prerrafaelista a finales del siglo XIX y que, siguiendo el modelo de lo ocurrido en Inglaterra, formaron o se acercaron a la sociedad In Arte Libertas, grupo fundado en torno a la idea de una renovación del arte. Fundamental en las relaciones e intercambios con el entorno prerrafaelista, como explica Francesco Parisi en su ensayo del catálogo, fue Giovanni Costa, que realizó varios viajes a Inglaterra, estableciendo así relaciones con el entorno artístico londinense y, en particular, con Frederic Leighton. A su vez, Costa desempeñó un papel de enlace con los artistas italianos que empezaban a mirar las lecciones del pasado a través del Canal de la Mancha. Giuseppe Cellini, presente en la exposición con Fantasia, presentada en la revista anual de la Società degli Amatori e Cultori di Belle Arti de Roma, desempeñó un papel importante en el seno de In Arte Libertas, modelándolo sobre aquellaut pictura poësis ya ampliamente profesada en el ámbito prerrafaelita. Giulio Aristide Sartorio, que no formaba parte de los miembros fundadores de la sociedad, se convirtió pronto, sin embargo, en su secretario, reivindicando la paternidad de la idea de constituir un grupo marcado por la rebelión contra los modelos del arte oficial y académico y contra un estilo lascivo que se había impuesto en Roma con Mariano Fortuny. Fue el conde Giuseppe Primoli quien le encargó pintar Las vírgenes sabias y las vírgenes necias, obra maestra que puede admirarse en la exposición, con la que le animó a adentrarse en la cultura prerrafaelita: la elección del tríptico sobre tabla y el marco gótico tallado son elementos que remiten a la tradición primitiva de la Italia de los siglos XIV y XV, pero las figuras femeninas y el ambiente representado recuerdan claramente el estilo prerrafaelita. A finales de siglo, Adolfo De Carolis, que se incorporó a la asociación en 1896, renovó el interés del movimiento por unaestética prerrafaelista: ejemplo de ello son sus Castalidi, también expuestos aquí, interpretados como símbolo de la capacidad transfiguradora del arte y de la eterna renovación de la inspiración poética. La gran exposición de Forlì sobre el movimiento británico, que se originó en la época victoriana y llegó a influir incluso en los primeros años del siglo XX, concluye, por tanto, con estos artistas que aportaron una ulterior renovación al arte italiano remitiéndose al modelo prerrafaelita.

Incluso el catálogo que acompaña a la exposición se presenta como un gran volumen que recoge todas las obras expuestas, completas con fichas, e ilustra todos los aspectos del prerrafaelismo, desde su nacimiento hasta sus temas, pasando por sus vínculos con Italia y las artes gráficas, con una decena de ensayos de los comisarios y expertos. Una exposición, por tanto, que sin duda se considerará un hito en la difusión del conocimiento de todo el movimiento prerrafaelista en los años venideros.

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