La modernidad de un supuesto inepto. Serafino Macchiati expuesto en Collesalvetti

Para hacerse una idea de la forma en que Serafino Macchiati entendía su relación con el arte, se puede recurrir a una carta que el artista de las Marcas envió desde París a Livorno, dirigida a Benvenuto Benvenuti, al día siguiente de una exposición de puntillistas italianos celebrada en la capital francesa. Era el 23 de septiembre de 1907: “Me fui, debo confesarlo, un poco descorazonado, no porque le faltaran elementos de arte, sino porque tuve que darme cuenta una vez más de que todo lo italiano que se organiza aquí tiene siempre fatalmente que salir mal por culpa de organizadores imbéciles y especuladores imprudentes”. La culpa de los artistas, según Macchiati, era su falta de originalidad y, sobre todo, su falta de modernidad. Cómo conseguir ser un artista verdaderamente moderno: éste era el dolor que atormentaría a Macchiati durante toda su vida. Desde que había empezado a confiar sus ideas a una imagen, no había pensado en otra cosa. Primero lo había intentado con la pintura, siempre angustiado por la idea de no poder expresar plenamente lo que tenía que decir, siempre temeroso de quedar apartado de los tiempos de su contemporaneidad. Y lo había conseguido con la ilustración, un medio que al principio consideraba una especie de repliegue, un recurso para ganarse la vida, para poder permitirse seguir investigando, porque el prejuicio de la primacía de la pintura nubló sus juicios durante mucho tiempo, y esta ansiedad por la modernidad acabó desgarrándole el alma. Y sin duda habría acabado de otra manera si, en algún momento de su carrera, no se hubiera replanteado el papel de la ilustración. Fue en las páginas de los libros donde Macchiati encontró su razón para expresarse.

Esta es la historia que se cuenta en la exposición Serafino Macchiati. Moi et l’autre, comisariada por Francesca Cagianelli y Silvana Frezza Macchiati, que la Pinacoteca Municipal de Collesalvetti acoge en su nueva sede de Villa Carmignani, a las afueras del pueblo, hasta el 29 de febrero. La exposición es el resultado de una cuidadosa y fructífera investigación entre los papeles del epistolario conservados en el Fondo Grubicy del Mart de Rovereto, gran parte de los cuales aún no han sido estudiados, y que ha permitido reconstruir la personalidad de Serafino Macchiati de forma completa, como nunca antes se había hecho: lo que surge es la figura de un artista perfectamente consciente de su papel y de su lugar en el contexto cultural de la época, un artista culto y actualizado, un conocedor del arte y la literatura de su tiempo, pero atormentado y oprimido por la idea de no ser suficientemente moderno. Lo que me gusta en mí no es más que el arte que anhelo hacer, el cuadro que siempre intento crear y que siempre se me escapa, quizá porque es una empresa demasiado ardua para mis facultades artísticas“: así escribía Macchiati a Grubicy en 1866, cuando sólo tenía 25 años. Lo que le gustaba, quizá ni él mismo lo sabía. Un desconcierto casi irremediable, la percepción de una presunta ineptitud y las consiguientes decepciones, una frustración continua que sin embargo se convirtió para Macchiati en un alimento vital, en un combustible ilimitado. Incluso en sus años de éxito, llegará a decir que ni siquiera sabe si lo que está haciendo ”merece la pena ser visto", pero no es de los que se rinden fácilmente, y por muy nervioso que sea su carácter, casi nunca se deja vencer por sus estados de ánimo, que acaban por nublar su lucidez. Macchiati pasó toda su vida entre las olas de una melancolía laboriosa que le llevaría a experimentar con incesante fervor, con ardiente constancia, elaborando cada vez nuevas sugerencias: La exposición, con un itinerario apasionante que, con continuos cambios de registro, casi refleja el carácter del artista, nos brinda la oportunidad de apreciar sus impulsos impresionistas, su acercamiento al grubismo y a una singular interpretación del divisionismo, su pasión por el espiritualismo y lo esotérico y, por último, pero no por ello menos importante, un impulso simbolista que quizá sea el que más se le asocia.

Cinco secciones en total componen la exposición, que recibe al público con una gran sala repleta de vistas y paisajes: Bajo la deslumbrante luz del amanecer del siglo XX sigue los experimentos en plein air de Serafino Macchiati, que inició así su propio viaje artístico en plena naturaleza. Hay que decir que la sala no contiene los cuadros más antiguos de la exposición, ya que aquí empezamos a finales de la década de 1890 y, como descubriremos más adelante, el comienzo de los tormentos de Macchiati fue muy anterior: la actitud del artista, sin embargo, no había cambiado con respecto a sus inicios. Curiosamente, fue el teatro lo que le condujo hacia la exploración de la naturaleza, porque creía que el teatro no era más que una representación de la vida, aunque una representación de la naturaleza más pálida que la real. De ahí la necesidad de una implicación más profunda que Macchiati experimentó al sumergirse en los bosques y el campo. Durante mucho tiempo -escribía a Grubicy el 25 de marzo de 1900- sólo he visto y comprendido el teatro y, a través del teatro, la Naturaleza". Sus obras paisajísticas son en su mayoría pinturas abocetadas, y esto es cierto para las obras que el artista pintó inspirándose en la campiña romana (aunque por motivos de salud no podía pasar demasiado tiempo al aire libre y a menudo se veía obligado a daral aire libre y a menudo se veía obligado a dar rienda suelta a sus ideas en los confines de su estudio), como se ve en Parterre di fiori o La grande nuvola, tanto como para las ejecutadas en París tras haber visto de cerca las obras de los impresionistas(Paesaggio a Mougins, Les deux mimosas o Bord de mer). Hay que verlas sobre todo como investigaciones, como obras que no fueron creadas para ser mostradas al público ni para ser acabadas (quizá la única verdaderamente acabada sea Tarde de otoño de 1902, propiedad de la Fondazione Enrico Piceni), como experimentos ahora sobre la luz y el color, ahora sobre el soporte (Macchiati pasó con agilidad del pastel al lienzo), ahora sobre el del pastel al lienzo), ahora sobre la pincelada, que a veces se vuelve más líquida y relajada y otras más fragmentada y cercana al puntillismo, ahora sobre el trazado (que a veces llega incluso a resultados inesperados y atrevidos, cercanos a los de la fotografía, como ocurre en Bord de mer). Los paisajes enmarcan así el temperamento de Macchiati, que en este periodo de su vida seguía encendido por la llama de la impresión: “Cuanto más se acostumbra el ojo a un decorado y a una entonación dados, más pierde la primera impresión, que es la verdadera y propia expresión que se desprende de un efecto dado para cosquillear la pintura”.

Macchiati estaba ya en el camino de la ansiada modernidad, y ya lo había demostrado con las obras que la exposición reúne en la segunda sección, ’Hacer vivir, vivir que habla’. El sueño de una "pintura que respira vida“, donde el público puede contemplar la producción más marcada por su proximidad a Vittore Grubicy, con obras que se remontan a la década de 1880. Sin embargo, son obras que también se remontan a un verista como Antonio Mancini, uno de los pocos pintores contemporáneos que consiguió atrapar Macchiati, ya que según él era uno de los pocos que pintaba figuras ’vivas palpitando de verdad’. La originalidad del puntillismo de Macchiati procede de esta singular fusión. En estos cuadros, escribe el comisario Cagianelli, el pintor ”está seguro de haber encontrado la dirección correcta": la serie de retratos inaugurada por Paolina Brancaleoni, la madre de Umberto (1887) y continuada con algunos estudios de cabezas" como el Campesino de Rocca di Papa, el Retrato de su hijo en un marco o elAutorretrato , todos hacia 1888, y todas obras “concebidas en los albores de la conversión pictórica a la modernidad”, como retratos de personas captadas del natural, en un intento de captarlas en su contexto, de enmarcarlas en su entorno.

El medio ambiente es el tema de la tercera sección, Las contradicciones de la Belle Époque: De la conquista de la ciudad a la exploración de la psique, que actúa como costura entre la primera y la segunda parte de la exposición, permitiéndonos admirar primero a un Macchiati más bien soleado, el que deambula por las plazas de Roma con laidea de registrar, con su pincel, la vivacidad de los ambientes urbanos de la capital (las plazas romanas, confesó el artista, son para él una especie de “bautismo que me dará valor para otros intentos más difíciles”.), como se ve en una de las obras simbólicas de la exposición de Collesalvetti, Dama con abanico en la plaza (y haría lo mismo en París, adonde se había trasladado en 1898 para trabajar como ilustrador), y luego un artista que empieza a perderse en los pliegues más oscuros del alma humana, un pliegues más oscuros del alma humana, que es las Manchas morfinómanas, una de sus obras más conocidas, retrato de dos mujeres que han tomado el conocido opiáceo, particularmente popular en aquella época en la alta sociedad de la Belle Époque, así como entre las clases bajas: la obra, como varios de los lienzos de Macchiati, fue probablemente concebida como ilustración para un libro, ámbito al que el artista dedicaría todo el último periodo de su carrera, reconociendo, tras haber subestimado durante mucho tiempo este medio expresivo, que laen primer lugar, que la ilustración tiene su propia y muy noble autonomía y que no debe considerarse una ocurrencia tardía para un artista, y en segundo lugar, que tal vez sea la herramienta más adecuada para describir la sociedad moderna. Esta conciencia maduró a principios del siglo XX y quizá encontró su momento decisivo, al menos según la idea de Francesca Cagianelli, cuando Macchiati se enfrentó a las ilustraciones de la novela Moi et l’autre , de Jules Claretie, una empresa que ofreció al artista la oportunidad de explorar todas las potencialidades de la ilustración (no sólo las artísticas, sino también las artísticas).ilustraciones (no sólo las artísticas, sino también las sociales), y de descubrir plenamente su propia vocación, que, sin embargo, ya había sido plenamente reconocida por Vittorio Pica en 1904, año en que apareció en Emporium un artículo decisivo tanto para comprender el alcance del arte de Macchiati como para enmarcar su ya definida personalidad artística.

El artista de las Marcas estaba convencido, escribía Pica, “de que, sobre todo en nuestra época, en la que cada año se crean miles y miles de cuadros y estatuas que no sirven más que para abarrotar las salas de las demasiado frecuentes exposiciones de arte y que no se sabe dónde van a parar, un volumen bellamente ilustrado no vale ciertamente menos que un buen cuadro”. Pica, por otra parte, veía en Macchiati un “virtuosismo como elegante reproductor [...] de las escenas y figuras de la bulliciosa existencia de la ciudad moderna”, así como un “ilustrador despreocupado” dotado esencialmente de dos méritos una “naturalidad en sus actitudes” y la capacidad de situar a sus figuras “en el marco más adecuado para determinar el tipo y comprender el estado psicológico por el que atraviesan”. Serafino Macchiati, a esas alturas cronológicas, ya se había transformado: Dejando atrás sus aspiraciones a una pintura monumental, que nunca llegó a materializarse, y abandonando la idea de encontrar su camino a través del pincel, el artista se distinguió como un ilustrador refinado, que emergió por encima de las filas de quienes trabajaban para las revistas de la época para convertirse al mismo tiempo en artista, psicólogo, sociólogo, investigador minucioso de la sociedad de principios del siglo XX a través del medio de lala ilustración, entendida no como una mera traducción en imágenes de una página de un libro, sino como un arte en sí mismo que parte de la narración literaria para ofrecer una interpretación de la realidad que vive y palpita en la mente del artista, y que se nutre de sus ideas, de sus sugerencias, de las claves que capta al observar el arte de su tiempo. El que ilustra la composición literaria", habría observado el periodista Carlo Gaspare Sarti en un artículo sobre Macchiati publicado en 1912 en Noi e il mondo, “realiza un trabajo de investigación y penetración tanto más tortuoso cuanto más es más profundo; el artista que colabora con el lápiz a la narración del cronista o a la invención del novelista debe identificarse con los personajes de estos escritores y vivir, por así decirlo, las situaciones que han reproducido o concebido”.

Así, la ilustración no puede sino ser la protagonista de la cuarta sección de la exposición, titulada La batalla por "La ilustración del pensamiento ": De “La Tribuna illustrata” a "Je sais tout ", que reúne revistas y libros ilustrados por Macchiati (entre ellos una portada de Noi e il mondo redescubierta con motivo de la exposición Collesalvetti), así como bocetos de las imágenes que más tarde acabarían impresas. Según la opinión de Dario Matteoni, que en el catálogo firma una contribución dedicada al ilustrador Macchiati, es en las imágenes pintadas para la revista Je sais tout, y en particular en las destinadas a la novela Moi et l’autre, obra que narra una historia de desdoblamiento de la personalidad, donde podemos encontrar una clave útil para comprender gran parte de la producción ilustrada del artista, ya que es Es sobre todo en estos paneles donde Macchiati mezcla lo real con lo fantástico, la verdad con los sueños, los hechos con las ideas, cediendo a veces a reminiscencias simbolistas (como demuestra en la exposición una escena llena de patetismo onírico y visionario como L’avertissement, ilustración para Moi et l ’autre que revela también un cierto gusto por lo terrorífico), y a veces a una imaginería esotérica y espiritualista, de acuerdo con las modas de la época. Sin embargo, recurrir a estas visiones alucinadas no era una forma de evadirse de la realidad o de escapar de la vida cotidiana, sino todo lo contrario: era la manera que tenía Macchiati de criticar los excesos y las contradicciones de la sociedad de su tiempo. Y es con esta originalísima mirada a la sociedad contemporánea con la que Macchiati recompone la fractura, aparentemente incurable, entre pintura e ilustración. Una obra que reapareció recientemente en el mercado, L’Aimant, expuesta en la recién concluida exposición sobre Umberto Boccioni en la Fondazione Magnani-Rocca, fue identificada en la exposición como un boceto para una ilustración incluida en una investigación, titulada Les grandes spéculations, publicada en 1905 en Je sais tout (la página de ilustraciones de la revista está expuesta): la imagen era una especie de denuncia de los especuladores, a los que alude el personaje empeñado en mirar el dinero que hay sobre la mesa, y detrás del cual se ciernen una serie de monstruosas figuras de esqueletos y fantasmas, símbolos de las desgracias y la ruina que esperan a los especuladores (“En qué angustia profunda e intolerable vivirían los especuladores”reza el epígrafe que acompaña a la ilustración, “si conocieran todos los peligros, todas las desgracias que les esperan, listas para abalanzarse sobre ellos y destruir sus destinos, los de los seres que les son queridos, los de los miles de hombres que han depositado su confianza en ellos”). Y es precisamente a uno de los vicios de la sociedad de la Belle Époque, el abuso de sustancias, y en particular de la morfina, a lo que está dedicada la última sección(Paraísos artificiales de la decadencia), anticipada por los Morfinómanos que el público vio en la sala anterior. Comisariada por Emanuele Bardazzi, la sección se inspira en el cuadro de Macchiati para proponer al público una serie de obras gráficas de artistas como Félicien Rops, Henry De Groux, Alfredo Müller y Anders Zorn, todas ellas vinculadas al consumo de morfina y absenta.

La exposición Collesalvetti no deja de enmarcar la producción de Macchiati dentro de los límites de la literatura, especialmente en las últimas secciones: Con la vívida presencia de Charles Baudelaire y el aplastante vacío interior que se desborda de las páginas de Les Fleurs du Mal (en la exposición, en la última sala, hay también una ilustración de Jean Veber para L’ennui), es difícil no pensar, ante las imágenes más oscuras de Macchiati, en la Es difícil no pensar, frente a las imágenes más oscuras de Macchiati, en la soledad alucinada de Des Esseintes en Controcorrente, de Huysmans, y en las referencias indefectibles a los escritores que trataron la pasión de la Belle Époque por los opiáceos (como Victorien De Saussay, que escribió una novela titulada La morphine). Tampoco faltan referencias a Livorno, aunque superficialmente pudiera pensarse que Macchiati tenía poco que ver con la ciudad toscana: en realidad, los frecuentes contactos del artista con el entorno del Caffè Bardi, el punto de encuentro abierto en 1908 que enseguida se convirtió en una especie de peña de los artistas livorneses más entendidos de la época, desde Gino Romiti ade la época, de Gino Romiti a Renato Natali, de Benvenuto Benvenuti a Mario Puccini, de Gastone Razzaguta a Manlio Martinelli (un entorno con el que Macchiati compartía, por ejemplo, el interés por los temas ocultistas). También se sabe que Macchiati mantenía relaciones muy sólidas con todo el entorno divisionista de Leghorn próximo a Grubicy, en particular con Benvenuto Benvenuti. Y a su vez Macchiati habría representado a veces un punto de referencia para los artistas de Livorno, por ejemplo cuando, como recuerda Francesca Cagianelli, a raíz de un intercambio entre el artista de Marche y Benvenuti penetró “en el Caffè Bardi de Livorno el eco del debate sobre el arte futurista”, que se había iniciado a raíz de una polémica sobre un artículo de Ardengo Soffici que descalificaba de manera bastante brutal a Grubicy, Benvenuti y Macchiati. Que luego responderían del mismo modo.

Un buen resultado para la Pinacoteca di Collesalvetti que, anualmente, y a pesar de las ansiedades que notoriamente atormentan a los pequeños museos de provincia, consigue iluminar historias olvidadas de algunos protagonistas poco conocidos del arte toscano entre los siglos XIX y XX.Arte toscano entre los siglos XIX y XX, y la exposición sobre Macchiati viene a componer una especie de tríptico ideal, junto con las exposiciones sobre Charles Doudelet en 2022 y Gino Romiti en 2023, sobre aquellos artistas más o menos vinculados a los círculos livorneses de principios del siglo XX que se dejaron seducir por el verbo simbolista. Todo ello va siempre acompañado de ricos catálogos (el de la exposición de este año, además de un largo ensayo de Cagianelli, contiene una nueva biografía del artista escrita por Silvana Frezza Macchiati y contribuciones de Dario Matteoni, Camilla Testi y Emanuela Bardazzi para componer un cuadro completo sobre Macchiati). Por último, cabe señalar que la exposición no dejará de sorprender al público, estamos seguros, por su actualidad: ¿cuántos artistas se preocupan hoy en día de plantear el mismo problema de la modernidad que atormentó a Macchiati a lo largo de su carrera?

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