Die Van-Gogh-Ausstellung in Mailand, warum ja und warum nein: Doppelter Rückblick

Warum ja. Federico Giannini

Die Mythografien, die sich um die Figur Vincent van Gogh ranken, haben lange Zeit verhindert, dass die ihm gewidmeten Ausstellungen die Komplexität seiner Figur ergründen, die weit entfernt ist von der Vorstellung eines außergewöhnlichen Genies, das verrückt ist und sich nur von seinen reinen Gefühlen leiten lässt, an die uns die Frivolitäten der Vulgata immer gewöhnt haben. Ein begabter Maler, ja, aber auch ein gestörter Mensch, dessen Seele von unheilbaren Qualen zerrissen ist: man braucht nur seine Briefe zu lesen, um dies zu erkennen. Doch wenn man liest, was Van Gogh an seine Lieben schrieb (nur wenige Künstler schrieben so viel wie der Niederländer, und seine Briefe sind eine unschätzbare Quelle, um nicht nur seinen Charakter, sondern auch seine künstlerischen Entscheidungen zu rekonstruieren), entsteht auch das Bild eines Mannes, der sich seiner künstlerischen Natur vollkommen bewusst war.Das Bild eines Mannes, der sich seines Tuns vollkommen bewusst war, eines Mannes voller Leidenschaft und Passion, eines Mannes, der alles andere als losgelöst von der ihn umgebenden Realität war, eines Mannes mit einer großen Kultur und einem starken Interesse am Lesen. Aus diesem Grund ist eine Ausstellung wie Vincent van Gogh. Cultured Painter, die Ausstellung, die bis zum 28. Januar einen Teil der Räume des Mailänder Mudec einnimmt, zu begrüßen, ja man kann sagen, dass sie eine notwendige Ausstellung ist.

Natürlich wird man sagen, dass es sich im Wesentlichen um dasselbe Material handelt wie bei der Ausstellung im Palazzo Bonaparte in Rom im vergangenen Jahr. Wie könnte es auch anders sein, wenn man bedenkt, dass auch die Mudec-Ausstellung mit einem Block von Leihgaben des Kröller-Müller-Museums in Otterlo organisiert ist, das uns an diesen Modus Operandi gewöhnt hat: Seine Sammlung enthält Dutzende von Werken Van Goghs, und von Zeit zu Zeit leiht es eine Auswahl an Museen in der ganzen Welt aus, und zufälligerweise war Italien im letzten Jahr zweimal an der Reihe. Und obwohl fast die gleichen Werke nach Rom und Mailand gingen, entstanden zwei völlig unterschiedliche Ausstellungen. In Rom wurde mit der von Maria Teresa Benedetti und Francesca Villanti kuratierten Ausstellung ein chronologischer, lebendiger, präziser und tiefgründiger Rundgang über Van Gogh geschaffen, der vor allem seine formalen Entscheidungen darlegen sollte, ohne jedoch die ihnen zugrunde liegenden Motive zu vernachlässigen. In Mailand hingegen richtet die von Francesco Poli, Mariella Guzzoni und Aurora Canepari kuratierte Ausstellung ihren Blick auf die tiefgründige Kultur Van Goghs, die Bücher, die er las, die Trends, die er beobachtete, und sucht nach deren Bezügen in figurativen Texten.

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Für diejenigen, die mit der Kunst van Goghs vertraut sind, bringt die Ausstellung natürlich nichts Neues mit sich. Und wir sprechen hier nicht nur von Insidern: Auch ein Enthusiast, der sich nicht auf den Besuch einiger mittelmäßiger Ausstellungen (wie die 2017 in Vicenza) beschränkt hat, sondern einige Bücher oder Artikel über Van Gogh gelesen hat, wird in den Mudec-Sälen nichts finden, was er nicht schon kennt. Allerdings kann man sich für einen Moment von der Vorstellung lösen, dass Ausstellungen nur dazu dienen sollten, denjenigen, die bereits über das Thema informiert sind, Neues zu präsentieren: Wenn man sich eine Ausstellung vorstellt, die die Stereotypen über einen der von der Öffentlichkeit am meisten geliebten Künstler aufbrechen kann, eine Ausstellung, die dazu beiträgt, das Wissen über ihn zu erweitern, eine Ausstellung, der es gelingt, den Besuchern eine korrektere Lesart des Themas zu vermitteln, das sie behandelt, dann hat das Museum, das sie veranstaltet, auch in Ermangelung wesentlicher Neuerungen richtig gehandelt.

“Kürzlich”, schrieb Van Gogh am 23. Dezember 1881 in einem Brief an seinen Bruder Theo, "habe ich Michelet, La femme, la religion et le prêtre gelesen. Bücher wie diese sind voller Wirklichkeit, aber was ist wirklicher als die Wirklichkeit selbst, und was hat mehr Leben als das Leben selbst? Und wir, die wir unser Bestes tun, um zu leben, warum leben wir nicht mehr!“. Und noch früher, am 19. November, wieder an seinen Bruder: ”Ich für meinen Teil, père Michelet tut mir sehr gut. Lies auf jeden Fall L’amour und La femme und, wenn du es kriegen kannst, Beecher Stowes Meine Frau und ich und unsere Nachbarn. Oder Jane Eyre und Shirley von Currer Bell. Diese Leute können dir viel besser Auskunft geben als ich“. In seinen Briefen spricht Van Gogh über die Bücher, die er liest, kommentiert sie und berichtet von den Einsichten, die sie ihm vermitteln. In den frühen 1980er Jahren galt sein Interesse vor allem der sozial engagierten Literatur, und der erste Teil des Rundgangs zeigt Gemälde und Zeichnungen, in denen man sozusagen ”visuelle" Spuren seiner Lektüre finden kann. Jules Michelets Geschichte der Französischen Revolution ist einer der Gründe, warum Van Gogh eine starke Nähe zu den Bauern des Borinage empfand, einer armen ländlichen Region in Wallonien, in die der Künstler zwischen 1879 und 1880 ging, um als Prediger zu arbeiten (zu dieser Zeit hatte seine Tätigkeit als Künstler noch nicht begonnen). Die Lektüre eröffnete ihm auch neue religiöse Ideen, und die Reifung dieser Überzeugungen weckte seinen künstlerischen Willen (in einem Brief an Theo geht er zum Beispiel so weit zu sagen, dass er in Jules Michelet und Harriet Beecher Stowe zwei Fortsetzer des Evangeliums sieht: “Nehmen Sie Michelet und Beecher Stowe, sie sagen nicht, dass das Evangelium nicht mehr gültig ist, sondern sie helfen uns zu verstehen, wie anwendbar es heute ist, in unserem Leben, für Sie zum Beispiel und für mich, um nur jemanden zu nennen. Michelet spricht sogar Dinge laut und deutlich aus, die uns das Evangelium nur keimhaft zuflüstert, und Stowe geht so weit wie Michelet”). Die Ausstellung veranschaulicht diese Passage gut: Michelet und Beecher Stowe sind die Hauptinspiratoren in der Literatur, während Van Gogh in der Kunst eine Art idealen Mentor in Millet findet, den er unablässig zu kopieren beginnt (im ersten Raum sind frühe Zeichnungen ausgestellt, die Werke des großen französischen Malers kopieren).

Der “realistische” Ansatz, der Van Goghs Werk bis zu seiner Übersiedlung nach Paris kennzeichnete, ist auch von der Lektüre des fast vollständigen Werks von Émile Zola beeinflusst: Anklänge sind in den Zeichnungen zu spüren, die Arbeiter und Bauern darstellen, oder in denen, die das Innere von Fabriken und Werkstätten festhalten. Aber es gibt auch präzise Querverweise zwischen Kunst und Literatur: Das Kapitel über das Nest in Michelet’s L’Oiseau findet seine visuelle Entsprechung in Van Gogh’s Nest (der Künstler bewahrte im Übrigen eine Sammlung von Vogelnestern auf, Lebewesen, die er als gleichwertig mit Künstlern betrachtete: ganz allgemein hatte seine Liebe zur Natur nie nachgelassen, und sie würde auch im Laufe seiner Karriere nicht nachlassen). Der Aufenthalt in Paris, der von 1886 bis 1888 dauerte, bedeutete für Van Gogh die Bekanntschaft mit der impressionistischen Malerei: Die Ausstellung nimmt diese Passage vorweg, indem sie zeigt, wie der Maler während seiner Zeit in Nuenen (zwischen 1883 und 1885) die Grammaire des Arts du Dessin von Charles Blanc und seine Farbtheorie eingehend und systematisch studiert hatte, eine Lektüre, die sich als nützlich erweisen sollte, als er begann, die verschiedenen Tolouse-Lautrec, Bernard, Signac (mit Bernard und Signac malte er auch gemeinsam, und wie man an der Abfolge der Bilder sieht, die die Ausstellung an dieser Stelle präsentiert, vomSelbstbildnis , das eine Art Zäsur zwischen dem ersten und dem zweiten Teil des Rundgangs darstellt, bis hin zur Landschaft von Paris vom Montmartre aus gesehen über das unvermeidliche Interieur eines Restaurants, ist die Nähe zu Signac so groß, dass Van Gogh sich in den ersten Monaten seines Aufenthalts in Paris schnell dessen Technik aneignete). Paris eröffnete Van Gogh weitere, neue Interessen: Es waren die Jahre, in denen der Künstler seine Leidenschaft für die japanische Kunst entwickelte, die er durch die damals in der französischen Hauptstadt erscheinenden Zeitschriften kennenlernte, angefangen mit Le Japon Artistique, durch die Van Gogh die Kunst von Hokusai und den anderen großenUkiyo-e-Künstlern kennenlernte, Van Gogh selbst wurde ein Sammler japanischer Drucke und seine Kunst wurde tiefgreifend beeinflusst. In der Ausstellung fehlen zwei Eckpfeiler wie Brücke im Regen und Pflaumenblüte, die beide aus dem Van Gogh Museum in Amsterdam stammen, aber neben Grafiken, die vom Museo Chiossone in Genua ausgeliehen wurden, ist ein von Zypressen umgebener Obstgarten zu sehen, der unwiderruflich von diesem neuen Interesse beeinflusst ist, ebenso wie die Weiden bei Sonnenuntergang , die gut die Idee vermitteln, dass ein japanischer Künstler wie Hokusai ein Sammler japanischer Grafiken war.Die Idee, dass ein japanischer Künstler, wie Van Gogh geschrieben hätte, “einen einzigen Grashalm” studiert, aber “dieser Grashalm führt ihn dazu, alle Pflanzen zu zeichnen, dann die Jahreszeiten, die grandiosen Aspekte der Landschaften, dann die Tiere und schließlich die menschliche Figur”. Seine Leidenschaft für Japan war so stark, dass sie den Künstler dazu brachte, Paris zu verlassen, um im Midi, im Süden Frankreichs, das japanische Licht zu suchen: Die Ausstellung begleitet Van Gogh auch auf seiner Reise nach Arles (Werke wie die Ansicht von Saintes-Maries-de-la-Mer oder der Grüne Weinberg, die in der letztjährigen Ausstellung in Rom fehlten, stammen aus dieser Zeit) und berichtet dann kurz über seine Krankheit und den anschließenden Krankenhausaufenthalt in Saint-Rémy-de-Provence, der ihn der Natur näher brachte, auch durch das Lesen. In einem Brief vom 2. Juli 1889 schreibt Van Gogh an seine Schwester Willemien: “Ich bin ganz in die Lektüre des Shakespeare vertieft, den mir Theo hierher geschickt hat, wo ich endlich die nötige Ruhe haben werde, um eine etwas schwierigere Lektüre in Angriff zu nehmen. Zuerst habe ich mir die Reihe der Könige vorgenommen, von denen ich bereits Richard II, Heinrich IV, Heinrich V und einen Teil von Heinrich VI gelesen habe - da mir diese Stücke weniger vertraut waren. Haben Sie jemals König Lear gelesen? Aber auf jeden Fall möchte ich Sie nicht zu sehr zur Lektüre solch dramatischer Bücher drängen, denn wenn ich von dieser Lektüre zurückkomme, muss ich immer einen Grashalm, einen Tannenzweig oder eine Ähre betrachten, um mich zu beruhigen”.

Der letzte Van Gogh, ein Van Gogh, der die Natur um sich herum mit einer fast mystischen Einstellung beobachtet, verliebte sich in Rembrandt, der ihm vorschlug, die Essenz dessen, was er beobachtete, zu suchen. Er war überzeugt, wie er 1888 an seinen Freund Bernard schrieb, dass nur Rembrandt und einige andere (Delacroix und Millet) in der Lage waren, in der Malerei religiöser Themen den metaphysischen Sinn des Opfers Christi zu erfassen. Und beim Betrachten der Werke Rembrandts wird Van Gogh angespornt, die metaphysische Bedeutung des religiösen Sujets zu erfassen: “Wenn ich hier bliebe, würde ich nicht versuchen, einen Christus im Olivengarten zu malen, sondern nur die Olivenernte, wie man sie heute noch sieht, und dann die richtigen Proportionen der menschlichen Figur darin geben, was vielleicht genau daran denken ließe”. Den Abschluss der Ausstellung bildet die Olivenernte , die zusammen mit der unübersehbaren Garbe unter einem wolkenverhangenen Himmel auftaucht, der Van Goghs Ende vorwegnimmt, und die den Rundgang mit einem Bild abschließt, das das Ergebnis einer intimen Meditation ist, mit einem starken religiösen Sinn, der aber dennoch in dem wurzelt, was der Künstler gelesen oder sorgfältig beobachtet hatte.

Eine ungewöhnliche, noch nie dagewesene Ausstellung, die aus demselben Material entstanden ist, das das italienische Publikum in den letzten Jahren schon mehrmals gesehen hat. Man kann sie mit demselben Geist angehen, mit dem man oft Van-Gogh-Ausstellungen besucht: hingehen und sich von den Gemälden eines der beliebtesten Maler der Welt mitreißen lassen. Oder man kann die Gelegenheit nutzen, um ihn tiefer kennen zu lernen, sich mit Seele und Geist in seine Bilder hineinzuversetzen und die Gründe für seine Auswahl zu verstehen.

Warum nicht? Ilaria Baratta

Es ist nur ein kurzer Weg zwischen zwei Ausstellungen, die Van Gogh gewidmet sind. Die eine endet im Mai 2023 in den Ausstellungsräumen des Palazzo Bonaparte in Rom und heißt Van Gogh. Meisterwerke aus dem Kröller-Müller-Museum und der noch bis zum 28. Januar 2024 im Mudec in Mailand laufenden Ausstellung Van Gogh ein kultivierter Maler, aber um ehrlich zu sein, verspürte ich beim Besuch der letztgenannten Ausstellung nicht denselben Wunsch, die Entdeckung fortzusetzen, wie ich es bei der vorhergehenden getan hatte, im Gegenteil, ich fühlte mich angespornt, Schritt für Schritt, Raum für Raum, weiterzugehen. In beiden Fällen stammten die ausgestellten Werke aus dem Kröller-Müller-Museum in Otterlo, einem Museum, dessen Sammlung von Gemälden und Zeichnungen Van Goghs gleich nach der des Van Gogh-Museums in Amsterdam an zweiter Stelle steht und daher außergewöhnliche Meisterwerke enthält, wie dasSelbstporträt des Malers von 1887, das in beiden Ausstellungen zu sehen ist. Und das ich als Besucher in der Mudec-Ausstellung als ziemlich schmal empfunden habe. Ich werde versuchen, mich besser zu erklären.

Die verschiedenen Phasen der malerischen Tätigkeit des niederländischen Künstlers sind sowohl in der Ausstellung in Rom als auch in der in Mailand zu sehen: von der niederländischen Periode mit den Jahren in Etten geht es weiter nach Den Haag, wohin Van Gogh Ende 1881 zog, dann in das Dorf Nuenen, wohin Vincent 1883 zog und wo sein Vater als protestantischer Pastor arbeitete. Danach zog er nach Paris, die Stadt, in der sich seine Kunst veränderte: Wenn der Künstler in der holländischen Periode seine Aufmerksamkeit auf die einfachen Leute und ihre Bedingungen auf den Feldern und in den Minen richtete, begann in Frankreich seine impressionistische Periode und seine Werke, die zunächst von Grau- und Brauntönen geprägt waren, wurden immer farbenfroher und erreichten ihren Höhepunkt in der Periode von Arles, als die Farben auf der Leinwand immer heller wurden, mit prächtigen Gelb- und Blautönen, um die Wärme der Provence in die Bilder zu übertragen. Und in dieser vom Mittelmeer geküssten Region Frankreichs fand Van Gogh sein Japan, für das der Maler eine große Leidenschaft hegte: Er war nämlich ein großer Sammler japanischer Drucke. Nach der glücklichen Zeit in Arles folgte die Einweisung in die Heilanstalt Saint-Paul-de-Mausole in der Nähe von Saint-Rémy-de-Provence, wo Van Gogh jedoch nicht aufhörte zu malen, da er erkannte, dass die Malerei eine echte Heilung für ihn war. Und schließlich der letzte Van Gogh, als seine Landschaften und vor allem seine Kornfelder immer mehr Anzeichen seines existenziellen Leidens zeigen, das ihn bald dazu bringen sollte, sich das Leben zu nehmen. Dieses tiefe Leiden wurde in der Ausstellung im Palazzo Bonaparte durch das Gemälde Der verzweifelte alte Mann hervorgehoben, der auf einem Stuhl sitzt und seine Hände als Zeichen der Verzweiflung über die Augen hält; die Ausstellung in Mudec hingegen endet auf sanftere Weise mit einem wolkenverhangenen Himmel unter den Garben.

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Die Werke aus dem Kröller-Müller-Museum in Otterlo, etwa vierzig für die Mailänder Ausstellung und etwa zehn weitere für die in Rom, sind gekommen, um das Leben van Goghs nachzuzeichnen: In beiden finden wir, wie bereits erwähnt, dasSelbstporträt, aber auch Die Kartoffelesser, Die Bäuerin bei der Weizenernte, Frau beim Nähen und Katze,Interieur eines Restaurants, Die Kiefern bei Sonnenuntergang, Garbe unter bewölktem Himmel. È Es stimmt, dass die beiden Ausstellungen unterschiedliche Ziele verfolgten, nämlich das menschliche und künstlerische Leben des niederländischen Malers in der Ausstellung in Rom zu erzählen und in der Ausstellung in Mailand eine neue Lesart der Werke Van Goghs vorzuschlagen, um die Beziehung zwischen seiner malerischen Vision und seinen kulturellen Quellen hervorzuheben, insbesondere durch sein leidenschaftliches Interesse an Büchern und seine Faszination für Japan, um das Bild eines kultivierten Malers zu vermitteln, das über die Darstellung Van Goghs als eines Malers hinausgeht, der von Leiden, seinem schwierigen Charakter und von Episoden geprägt ist, die heute in die kollektive Vorstellung eingegangen sind, wie das Abschneiden seines Ohrs nach seinem Streit mit Gauguin. Doch während der erste Teil den Eindruck erweckte, die Themen umfassender zu behandeln, scheint es sich beim Mudec um eine zu konzentrierte Aneinanderreihung von Bezügen zu handeln, was besonders im ersten Teil auffällt, der der Zeit vor dem Impressionisten Van Gogh gewidmet ist.

Die Ausstellung beginnt im belgischen Kohlenrevier Borinage, wo Vincent als evangelischer Laienprediger in einer Bergarbeitergemeinde tätig ist. Die Ausstellung wird mit der Zeichnung Die Lastenträgerinnen eröffnet, die eine Gruppe von Frauen zeigt, die mit gebeugtem Rücken Kohlensäcke in einer trostlosen Landschaft tragen: ein Bild, das den Zustand der Mühsal und des Leids der einfachen Arbeiter darstellt und als symbolisches Werk für den Übergang vom Prediger zum Maler gilt. Hier gibt eine Tafel bekannt, dass seine beiden “neuen” Evangelien Jules Michelet mit seiner Geschichte der Französischen Revolution und Harriet Beecher Stowe, die Autorin von Onkel Toms Hütte, sind. Unmittelbar danach wird ein Vergleich mit Jean-François Millet gezogen, einem Künstler, der Van Gogh mit seiner religiösen Sicht der Natur stark beeinflusst hat: Vincent übte sich in der Kunst des Zeichnens, indem er die Werke von Millet kopierte, darunter, wie in der Ausstellung zu sehen ist, Die Goldgräber, Der Angelus und Der Sämann. In einer Vitrine ist auch Lavieilles Band mit Stichen von Bauern bei verschiedenen Arbeiten auf dem Lande zu sehen, die dieser mit großer Treue zu Millets Die Feldarbeit anfertigte, die Van Gogh ebenfalls als Übung kopierte. Die Ausstellung setzt sich dann mit den Jahren in Etten fort, wo Vincent im Frühjahr 1881 ankam und wo er Zeichnungen von Landschaften, Bauern bei der Arbeit und Menschen in Innenräumen anfertigte, wie z. B. Frau beim Nähen mit Katze, die hier neben Thomas Hoods Lied vom Hemd gezeigt wird. Eine Vitrine ist dann verschiedenen Büchern gewidmet, die sein Eintauchen in den “Realismus-Realismus” vermitteln sollen: So findet man Zola, John Leech, Dickens, Luke Fildes, und daneben sieht man Frau auf dem Sterbebett, womit man die Haager Zeit und seine Beziehung zu Sien Hoornik erwähnen will, einer schwangeren Prostituierten, die Vincent in seinem Haus aufnahm, mit der er eine Affäre hatte (er wollte sie heiraten, um sie aus ihrem Zustand zu befreien, aber das Vorhaben rief die Empörung ihrer Familie hervor) und die in einigen Werken als ihr Modell diente. Und dann Nuenen, wo Van Gogh den Farbstern von Charles Blanc studierte, eine Quelle für neue Experimente, wie der hier ausgestellte Kopf einer Bäuerin zeigt. Auch Bauernfrauen werden hier in Zeichnungen wie Bäuerin bindet ein Bündel Weizenkräuter dargestellt, und die Kartoffelesser, die ebenfalls in der Ausstellung in Rom zu sehen sind, gehören ebenfalls dazu. In einer Klammer wird auch Van Goghs Leidenschaft für Vogelnester erklärt. Allzu konzentriert, ohne Raum für eine tiefer gehende Untersuchung eines Themas zu geben, nämlich das seiner Buchkultur und seiner kulturellen Quellen, was an sich schon sehr interessant wäre.

Ein neuer Raum eröffnet das Kapitel über den Impressionismus und den Postimpressionismus, dessen Protagonist das bereits erwähnteSelbstporträt ist, ein Raum, in dem sich die Besucher zu drängen pflegen, was zu einem Durcheinander führt (eine Klammer sollte auch bei Führungen für Kinder und Jugendliche geöffnet werden, denn An dem Morgen, an dem ich die Ausstellung besuchte, hatte der Führer in diesem Raum die gesamte Gruppe auf dem Boden sitzen lassen, so dass der ganze Raum besetzt war und die anderen Besucher kaum noch Bewegungsfreiheit hatten: eine Angewohnheit, die besser kontrolliert werden sollte, da ich nicht glaube, dass junge und jung gebliebene Besucher ein extremes Bedürfnis haben, sich alle zwei bis drei auf den Boden zu setzen, auch angesichts der Konzentration von Führungsgruppen, die diese Ausstellung kennzeichnet).

Serie Hunderto

Die Ausstellung wird jedoch mit Paris, Arles und dem Japanismus fortgesetzt; besser ist der Abschnitt über Van Goghs Beziehung zu Japan, wo die Leidenschaft des Künstlers für die japanische Welt auch dank der Vergleiche mit bedeutenden Ukiyoe-Künstlern wie Hiroshige gut verstanden wird.

Die Ausstellung endet mit der Einweisung in die psychiatrische Klinik, und hier wird auf einer Tafel festgestellt, dass Vincent zu seinen alten Lesegewohnheiten zurückkehrt und insbesondere Shakespeare wieder liest. Die Pinienbäume bei Sonnenuntergang , die Van Gogh im Dezember 1889 in Saint-Rémy malte, als er die Möglichkeit hatte, das Krankenhaus zu verlassen, um die Landschaft zu besuchen, in den Momenten, in denen seine Krankheit ihm eine Atempause verschaffte und er so die Erlaubnis suchte, sich der Malerei zu widmen, als eine Art Heilung für ihn. Im letzten Zimmer schließlich erscheinen Wolken auf den Garben, ein Zeichen für die existenzielle Unruhe und das Leiden, das immer drängender wurde und den Maler schließlich in den Selbstmord trieb.

Van Gogh als kultivierter Maler ist daher meiner Meinung nach eine Ausstellung, die ein sehr interessantes Thema wie das der Bindung des Künstlers an das Buch beleuchten will, das aber meiner Meinung nach noch weiter hätte vertieft werden können, indem man mehr auf die Vergleiche zwischen den Werken und die künstlerisch-literarischen Bezüge eingeht. Gerade weil sie wenig bekannt ist, hätte sie meiner Meinung nach mehr Raum verdient. Dennoch ist sie einen Besuch wert, wenn Sie noch keine Gelegenheit hatten, die Ausstellung im Palazzo Bonaparte zu sehen: Die Anwesenheit von Meisterwerken aus dem zweitwichtigsten Museum in Bezug auf Qualität und Quantität der Werke des Künstlers ist sicherlich eine Reise wert.

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