Blinde führen die Toten. So sieht die Ausstellung der Gebrüder Chapman in Pietrasanta aus

Wir leben in der Palliativgesellschaft, argumentiert Byung-Chul Han. Eine Gesellschaft, die den Schmerz aus ihrem Erfahrungshorizont gestrichen hat, eine Gesellschaft, die versucht, den Schmerz auf jede Weise zu verbergen, eine Gesellschaft, die das persönliche Glück zum höchsten Gut erkoren hat, und zwar in dem Maße, dass Ausbeutung heute nicht mehr durch Zwang, Verpflichtung und Gehorsam, sondern durch die Induktion von Selbstbehauptung erreicht wird: Die Macht selbst löst sich also vom Schmerz und drückt sich ohne Unterdrückung aus. Nichts darf mehr wehtun, auch nicht die Kunst, die “mit aller Macht in das Korsett des Gefallens gezwängt wird”, schreibt der deutsche Philosoph: Die Kunst ist heute völlig betäubt, sie ist zur Unterhaltung geworden, sie ist jeglichen Anspruchs auf Komplexität beraubt worden. Im Gegenteil: Komplexität wird misstrauisch beäugt. Das Paradigma gilt für die bildende Kunst, aber es beginnt auch die dominierende Kunst unserer Zeit, das Kino, zu treffen: Man denke an die wahnsinnigen Diskussionen der letzten Tage, angeheizt durch die Horden improvisierter Kritiker, die in der Presse wüten, um den Film Comandante, vor dem die einzige Frage, auf die Tinte verschwendet wird, ist, ob Edoardo De Angelis’ Werk als substanziell faschistisch oder substanziell antifaschistisch zu betrachten ist. Gibt es also noch Raum für eine Kunst, der es gelingt, sich von der Logik des Gleichen zu befreien, die es schafft, dem erstickenden und betäubenden Manichäismus des heutigen öffentlichen Diskurses zu entkommen?

Das könnte man sich fragen, wenn man The Blind Leading the Dead besucht, die Einzelausstellung von Jake & Dinos Chapman, die nach Italien zurückkehren, in den großen weißen Saal von The Project Space in Pietrasanta, dreizehn Jahre nach ihrem letzten Auftritt, Gruppenausstellungen ausgenommen (es war 2010 und die beiden englischen Brüder stellten in der Fondazione Pino Pascali aus). Gibt es also eine Kunst, die eine Reaktion hervorruft? Lassen Sie uns gleich die kurze Antwort geben, die auch ziemlich lapidar ist: Wahrscheinlich nicht, oder zumindest nicht nach dem gängigen Verständnis, dass ein Kunstwerk notwendigerweise die Art und Weise verändern muss, wie wir die Dinge sehen. Aber es ist eine Antwort, die eine lange Artikulation erfordert, die zum Teil ihre Gründe in der ausgezeichneten Ausstellung findet, in der das Publikum eine Zusammenfassung desGesamtwerks der beiden bösen Buben der so genannten Young British Art findet. Die Versilia-Ausstellung fasst dreißig Jahre Produktion in einer sehr sorgfältigen Auswahl zusammen, die mehr als solide auf dem Kriterium der Qualität beruht: Übersetzt bedeutet dies, dass die Anzahl der Werke gering ist, aber jedes der gezeigten Werke ist repräsentativ für die vielen Phasen der Produktion von Jake und Dinos Chapman, alle Medien, mit denen sie gearbeitet haben, werden erkundet, und es gibt auch keinen Mangel an neueren Werken. Das am weitesten zurückliegende Werk ist Two-faced Cunt, ein Werk aus dem Jahr 1997, in dem die Körper zweier vorpubertärer Mädchen in Kopfhöhe durch ein weibliches Genital verbunden sind, als wären sie siamesische Zwillinge: In anderen Zeiten hätte die Ausstellung eines solchen Werks einen Skandal ausgelöst, so wie 2014, als die Beobachtungsstelle für die Rechte des Kindes eine Ausstellung im MAXXI in Rom verachtete, die ein ähnliches Werk, Piggyback, der Öffentlichkeit zeigte. Der Vorwurf lautete auf Kinderpornografie, Piggyback wurde der Status eines Kunstwerks aberkannt und der vorhersehbare Ruf nach Zensur wurde laut.

Heute hat die Informationsstelle offensichtlich andere Sorgen, oder sie hatte einfach in den letzten zwei Jahrzehnten Zeit, die damals von den Gebrüdern Chapman verursachte Aufregung zu verarbeiten: Die Vorstellung, dass ein solches Werk gegen die guten Sitten verstoßen könnte, ist nur noch in den Köpfen einiger weniger Reaktionäre, von denen die Welt immer noch voll ist: man denke nur an die Kontroverse um die jüngste Ausstellung von Miriam Cahn in Paris, die ebenfalls ein gerichtliches Nachspiel hatte. Es fällt jedoch schwer, Jake Chapman nicht zuzustimmen, wenn er in einem Interview mit diesem Autor anlässlich der Eröffnung der Pietrasanta-Ausstellung sagt, dass das, was sich um Kunst wie die seine abspielt, nichts anderes ist als ein großes Melodrama (“Ich denke, Kunst funktioniert als ein Instrument, das die Menschen in eine Art melodramatische Pantomime zieht, an der sie teilnehmen. [...] Wenn die Menschen davon ausgehen, dass ein Kunstwerk in irgendeiner Weise schockierend sein sollte, dann spielen sie meiner Meinung nach ihre Rolle in dem Austausch, indem sie vorgeben, schockiert zu sein. Denn letztendlich denke ich, dass jeder, der von der Kunst schockiert ist, wahrscheinlich auch schockiert ist von... ich weiß nicht, von Zucchini”). Nun, dass die Kunst der beiden Brüder nichts Ermutigendes hat, dass ihre Arbeit alles andere als tröstlich ist, ist klar: Man geht normalerweise nicht in eine Ausstellung von Jake und Dinos Chapman, um Antworten zu bekommen, um eine Lösung zu finden, um positives Feedback zu bekommen. Wer sich das erhofft, ist ziemlich naiv. Man könnte jedoch von diesem Nihilismus überrascht sein, der so peitschend, so spöttisch, so bissig, so natürlich ist. Man muss schon ein gewisses Maß an Einsicht haben, um zu verstehen, was die beiden Brüder vor den Augen des immer weniger staunenden Betrachters enthüllen.

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the dead, Einzelausstellung der Gebrüder

the dead, Einzelausstellung der Gebrüder

the dead, eine Einzelausstellung der Gebrüder Chapman

Die Tatsache, dass die heutige westliche Gesellschaft sich bemüht, den Schmerz zu verbergen, bedeutet nicht, dass der Schmerz nicht mehr existiert. Er wird einfach beiseite geschoben, und wenn er sich in seiner ganzen brutalen Grausamkeit zeigt, tun die Mächtigen alles in ihrer Macht Stehende, um ihn einzudämmen, abzuschwächen oder wegzuschieben (wie wir während der Pandemie gesehen haben). Stattdessen wählen Jake und Dinos Chapman das Gegenteil: die Zurschaustellung des Schmerzes in einem Hochglanztheater aus Knochen und Blut, in einer lärmenden, großspurigen Orgie, die seit den 1990er Jahren ununterbrochen läuft, bis zur Langeweile schillert und jedes Mal um eine neue Szene bereichert wird. Das jüngste Beispiel ist Monument to immortality (2021), eine sarkastische Serie von Bronzedenkmälern, die die gescheiterte Unsterblichkeit von Terroristen feiern, die sich in die Luft sprengen wollten, dies aber nicht schafften, weil ihr Gerät nicht funktionierte, nicht explodierte. Der Versuch zu beweisen, dass die Unsterblichkeit eine bloße Illusion ist, findet seine Fortsetzung in der Serie One day you will no longer be loved, echte Gemälde aus der viktorianischen Ära, auf denen die Gebrüder Chapman eine Idee umsetzen, die mit der identisch ist, die Asger Jorn in den 1950er Jahren auf billigen Gemälden aus dem 19. Jorn hat in seinem situationistischen Überschwang seine peintures détournées zum Leben erweckt, um einen Dialog mit der Vergangenheit zu initiieren, der auf die Bestätigung und Aktualisierung“ eben dieser veralteten künstlerischen Manifestationen sowie auf die kulturelle Erneuerung im Allgemeinen” abzielt (so Daniele Panucci), während die Gebrüder Chapman eine Reihe von Vanitas produzieren, um uns daran zu erinnern, dass das Streben nach Unsterblichkeit zum Verrotten bestimmt ist. Die Absichten sind unterschiedlich, die Ergebnisse identisch: bizarre und groteske Monster, wo vorher beschauliche bukolische Ansichten (Jorn) oder harmlose viktorianische Porträts (Chapman) zu sehen waren. Die Aufnahme der Serie in die Ausstellung ist auch nützlich, um daran zu erinnern, dass die beiden englischen Brüder in der Vergangenheit dasselbe mit einer wertvollen kompletten Serie (für die die Künstler in den frühen 2000er Jahren 25.000 Pfund bezahlten) von Goyas Desastres de la guerra (dem Künstler, den sie vielleicht am meisten bewundern) und sogar mit einigen Aquarellen von Hitler getan haben.

Etwas früher als das Monument der Unsterblichkeit steht das Monument der Obdachlosenrepräsentation, eine Installation, die sich um eine Schaufensterpuppe dreht, die den weißen Umhang des Ku-Klux-Klans trägt (und auf ihrer Brust das Smiley-Gesicht der Rave-Kultur), Birkenstock-Sandalen und Regenbogensocken der Blumenkinder: eine Art verwirrter Hybrid der gegensätzlichsten Ideologien des 20. Jahrhunderts, während er gerade die Arbeit an einem Gemälde aus dem 18. Jahrhundert beendet hat, einer minderwertigen Kopie eines Werks von Rubens im Museum of Fine Arts, Boston (Königin Tomiri mit dem Kopf von Cyrus). Der Besucher wird entscheiden, welche Interpretation ihm am besten gefällt (Versuch der Erlösung? Der Zusammenbruch von Ideologien, der auch die Vergangenheit mit neuen und obskuren Bedeutungen auflädt? Ein einfacher Streich?), genauso wie er sich seine eigene Meinung bildet, wenn er die äußerst akribischen Un-happy Feet betrachtet, eines der typischen Dioramen der Gebrüder Chapman, die von winzigen Figuren bevölkert werden, die in der Regel brutale und gewalttätige Aktivitäten ausführen. In diesem Fall handelt es sich bei dem Werk aus dem Jahr 2010 um eine Parodie auf den Kinderfilm Happy Feet: Anstelle der ruhigen, beruhigenden, entzückenden und knuddeligen Pinguine des Originalfilms wird der Betrachter Zeuge einer Horde gefräßiger Vögel, die gnadenlos weiße Bären, Robben, Wale und verschiedene Wale zerfleischen, die die schlechte Idee hatten, sich dem von den schrecklichen Pinguinen bewohnten Ufer zu nähern. Auch hier gibt es viele Interpretationen: die symbolische Darstellung eines Völkermordes, die Allegorie der Natur, die sich gegen den Menschen wendet, eine Metapher für den Klimawandel. Ein Diorama mit Leichenstapeln erinnert an die berühmte Hölle, die Folterhölle der Nazis, die zwischen 1996 und 2000 stattfand, beim Brand des Momart-Lagers in Leyton zerstört wurde und unter dem Titel Fucking Hell wiederauferstanden ist: In diesem Fall bilden die Haufen der schwer getöteten Toten die beiden Türme von Nein! Eleven (2012-2013), eine symbolische Anspielung auf den Bombenanschlag auf die Zwillingstürme im Jahr 2001 (wobei die Toten Nazis sind, als wollten sie sagen, dass sich die Schrecken der Geschichte wahrscheinlich wiederholen), die das italienische Publikum kürzlich in Jean Clairs spektakulärer Ausstellung Inferno in den Scuderie del Quirinale sehen konnte. Vervollständigt wird das Los durch den Tod, eine Skulptur aus zwei aufblasbaren Figuren, einer männlichen und einer weiblichen, die sich in einem 69er-Kampf befinden (sie wurden zum ersten Mal beim Turner Prize 2003 ausgestellt, bei dem die Brüder Finalisten waren: Grayson Perry gewann schließlich), mit einigen Skulpturen, die dem allgegenwärtigen Junkfood von McDonald’s gewidmet sind, mit einer Reihe von Schnitzereien und mit dem herzzerreißenden und burlesken I wanted to punish myself, in dessen Mittelpunkt ein Huhn steht, das sich selbst quält, indem es eine Maschine bedient, die ihm einen Nagel ins Auge treibt, ein gutes Manifest des kindlichen und schwarzen Humors der Chapman-Brüder und Teil einer Reihe von Maschinen, in denen der Vogel alles Mögliche erleidet.

Jake und Dinos Chapman

Jake und Dinos Chapman,21; bemalte Bronze

Jake

Jake und Dinos Chapman,

Jake und Dinos Chapman, Monument für,

Jake und Dinos Chapman,

Jake und Dinos Chapman, Unglückliche,

Jake und Dinos Chapman,

Jake und Dinos Chapman,

JakeChapman, Ich wollte mich selbst

Die Gebrüder Chapman feierten kürzlich ihr 30-jähriges Bestehen, und ihre Kunst hat sich kein bisschen verändert, seit sie die Besucher ihrer Ausstellungen zu überraschen begannen. Das entspricht ganz ihrem Kunstverständnis: Wenn es nichts Neues zu sagen gibt, ist die Wiederholung des bereits Gesagten unerlässlich. Originalität war in der gesamten Kunstgeschichte vor der Romantik nie der Maßstab für die Beurteilung der Güte eines Kunstwerks. Auch heute noch, da die 1990er Jahre in Vergessenheit geraten sind, bewegen sich ihre Werke zwischen den Gliedern der langen Kette der Postmoderne, von denen die Brüder griechischer Herkunft unbestreitbar die dunkelste und enttäuschteste Seele darstellen. Ihr gesamtes Werk ist eine Aneinanderreihung von Erzählungen über Irrationalität, Zerstörungswut und die Schlechtigkeit des menschlichen Wesens, und die Ausstellung mit ihrer absichtlich verworrenen und geordneten Anordnung umhüllt den Besucher mit Szenen dieser extremen Tragödie bis hin zum Paroxysmus. Allerdings hat sich die Welt um ihre Werke herum verändert: In einer Gegenwart, in der ein paar Wischbewegungen mit dem Handy ausreichen, um auf Bilder von Gewalt zuzugreifen, die oft viel gröber sind als die in den Stücken der Gebrüder Chapman gezeigten und unendlich viel verstörender und beunruhigender, weil sie real sind, ist davon auszugehen, dass der Prozentsatz des Publikums, das fassungslos, beeindruckt, schockiert und verstört vor ihren Werken verharrt, drastisch zurückgegangen ist. Heutzutage ist die Kunst der Chapman-Brüder, wie Adrian Searle, der Kunstkritiker des Guardian, eine der wenigen Signaturen, die noch Kunstkritik betreiben, die diesen Namen verdient, vor einigen Jahren bemerkte, “eher lustig als schockierend: Letztendlich konzentriert man sich auf ihr Handwerk, die Zeichnung, den Produktionswert. Die Chapman-Brüder sind sehr gut in dem, was sie tun, selbst wenn sie Dinge absichtlich schlecht machen”. Was routinemäßig um ihre Arbeit herum konsumiert wird, ist Melodrama, es ist Zirkus. Der wirkliche Schock, so Searle, liegt woanders, und die Chapman-Brüder wissen das ganz genau. Das scheinbare Paradoxon besteht darin, dass die Belustigung, die ihre Werke hervorrufen, eher mit dem philosophischen Hintergrund übereinstimmt, auf dem die Werke der beiden Brüder entstehen.

Im Katalog der Einzelausstellung von Jake und Dinos Chapman in der Tate in Liverpool 2006 kann man in einem Essay von Tanya Barson mit dem Titel Powers of laughter nachlesen, dass das Lachen, das die Werke der Chapman-Brüder hervorrufen, auf Nietzsche und Bataille zurückgeht. Das Lachen ist die Reaktion, die in Nietzsches Gleichnis vom Wahnsinnigen die Ankündigung des Todes Gottes in den Mündern der Ungläubigen hervorruft. Und nach Bataille, schreibt Barson, “ist Gott das Nichts in menschlichem Maßstab, um der Transzendenz ein Bild oder eine Maske zu geben: Das Lachen bringt uns zurück zur Immanenz, zur Existenz im Hier und Jetzt, obwohl wir uns der Grenzen des Seins bewusster sind und lauter darüber lachen können, die Grenze erreicht zu haben”. Die Kunst der Gebrüder Chapman ist das Lachen im Angesicht der Grenze, es ist ihre Haltung gegenüber der kollektiven Neurose, es ist ihre Art, das Reale zu unterstreichen, und in diesem Sinne ist ihre Produktion eine Art Wiederholung eines bereits existierenden Werks. Es ist, als ob sie einen ansehen und mit einem Lächeln im Gesicht respice finem sagen. Wenn die Kunst heute zu einem Anästhetikum geworden ist, lachen sie darüber. Mit einem Lachen begreift man die einfache Komplexität ihrer Arbeit. Ihre Werke sollten als eine Art Aufzeichnung betrachtet werden, als eine Jahresübersicht über die Richtung, die wir eingeschlagen haben. Und diese Richtung ist für sie die Auslöschung. Aber es ist eine Richtung, die wir seit prähistorischen Zeiten eingeschlagen haben: Wenn überhaupt, dann ist es die Geschwindigkeit, die sich ändert (je nach technischem Fortschritt, glauben die Chapman-Brüder). Ihre Idee ist einfach und, wie viele sagen würden, entwaffnend: Das Aussterben einer Spezies gehört zur natürlichen Ordnung der Dinge, und es ist schwierig, diese Idee zu akzeptieren, wenn man davon ausgeht, dass unsere Existenz einen höheren Zweck hat (der für die Ausstellung gewählte Titel wird auch klarer sein). Das künstlerische Schaffen hat folglich die Form eines Bewusstseins. Gibt es eine Möglichkeit für etwas Positives, gibt es eine Möglichkeit der Erlösung? Das ist nicht das Problem von Jake und Dinos Chapman: Für sie wird ein Werk, sobald es sein Atelier verlässt, zum Problem der Öffentlichkeit. Und so werden die Optimisten bei der Debatte über die Perspektive, die die Produktion der beiden Brüder dem Betrachter eröffnet, mit dem offensichtlichsten “thank fuck” antworten, darauf hinweisen, dass die Frist lang ist und ihrer sakrosankten Weltsicht entgegenstehen, die Pessimisten werden feststellen, dass wir sowieso alle sterben werden und mit Bataille daran erinnern, dass die Praxis der Freude im Angesicht des Todes das Wichtigste ist Die Pessimisten werden feststellen, dass wir sowieso alle sterben werden, und mit Bataille daran erinnern, dass die Praxis der Freude im Angesicht des Todes das Wichtigste ist, die meisten werden ihre Werke ehren, indem sie sie in die Kategorien “wow, das ist cool” oder “oh Gott, das ist obszön” einordnen, und höchstens darüber streiten, ob die Folterszenen, die ihr Repertoire bevölkern, gezeigt werden sollen oder nicht. Business as usual in der Palliativgesellschaft, in der jeder um jeden Preis sein Glück sucht.

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