Les Rencontres de la photographie d'Arles. La fotografía va al cine

“Yo sólo hago mi trabajo. Algunos son toreros, otros diputados, yo soy fotógrafo”. Así responde Thomas (David Hemmings) a una desconcertada Vanessa Redgrave en Blow-Up, la película de Michelangelo Antonioni de 1966 que sigue considerándose un símbolo inigualable de la narración en torno a la investigación fotográfica. Su cartel destaca en uno de los escaparates de Arlés, ciudad provenzal que desde 1970 acoge cada verano el que quizá sea el mayor festival de fotografía del mundo, Les Rencontres de la photographie d’Arles, que abrió al público su 54ª edición el pasado 3 de junio y se prolongará hasta el 24 de septiembre. Ese cartel evoca, aunque involuntariamente, uno de los temas centrales elegidos por la dirección del festival: la investigación sobre la relación entre el cine y la fotografía.

Tan antigua como las dos artes, se trata de un vínculo complejo, que se ha desarrollado de manera profunda y fascinante, entre directores que prueban suerte con la fotografía y fotógrafos que se inspiran en el lenguaje cinematográfico, creando un diálogo continuo entre las dos formas de expresión. Antonioni -sin duda- lo exploró más que nadie, como atestiguan los protagonistas de sus películas, siempre comprometidos en las aventuras de la mirada: el fotógrafo de Blow-up (1966), el reportero de Professione: reporter (1974), el director de Identificazione di una donna (1982) o el de Al di là delle nuvole (1995). Wim Wenders también se ha relacionado a menudo con la mirada fotográfica, y con Antonioni codirigió esta última película.

Les Rencontres d’Arles dedican un espacio a Wenders, lo que parece más un homenaje al director (presente en Arles los días de la inauguración) que una exposición en el sentido más pleno del término. De hecho, Mi amigo Polaroid expone en elEspace Van Gogh las tomas que Wenders realizó con una cámara Polaroid durante el rodaje de El amigo americano. La película de 1977, rodada entre París y Hamburgo, está protagonizada por Bruno Ganz y Dennis Hopper en el papel de los personajes de la novela de Patricia Highsmith con el título original de El juego de Ripley. En aquella época, como dice el director, las Polaroid tenían la función que hoy tiene la cámara de un smartphone: eran realmente un cuaderno fotográfico. Con ellas fotografiaba las localizaciones en los viajes de exploración y luego pegaba las fotos en la pared de la oficina de producción, para que quedara un rastro de sus elecciones. Con la misma cámara, también fotografiaba a sus actores durante la preparación y, a veces, en los descansos de las escenas, y, en un momento dado, la Polaroid llegó incluso a desempeñar un papel en la película, que, no por casualidad, se tituló originalmente, y durante toda la producción, Framed.

Siguiendo con el cine, uno de los directores-fotógrafos más conocidos es Stanley Kubrick. Antes de convertirse en un director de fama mundial, Kubrick comenzó su carrera como fotógrafo para la revista Look. Su atención al detalle, su composición impecable y su capacidad para captar imágenes evocadoras son evidentes tanto en sus sesiones fotográficas como en sus películas. Y Kubrick es uno de los protagonistas de la exposición Scrapbooks. Dentro de la imaginación de los cineastas, también en el Espace van Gogh de Arles, que reúne los “álbumes de recortes”, esas colecciones de notas que siempre han acompañado el trabajo de un cineasta a la hora de construir el mundo imaginario de una película. La exposición explora el uso de los álbumes de recortes entre los cineastas de finales del siglo XX, cuando las imágenes fotográficas ya estaban fácilmente disponibles y justo antes de que lo digital lo desmaterializara todo, transformando gradualmente el concepto de álbum de recor tes en una herramienta de diálogo social (o “social”).

El álbum de recortes es un objeto híbrido, a medio camino entre un cuaderno y un álbum de fotos, que recoge imágenes de diferentes registros: artículos de periódico, fotos, postales, recortadas, manipuladas y recompuestas, visualizando así un proceso creativo que detiene en una imagen un recorrido de meses, cuando no años, de reflexión y creación. Desde las notas visuales en los márgenes de un guión tomadas en elegantes cuadernos italianos (los de Derek Jarman), hasta verdaderas colecciones autónomas que toman la forma de obras de arte como los “Newsprint collages” de Jim Jarmush, el álbum de recortes es la transposición física de la riqueza creativa y la complejidad de los pensamientos de un cineasta. "Para una película, los álbumes de recortes son a la vez el pasado (como borradores) y el futuro (como archivo), pero también una visualización del resultado final. Compuestos con sintaxis cinematográfica, ofrecen una autoficción polifónica en la que la memoria sigue el proceso de montaje, no sólo el de una yuxtaposición o colección de imágenes", afirma el comisario Matthieu Orléan, que ha reunido obras de William S. Burroughs, Robert Duncan, el ya mencionado Derek Jarman, Jim Jarmusch, Stanley Kubrick y Agnès Varda, entre otros.

Agnès Varda, en particular, ocupa un lugar de honor durante Les Rencontres. Además de sus álbumes de recortes, es la protagonista de la exposición La pointe courte, de las fotografías al cine en el Cloître Saint-Trophime, comisariada por Carole Sandrin, con la colaboración de Elisa Magnani, y de Agnès Varda - Archivos Hans-Ulrich Obrist en el Luma de Arles, que relata la colaboración entre la artista y el comisario que la invitó por primera vez a confrontarse con un ostra del arte contemporáneo.

Figura única del cine francés, Varda, nacida en 1928, fue fotógrafa oficial del Festival de Avignon y del Théâtre National Populaire, documentalista, escritora y directora. Considerada una de las pioneras de la Nouvelle Vague, fue la única mujer junto a François Truffaut y Jean-Luc Godard, que pasaron antes que ella a las páginas de la historia del cine porque era difícil clasificar la complejidad de su obra en un solo papel, o más banalmente porque eran hombres. "Fui la primera mujer-autora. Después de mi mediometraje La pointe courte me quedé sola en esa gran ola de la Nouvelle Vague que siguió, yo era la coartada, el error. Pero me importaba un bledo, sólo hacía mis películas. Después vinieron las directoras de la revuelta feminista. Pero fue un destello en la sartén, no me dejé atrapar por ello. Pero luché para que las mujeres tuvieran papeles técnicos y creativos como camarógrafas, escenógrafas. Así que me gané la reputación de feminista emérita", declaró a Manuela Grassi , de Panorama, en 2000. Y sin embargo, Agnes Varda no solo fue más longeva que sus colegas masculinos, sino más prolífica, hasta el punto de que en 2017 volvió a realizar el documental Visages, villages, que protagoniza, además de dirigir, junto al joven e innovador artista francés JR. Por esta película fue nominada al Oscar, convirtiéndose así en la nominada de más edad de la historia.

Quizá una de las experiencias más emocionantes y completas de la edición de este año de Les Rencontres sea la exposición La pointe courte, de la fotografía al cine, que representa una oportunidad única para descubrir el talento de Agnes Varda en el campo de la fotografía, y la construcción de un proceso que la llevaría sin tropiezos al cine. En la exposición se articula un recorrido que comienza con algunas de las 800 fotografías que Agnes Varda tomó en la pequeña ciudad de Sète, a pocos kilómetros de Arles. Varda llegó aquí en 1940 como refugiada durante la Segunda Guerra Mundial, y luego volvió de vacaciones cada año hasta principios de los años 60, documentando (primero como fotógrafa aficionada, luego como profesional) a sus amigos, los pescadores, los muelles al sur de la ciudad y el barrio obrero de Étang de Thau, que pronto se convirtieron en los protagonistas de su primera película, Le pointe courte, rodada en 1954. Varda es conocida por su enfoque poético y humano de la narración, que se refleja tanto en sus películas como en sus fotografías. Su estilo distintivo se caracteriza por una atención íntima al detalle y la capacidad de capturar momentos fugaces que revelan la belleza oculta en lo cotidiano.

Entre las maravillosas copias de época realizadas por la propia Varda, que revelan una mirada fotográfica madura y profesional, destacan las hojas de contacto (es decir, aquellas fotografías creadas directamente a partir de toda la tira de negativo de 35 mm y utilizadas principalmente para seleccionar imágenes), pequeñas copias que atestiguan un uso más documental que artístico, recortes de periódico y más que un uso artístico, recortes de periódico y preciosos guiones llenos de anotaciones, esta exposición es extremadamente rica y consigue relatar la increíble y original construcción de una película radical, apreciada por cinéfilos y críticos de la época, pero luego desechada por la historia del cine. Una exposición que merece la pena.

Si los directores que se dejan inspirar por la fotografía son diversos, menos frecuentado es el camino inverso, que alcanza su máximo ejemplo con la obra de Gregory Crewdson, que no es director, pero actúa como tal. Conocido por sus imágenes teatrales y evocadoras, está en Arles con Gregory Crewdson Eveningside 2012 - 2022 en La Mécanique générale, una exposición comisariada por Jean-Charles Vergne, que ya se presentó en la Gallerie d’Italia de Turín en 2022(reseñada aquí). Sus obras se caracterizan por unos decorados elaborados y una meticulosa atención a los detalles, llamando la atención sobre los aspectos psicológicos y metafísicos de las vidas representadas. Crewdson crea una especie de “realidad surrealista” a través de la fotografía, inspirándose en las atmósferas y técnicas narrativas típicas del cine.

Y en el contexto de la narrativa más amplia de Les Rencontres, esta exposición subraya aún más el carácter cinematográfico de la producción de Crewdson, que construye para cada plano un decorado totalmente comparable al de una película, tanto por los medios desplegados como por la profesionalidad implicada: desde escenógrafos, a expertos en postproducción, pasando por los protagonistas de sus obras interpretados a menudo por estrellas de Hollywood (en sus producciones anteriores contrató a actrices como Gwyneth Paltrow y Julianne Moore) .

El debate que se abre entre los iniciados es sobre la conveniencia de comprometer estos medios para una sola película. Excluyendo los términos puramente comerciales, evidentemente ya resueltos por el mercado, estoy convencido de que las obras de Crewdson tienen el poder de transmitir toda la riqueza de un relato largo y cinematográfico, en un solo plano, pero también de ofrecer esa multiplicidad de planos de lectura en un desarrollo temporal que hasta ahora sólo estaba reservado al cine. Una vía de investigación original, que despoja objetivamente a la fotografía de su valor de inmediatez, de accesibilidad, pero que crea una vía híbrida y, como tal, nueva. Y por lo que a mí respecta también, verdaderamente, fascinante.

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