Tina Modotti. L'Alquimia de la Mirada

Dominique Lora est commissaire de l’exposition Tina Modotti: La Genesi di uno Sguardo Moderno (Aoste, Centre Saint Bénin, du 12 novembre 2022 au 12 mars 2023).

Aventureuse, nomade et magnifiquement mystérieuse, la personnalité artistique de Tina Modotti est imprégnée d’un talent riche et pluriel, mais se caractérise surtout par un regard acéré et lenticulaire capable d’ atteindre et de pénétrer l’essence des individus et des choses. Femme moderne et artiste ante tempore, Modotti a exercé une influence tangible, décisive et durable sur le développement de l’art photographique au Mexique en particulier (voir les travaux de Graciela Iturbide et de Yolanda Andrade par exemple) et au niveau international en général. Au cours des deux dernières décennies, son travail a attiré l’attention d’écrivains, de cinéastes, d’artistes et de conservateurs. Pourtant, la plupart des publications qui lui sont consacrées se concentrent généralement sur ses aventures romantiques et politiques ou sur ses relations avec d’autres personnalités célèbres de la scène artistique de la première moitié du XXe siècle, comme Edward Weston, Diego Rivera, José Clemente Orozco, Dr. Atl, Nahui Olin ou Guadalupe Marin.

L’œuvre originale du photographe italien, qui n’a été réévaluée par la critique internationale qu’à partir des années 1970, était enfouie dans les archives de divers instituts, en partie à cause de la censure appliquée par le mouvement maccarthyste en Amérique à partir de la fin des années 1940. Aujourd’hui, sa biographie audacieuse continue d’influencer, voire d’obscurcir, la perception de son œuvre unique et extraordinaire, en filtrant la compréhension authentique et créative de son travail. Et si son aventure humaine complexe continue d’inspirer des romans, des bandes dessinées et des documentaires, souvent basés sur la mystification ou du moins le romanesque de son existence, rares sont ceux qui, jusqu’à présent, se sont intéressés à son important héritage artistique et culturel et à l’influence fondamentale que ses clichés ont exercée sur la formation de plusieurs générations de photographes. Sa liberté dans la représentation du réel et du sensuel, du brut et du vif, l’éloigne immédiatement de l’univers abstrait de ses maîtres contemporains comme Edward Weston, Alfred Stieglitz, Anselm Adams, Edward Steichen, Henri Lartigue ou Eugène Atget. En effet, Modotti développe une forme instinctive et originale d’humanité et de compréhension du monde qui l’entoure et qui, devant son objectif, se révèle dans son essence, libre de toute virtuosité métaphorique, même lorsqu’il s’agit de représenter une simple fleur. Ses œuvres sont directes et naturelles et peuvent être interprétées comme une version moderne des compositions incultes du XVIe siècle: une expression oxymorique qui trouve son origine chez Léonard de Vinci et fait référence aux esquisses rapides et spontanées qui capturent l’immédiateté des attitudes et des mouvements d’une ligne visuelle ouverte qui recherche l’essence de la forme sans la définir entièrement.

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Tina

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Urbanisme des champs et ruralité des villes

Dans la série de portraits féminins réalisés dans la campagne mexicaine, le corps de la femme est un véhicule universel et un outil empreint de dignité et de détermination qui transcende tout point de vue monoculturel, éliminant toute distinction entre nous et les “autres”, entre les indigènes et les étrangers.

Ici se révèlent les blessures, les peurs, les forces et les espoirs qui, ensemble, montrent une humanité inhabituelle, composée de minorités dont l’unicité - mais aussi l’universalité - s’oppose à l’illusion d’une majorité neutre et univoque. Chaque cliché représente avec ferveur l’authenticité qui se reflète dans l’acte même de photographier, conférant une aura de sacralité aux images qui n’ont pas pour but de divertir, mais plutôt de documenter et de raconter, conférant au récit artistique une autonomie sans précédent. Si ses premiers travaux (pendant la période d’apprentissage passée aux côtés d’Edward Weston, entre la côte ouest de l’Amérique du Nord et ses premiers voyages au Mexique au début des années 1920) constituent des regards et des impressions de découverte et de surprise à travers lesquels l’artiste d’Udine se représente elle-même et ses proches, elle développe progressivement un langage personnel qui explore la vérité des choses et les effets de la lumière sur les formes. C’est une période d’observation de la réalité des individus, des villes et de la nature ; une période marquée par une technique incertaine qui cherche une définition dans la trame des expériences et des émotions humaines. Pour citer Roberta Scorranese: "Dans ses premières photographies, Modotti poursuit le désir d’atteindre une sorte de réinterprétation formelle de l’enseignement de Weston, un tel effort étant destiné à transporter l’observateur dans un lieu spécifique, un lieu, pour ainsi dire, moins verbalisé et plus proche du sujet de l’image. Mais ses formes hétérogènes ou alternatives d’une extrême simplicité gouvernent le regard de l’observateur. Et après avoir observé avec une certaine attention, l’observateur réorganise les limites physiques de ces univers dans son propre espace, dans un espace personnel, où les objets commencent, une fois de plus, à apparaître comme des univers^"1.

Le travail de Tina se concentre donc sur la narration visuelle d’une réalité humaine et géographique, caractéristique de “son” Mexique. Elle entreprend un véritable voyage en ville et à la campagne, saisissant les conditions des groupes marginaux qui émergent des vicissitudes de la période armée de la révolution et enregistrant le contraste entre les habitations rurales et l’architecture urbaine, entre les anciennes traditions rurales et le progrès moderne. Dans ce contexte, Rosa Casanova souligne comment la production photographique de Modotti s’inscrit dans la tradition de ce que l’on appelle le ^{Costumbrismo mexicain2}. Une forme de représentation née au milieu du XIXe siècle et visant à représenter l’autre et l’ailleurs et à redécouvrir le monde en dehors des noyaux centraux de la civilisation occidentale. À l’origine, la diffusion de ces images avait pour but d’éduquer les classes moyennes sur les paysages, les peuples et les coutumes considérés comme importants par les gouvernements et les établissements commerciaux dans le contexte politique et économique du colonialisme. Les photographies de Tina Modotti ont transformé les paramètres du costumbrisme et forgé un type de représentation moderne; un changement crucial qui a révélé une manière unique de représenter objectivement les éléments animés et inanimés de la réalité. La tradition visuelle du Costumbrisme pourrait être considérée comme l’inspiration et l’origine de la conservation des biens immatériels promue aujourd’hui par l’UNESCO. Par exemple, le photographe originaire d’Udine a réalisé une série de clichés consacrés au marionnettiste Lou Bunin, immortalisant les mains et les marionnettes qu’il manipulait et incarnant "ces relations asymétriques de pouvoir entre gouvernants et gouvernés, une critique subtile mais puissante de la réalité sociale et politique mexicaine^"3.

Tina Modotti

Tina Modotti

Modotti et les autres

Les représentations de vues urbaines, périphériques et rurales, visant à exprimer les conditions humaines, les traditions des peuples mais aussi l’histoire du progrès, unissent la recherche de Modotti à celle d’autres grands photographes tels que Lola Alvarez Bravo, Berenice Abbott, Consuelo Kunaga ou, en Europe, Lucia Moholy-Nagy.

Explorant sa profonde sensibilité, Tina expérimente les formes et les correspondances. Pour elle, l’œuvre d’art est un mouvement, un ensemble d’archives et de mémoires vivantes qui, entre passé et futur, transforment le quotidien invisible et oublié en un manifeste émotionnel qui exprime avec courage et espoir l’inconfort, l’incohérence et le sens d’un présent souvent démuni. Aux côtés de Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lee Miller Penrose, Berenice Abbott, Imogen Cunnigham ou de photographes mexicains comme Lola Alvarez ^Bravo4, Modotti s’impose comme une artiste passionnée et indépendante, avant-gardiste, courageuse et surtout une source d’inspiration essentielle pour les générations à venir. Comme ses contemporains, l’artiste est passée, au cours de sa carrière artistique, par des positions pour ainsi dire opposées, résultat d’avoir été à la fois protagoniste et personnage de l’ombre, modèle et photographe. Chacune d’entre elles se spécialise à sa manière dans l’expérimentation de la nature des émotions à travers la représentation de détails et de fragments de la réalité. Leurs sujets explorent la complexité du moi et s’interrogent sur la signification d’une “autre” humanité, dans une tentative de rétablir un lien spirituel autant que matériel entre le passé, le présent et l’avenir. Modotti est une figure nomade à la recherche d’une réalité à l’échelle humaine qui, en regardant à travers l’altérité et l’ailleurs, représente l’espoir de la vérité et de la liberté dans une terre qui n’a pas encore été découverte, une terra incognita moderne. “Les images documentent ses expéditions dans les quartiers de la ville, elles sont autant de découvertes que d’aperçus: l’urbain à la campagne et le rural à la ville”^.5 Son œuvre constitue une archive de la mémoire qui fonctionne individuellement d’un individu à l’autre et génère un dialogue avec le spectateur dans lequel l’écho du geste artistique produit une capacité inédite de perception et de compréhension de la réalité. En révélant et en réifiant ses Lieux de Mémoire, l’artiste transpose ses émotions dans l’expérience de l’instant présent. Ainsi, la vision et la perception constituent un passage vers une compréhension plus large de la condition humaine.

Les fleurs et les mains

Si Modotti a réitéré à plusieurs reprises au cours de sa carrière son désir de réaliser une œuvre dénuée de toute construction esthétique - comme s’il n’y avait pas d’espace entre la prise de vue, comprise comme un geste, et l’objet représenté - sa personnalité et son âme s’interposent entre l’objectif et le sujet. L’artiste n’échappe pas au Zeitgeist, l’ esprit artistique de son temps, qui voit des artistes et des maîtres internationaux composer des œuvres formellement différentes mais qui, d’une certaine manière, embrassent la même intention. Pensons, par exemple, aux reportages photographiques d’Eugène Atget, réalisés entre Paris et sa banlieue dans les années ^1910-19156. Comme Modotti dans la campagne mexicaine, Atget s’est intéressé aux déshérités et, bien qu’il soit généralement considéré comme un artiste au style sophistiqué aux antipodes de Modotti, tous deux ont dépeint à un moment donné de leur carrière les conditions de logement et de travail des “rejetés” ou des “oubliés” de l’époque.

En d’autres termes, aussi différentes que soient les intentions artistiques de Tina par rapport à celles d’autres artistes majeurs de l’époque, il est impossible de ne pas déceler des parallèles et des correspondances en termes de forme et de contenu. Pensons par exemple aux nombreux gros plans de mains de paysannes et de lavandières, qui rappellent, au moins formellement, les expériences d’Alfred Stieglitz sur les mains d’O’Keeffe, réalisées entre 1918 et 1920. Aussi éloignées que soient leurs intentions, les deux photographes représentent les mains comme un instrument de construction identitaire. Car toutes deux sont le symbole d’héroïnes intemporelles ; des mains qui tissent, qui lavent, qui travaillent, qui protègent et qui construisent. "Elles sont les mains des travailleurs, exprimant un message politique et humain, immédiatement compréhensible. Au sens littéral, ces mains accomplissent le travail nécessaire à la vie au Mexique, mais au sens symbolique, elles représentent le pouvoir politique potentiel attribué aux campesinos et aux trabajadores^"7. En d’autres termes, Modotti, comme ses contemporains, met en scène le corps féminin pour exprimer la complexité du monde réel.

Tout aussi puissante est la série des Still-Lifes (natures mortes) représentant des fleurs et des plantes, comme les lys ou les cactus, qui ressemblent beaucoup aux expériences contemporaines d’artistes comme Imogen Cunningham, en particulier les gros plans qu’elle a réalisés entre les années 1920 et 1930.

La représentation de certaines fleurs comme les lys, les callas ou les cactus revient également fréquemment dans la production artistique de Georgia O’Keefe et de Consuelo Kanaga. Et bien qu’elles aient toujours farouchement nié toute référence ou association érotique ou métaphorique, il est difficile de ne pas associer ces représentations aux développements culturels et sociaux de l’ époque (au moins à un niveau inconscient) liés à la libéralisation de la femme dans le monde en général et dans l’art en particulier. Ces images botaniques sont des représentations profondément intimes: "Les images de lys calla et de géraniums semblent, à première vue, des candidats improbables pour une entreprise symbolique, mais précisément parce qu’elles représentent des fleurs simples avec un air domestique, sans aucune prétention à l’exceptionnalité, elles suggèrent leur présence constante dans la vie de l’auteur et dans celle du peuple mexicain, en acquérant une charge émotionnelle qui provoque un sentiment d’empathie chez l’observateur. Le vase profondément ébréché dans lequel est planté le géranium, tout comme l’irrégularité du lis calla qui commence à se faner, communiquent un sentiment de souffrance ou du moins projettent une idée de la souffrance humaine et de son caractère éphémère^"8. Enfin, il convient de noter que les expériences avec les fleurs et les plantes font écho à une série de clichés que le photographe et peintre luxembourgeois Edward Steichen a pris entre 1925 et 1928 et qui (bien que stylisés et techniquement très traités) prouvent que le genre de la nature morte était universellement perçu comme un lieu d’expérimentation artistique au-delà des nationalités et des ^genres9.

Tina

Tina ModottiAH.SINAFO.FN

La dignité de la pauvreté

Alors que Modotti atteint la maturité artistique, elle partage avec Gerda Taro, Margaret Bourke White, Lola Alvarez Bravo et Dorothea Lange, pour ne citer qu’elles, une attitude “documentaire” qui s’intéresse passionnément aux bouleversements humains, politiques et révolutionnaires qui caractérisent des nations telles que les États-Unis, le Mexique, l’Union soviétique et l’Espagne au cours de la première moitié du XXe siècle. Leurs journaux photographiques sur la guerre et les changements sociaux ou raciaux constituent encore aujourd’hui un témoignage essentiel pour comprendre ces contextes historiques. En 1929, Tina publie une réflexion personnelle sur la relation entre le médium photographique et l’engagement politique dans le magazine Mexican Folkways. Elle écrit: "Ces dernières années, la question de savoir si la photographie peut ou non être une œuvre d’art comparable à d’autres créations plastiques a fait l’objet de nombreuses discussions. Bien sûr, les opinions varient entre ceux qui acceptent la photographie comme un moyen d’expression égal à tout autre, et ceux - les myopes - qui continuent à voir ce vingtième siècle avec les yeux du dix-huitième siècle et sont donc incapables d’accepter les manifestations de notre civilisation mécanique. Mais, nous qui utilisons l’appareil photo comme un instrument, comme le peintre utilise son pinceau, nous ne sommes pas intéressés par les opinions contraires ; nous avons l’approbation de ceux qui reconnaissent le rôle de la photographie dans ses multiples fonctions et l’acceptent comme le moyen le plus éloquent et le plus direct de fixer ou d’enregistrer l’époque actuelle^"10.

Pour Riccardo Toffoletti, cette expression de Modotti représente le premier document sur la photographieengagée de l’histoire, affirmant que si, dans l’après-guerre, les photographes, réalisateurs et écrivains du néo-réalisme avaient eu la chance de la lire, ils y auraient certainement souscrit en tant qu’anticipation de leurs intentions ^{artistiques11}. Modotti, comme ses collègues artistes américains et européens, utilise l’objectif pour explorer et réifier sa perception du visible et exploite l’objectif photographique pour rechercher les contrastes et les irrégularités. Son langage est une recherche constante de la réalité non filtrée, d’images instantanées imprégnées d’énergie vitale dans lesquelles le présent et la mémoire se réalisent, se brouillent et se superposent. Comme l’a dit la célèbre critique de photographie Rosalind Krauss: "Arriver à la photographie après avoir fréquenté intensément et souvent de manière événementielle le modernisme, c’est ressentir un étrange soulagement - c’est comme revenir d’au-delà du rideau ou sortir d’un marécage et atteindre la terre ferme -, parce que la photographie semble proposer une relation directe et transparente avec la perception, ou plus précisément avec les objets, et qu’elle est en train de devenir une source d’inspiration pour les artistes. En bref, nous nous tournons vers la photographie parce que le modernisme et la photographie couvrent presque exactement la même période - ce qui offre une symétrie plutôt éclairante.¹² Tina Modotti fait partie de cette catégorie d’artistes qui ont réussi, par l’utilisation de la camera obscura, à briser les préjugés d’une pratique considérée comme “masculine” et qui, “travaillant souvent dans des situations dangereuses”, ont mis leur vie en péril. Ce sont des femmes qui ont contribué à changer les coutumes et à sortir les femmes de leur situation d’“anges du foyer” pour conquérir enfin, bien que laborieusement, leur place dans le monde“ (Daniela Ambrosio). L’œuvre de Tina Modotti peut donc être définie comme une expérience de vie et d’art galvanisée par un regard kaléidoscopique et pénétrant qui embrasse l’origine de la vie et la construction culturelle et sociale du monde à travers une gestualité primordiale et ritualisée qui régénère le concept même de création artistique de l’époque. ”Tina Modotti a porté sa photographie à un niveau international, marquant le début de l’esthétique moderniste au Mexique. Elle a adapté sa vision du modernisme aux circonstances du pays dans lequel elle travaillait, un pays d’Amérique latine encore secoué par les tremblements, les bouleversements et les contradictions d’une révolution ratée^"13.

En conclusion, Tina Modotti occupe une place fondamentale dans le panorama de la photographie internationale. Dans son œuvre, la réalité statique et immobile de la camera lucida se transforme en une symphonie visuelle, en une représentation qui vibre comme une vision entendue dans un espace introspectif sans centre ni périphérie. Le résultat est une formule alchimique, où l’espace mental de l’œuvre devient une carte imaginaire pour réorganiser et tracer les géographies contemporaines et les formes de l’humanité. Une mutation continue de formes tactiles et épidermiques qui entrent et sortent du plan photographique et génèrent un langage captivant et engageant. De ces journaux photographiques émerge le caractère extraordinaire de l’artiste d’Udine, qui consiste à observer et à immortaliser la nature, l’humanité et les conditions des classes laborieuses de la révolution socialiste, et qui se développe à travers le récit d’hommes, de femmes et d’enfants indigènes, de travailleurs, de sans-abri, d’artistes et d’intellectuels, tous représentés comme les révolutionnaires d’une époque. Mais surtout, il jette les bases d’une nouvelle sensibilité artistique fondée sur la technique photographique moderne, jusqu’alors réservée à une pratique purement masculine. L’artiste nous laisse ainsi une image sur la Dignité de la Pauvreté décrite avec une véracité et une spontanéité qui donnent à ses images une évidence et une trace poétique extraordinaires. Ses sujets, et surtout les femmes, sont les héros de ses représentations et de son univers visuel, rendus avec beauté et émotion par l’utilisation de la lumière et du clair-obscur. Les expériences racontées et transmises au fil du temps constituent ainsi la preuve tangible que l’identité d’un lieu et d’un peuple se décline par le langage avec lequel il est représenté. Les rues, les gens, les choses, mais aussi les itinéraires, les regards, les sons et les gestes sont les fibres d’un tissu humain en perpétuelle évolution. Et si la valeur de l’art repose sur la manière dont il reflète et prolonge les notions de culture, d’éducation et d’histoire, il doit pouvoir être directement associé à une qualité linguistique, et donc à sa pérennité. Des artistes comme Tina Modotti ont le mérite de survivre au-delà du temps et de l’histoire.

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