L'histoire de l'art italien de 2000 à nos jours. Partie 3: Vidéo et performance

Le besoin obstiné de rapprocher le public et les œuvres, de rapprocher l’art des amateurs d’art, a poussé les artistes, à partir de l’an 2000, à décliner leur créativité dans un sens nettement tridimensionnel. Pour créer, essentiellement, des sculptures, des vidéos et des installations. Une approche, même sans métaphores ni élaborations culturelles, qui a physiquement contribué à rendre les œuvres plus proches et plus tangibles, même au prix du sacrifice de langages habituellement plus accessibles et habituels. Surtout, la peinture, qui n’est revenue que ces cinq dernières années pour apparaître de manière plus cohérente dans les vitrines les plus importantes pour un jeune artiste (galeries et foires). Un besoin qui revient à la prédominance des sculptures et des installations, mais qui intercepte aussi l’esprit du temps, du moins celui plus ouvert et expérimental, consacré à la recherche de nouvelles formes et solutions. L’installation, en particulier, exprime bien d’autres désirs irrésistibles de l’homme contemporain: la spectacularisation, l’hybridation, la polyvalence. Une forme d’art qui, malgré le scepticisme de la partie la plus conservatrice du public, s’inscrit donc parfaitement dans son époque.

Mais si l’on loue souvent le caractère cyclique de l’évolution du monde (qui conduit à un retour du plus persévérant des médiums artistiques, la peinture), son imprévisibilité est tout aussi convaincante. Ainsi, le même flux progressif qui a stimulé l’essor de l’installation a conduit à une alternative presque aux antipodes: l’art vidéo. Accompagnant la diffusion technologique qui occupe capillairement presque toutes les sphères de notre existence, l’art italien a également approfondi sa relation avec les médias numériques. Parmi ceux-ci, le plus intuitif et le plus facile à explorer - que ce soit en raison de sa relation avec le cinéma ou du passage linéaire de l’image statique (peinture) à l’image en mouvement - s’est immédiatement avéré être la vidéo. La charnière parfaite entre ces deux expériences est sans aucun doute Fabrizio Plessi (Reggio Emilia, 1940), qui a combiné les deux expressions susmentionnées avec ses célèbres installations vidéo. En 2000, il a créé une installation monumentale de 44 mètres de haut pour le pavillon italien de l’Expo de Hanovre, Mare verticale (Vertical Sea ), qui représentait un flux continu d’eau bleue, s’écoulant sans interruption comme un fleuve en crue. Une solution, celle du flux de la matière et de la couleur, que Plessi a souvent reproposée au fil des ans, même lors des dernières expositions au Palazzo Reale de Milan(Plessi. Mariverticali) et au Complesso di Santa Giulia de Brescia(Plessi Sposa Brixia).

Les exemples de Marinella Pirelli (Vérone, 1925 - Varèse, 2009) et du Studio Azzurro sont encore plus anciens, mais tout aussi illustres. La première a été une expérimentatrice aiguë du langage visuel italien et a abouti à des résultats pionniers dans le domaine du cinéma expérimental, à travers des films jouant sur les équilibres entre couleurs et formes abstraites qui partent d’une méditation sur les phénomènes lumineux et la réfraction de la lumière(Doppio autoritratto). De manière plus large et systématique, le collectif Studio Azzurro, fondé en 1982, a également montré une voie possible pour intégrer le médium technologique, en particulier la vidéo, dans le monde de l’art, avec la création d’environnements vidéo(Due piramidi), d’environnements sensibles, de parcours muséographiques, de performances théâtrales et de films.

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Pour en venir à notre période d’analyse, parmi les auteurs qui se sont le plus intéressés à ce type de langage, on trouve sans aucun doute MASBEDO, un duo artistique formé par Nicolò Massazza (Milan, 1973) et Iacopo Bedogni (Sarzana, 1970). Ils travaillent ensemble depuis 1999 et ont compris avant les autres l’énorme potentiel du nouveau médium: réunir différents langages artistiques (vidéo, installation, cinéma, performance, théâtre d’avant-garde et design sonore) en une seule solution. En termes de contenu, leur principale compétence consiste à faire coexister un regard attentif sur les éléments socio-anthropologiques avec les éléments plus intimes et poétiques de l’expérience humaine. Il s’agit là d’un élément de contact évident avec l’Art Relationnel dont nous avons longuement parlé précédemment. C’est le cas de Teorema di incompletezza, l’œuvre qui inaugure le séjour islandais de Masbedo (2008) et qui raconte la relation difficile entre un homme et une femme à travers la destruction d’objets fragiles en cristal et en verre - sur fond de paysage arctique - qui symbolisent métaphoriquement la dissolution du caractère sacré et de l’intimité du couple d’amants. En élargissant la perspective, la vidéo suggère comment le désir, compris comme une névrose contemporaine, l’unique force motrice de toutes les sociétés occidentales capitalistes, est capable d’atrophier le sens de l’existence. Rosa Barba (Agrigente, 1972) utilise également la vidéo comme contenant-expression de différents langages et sources, de la recherche d’archives au voyage, de la lecture à l’écriture. Presque didactique en ce sens est l’œuvre From Source to Poem (2016), un film tourné aux États-Unis qui recueille des images de la plus grande archive multimédia du monde, le Packard Campus for Audio-Visual Conservation de la Library of Congress, situé à Culpeper, en Virginie, et les assemble dans un récit audiovisuel densément stratifié dans lequel, comme dans un bruit blanc, chaque élément est superposé et progressivement condensé. En somme, l’œuvre est une invitation à réfléchir aux espaces dans lesquels l’histoire et la production culturelle sont préservées pour être transmises aux générations futures.

Un contexte dans lequel s’inscrit également avec succès Yuri Ancarani (Ravenne, 1972), qui donne à ses œuvres vidéo une orientation clairement documentaire. Actif depuis 2000(Ricordi per moderni, 2009), l’artiste a réalisé au fil des ans de nombreuses œuvres importantes(La malattia del ferro, 2010-12 ; Le radici della violenza, 2014), jusqu’au succès du long métrage Atlantide (2021), récompensé comme meilleur documentaire au David di Donatello 2022 (et candidat à la Mostra de Venise dans la section Orizzonti). D’autre part, Vincenzo Marsiglia (Belvedere Marittimo, 1972) réfléchit avec insistance à la relation entre la réalité tangible et la réalité virtuelle, en commençant par une formation picturale et en expérimentant ensuite diverses solutions numériques tout au long de sa carrière. Le parcours de l’artiste est notamment lié à la formulation d’un code distinctif, l’étoile à quatre branches, l’EU - Marsiglia Unit, qui devient un symbole récurrent de son répertoire iconographique. La répétition obsessionnelle de ce symbole s’est exprimée à travers les tissus, la céramique, la pierre, le verre, le papier, s’articulant selon des variations continues de rythme et de forme. Il s’est ensuite tourné vers un large éventail de médias numériques: écrans lcd, murs de leds, visières, intelligence artificielle et surtout vidéo(Holo Private Immersion). D’un point de vue esthétique, son travail peut être comparé à l’abstraction géométrique, au minimalisme et à l’art optique.

De la même manière particulière que la sculpture-installation s’est dématérialisée en vidéo, la vidéo a en même temps contribué à donner matière - ou au moins témoignage - à l’expression artistique qui par excellence vit d’un goût éphémère: la performance. Absolument à comprendre dans un sens intégratif, et non comme un substitut au happening proprement dit, il est indéniable que la vidéo contrebalance l’évanescence de la performance en ouvrant une fenêtre supplémentaire (et perpétuelle) de fructification. Sans elle, nous ne pourrions pas nous référer aux expériences de performance de Sissi (Daniela Olivieri ; Bologne, 1977), qui, depuis ses premières années d’activité, a vu l’artiste créer des nids ou des cocons en tricotant à la main, en plastique et avec d’autres matériaux, qui prennent souvent la fonction de vêtements. Comme dans Daniela ha perso il treno (1999), où Sissi porte une jupe en pneus qui l’empêche de monter dans un train, ou La di piano (2002), où des éléments en céramique émaillée représentant une couronne et une paire de sabots de couleur laiteuse façonnent une vision imaginative d’un être à la fois réel et hybride. Dans sa poétique, le vêtement n’est pas une manière d’apparaître, mais un moyen de rester continuellement en contact avec le monde. Ses méthodes de production et son esthétique nous permettent donc de communiquer de manière à la fois précise et évocatrice.

Les performances de Nico Vascellari (Vittorio Veneto, 1976), qui utilise la musique (et en particulier sa voix) comme méthode d’expression, sont tout aussi percutantes. Installées dans des contextes urbains ou muséaux, les œuvres sont dotées d’un appareil symbolique structuré visant à évoquer une imagerie stratifiée qui transmet une sorte d’énergie primordiale. Exemplaire en ce sens est I hear a shadow (2009-2010), dans laquelle Vascellari utilise le moulage d’un gigantesque rocher de bronze comme caisse de résonance de ses actions rituelles. Le rituel, et la répétition qui lui est liée, explosent dans le live stream DOOU (2020), que l’artiste a entrepris pendant la période de confinement pandémique et dans lequel il a répété pendant 24 heures la phrase “I trusted you” pour lancer sa chaîne YouTube CODALUNGA. Une opération aux enjeux multiples: politiques, sociaux, artistiques, narratifs, techniques, publicitaires, etc. Les performances de Luigi Presicce (Porto Cesareo, 1976) traitent également de la ritualité: il sait combiner des rituels païens apotropaïques avec des références iconographiques à des fresques médiévales du XIVe siècle, ou rappeler des rassemblements fascistes et des réunions maçonniques en les contaminant avec des références à des cultures anciennes et lointaines. Ces éclairs esthétiques sont souvent condensés dans des tableaux vivants de nature métaphysique et surréaliste, pleins d’allégories et d’allusions symboliques à l’ésotérisme, à la religion et aux traditions de sa terre, le Salento. Les exemples sont nombreux: L’Annonciation de Pythagore aux Acousmatiques (2010), Roi du monde sous le ciel terrestre (2014), Allégorie abstraite de l’atelier du peintre en enfer parmi les pointes jumelles (2014).

Luigi Presicce; performance)

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