Gustav Klimt. Vie et œuvre du fondateur de la Sécession viennoise

Gustav Klimt (Vienne, 1862 - 1918) est le fondateur et l’un des plus grands représentants de la Sécession viennoise(Wiener Secession), une association de dix-neuf personnes, parmi lesquelles des architectes et des artistes de tous horizons, qui s’engagent dans la voie de l’automate, en s’affranchissant de la pensée académique viennoise des années 1930 (la Sécession a été officiellement fondée à Vienne en 1907). L’objectif du mouvement est de retravailler une œuvre d’art totale(Gesammtkunstwerk) qui réunirait l’architecture, la sculpture, la peinture et le design : une nouvelle expression artistique capable de s’affranchir de la tradition. Parmi les plus grands représentants, outre Klimt, on trouve Egon Schiele, Josef Hoffmann, Otto Wagner et Joseph Maria Olbrich.

L’acte fondateur du groupe est la revue Ver Sacrum (“Printemps sacré”), publiée pour la première fois en 1898 : fondée par Klimt lui-même et Max Kurzweil, elle est l’organe officiel de la sécession viennoise. Bien qu’il n’ait duré que cinq ans(Ver Sacrum a cessé de paraître en 1903), il a eu un impact considérable sur le monde de l’art, redéfinissant de nouveaux styles pour le graphisme éditorial et la composition, et a joué un rôle fondamental dans le développement ultérieur de l’Art nouveau et du Jugendstil.

Klimt comptait parmi les plus grands animateurs de la scène culturelle de son époque, et son art abordait une grande variété de thèmes : figures, sujets allégoriques, paysages, nus féminins, thèmes religieux, portraits. En outre, Klimt était également décorateur, dessinateur, mosaïste, céramiste et lithographe. C’était un artiste extrêmement polyvalent et aujourd’hui très apprécié du public qui continue à être fasciné par ses œuvres riches et précieuses, consacrées au décorativisme, imprégnées de tensions typiques de la fin du siècle, redevables à l’histoire de l’art, des mosaïques byzantines de Ravenne (que Klimt a vues en personne et appréciées) à l’art de la Grèce antique, des gravures de Dürer à l’art japonais.

Gustav Klimt

Biographie de Gustav Klimt

Gustav Klimt est né le 14 juillet 1862 à Baumgarten, aujourd’hui dans la banlieue de Vienne. Dès son plus jeune âge, il se passionne pour l’art avec ses frères. Malgré les difficultés financières de sa famille, il parvient à fréquenter l’École des arts et métiers d’Autriche, où il s’inscrit en 1876, à l’âge de 14 ans seulement, après avoir terminé ses études à l’école primaire. Au cours de ses études, qui durent jusqu’en 1883, il expérimente diverses techniques artistiques, notamment la céramique et la mosaïque. Doté d’un talent particulier dès son plus jeune âge, il est considéré et reconnu pendant ses années de formation comme le plus grand continuateur de l’œuvre de Hans Makart, l’un des artistes autrichiens les plus importants de l’époque.

Au fil des années, le grand peintre donne de plus en plus de preuves de son talent et les commandes ne tardent pas à arriver. En 1880, il rejoint une compagnie d’artistes appelée Künstlerhaus et peint la même année les quatre allégories du palais Sturany à Vienne et le plafond du Kurhaus à Karlsbad. En 1883, après avoir terminé ses études universitaires, il fonde un groupe de travail avec Franz Matsch et son frère Ernst, également décorateur et sculpteur. Les trois hommes ont collaboré pendant des années, travaillant sur des décorations telles que le plafond des deux grands escaliers du Burgtheater, célèbre dans le monde entier. À l’intérieur du célèbre théâtre, ils se sont essayés à la décoration d’une série de panneaux représentant des scènes anciennes et contemporaines. Grâce aux nombreuses commandes, le nouveau partenariat créatif rencontre un succès particulier et suscite l’admiration du public et des mécènes. Cette notoriété leur apporte également une gratification financière qui leur permet d’accéder à la haute société. L’habileté de Gustav Klimt, le plus talentueux des trois, est largement reconnue et l’empereur François-Joseph Ier lui décerne en 1888 la Croix d’or du mérite artistique.

En 1892, suite au décès de son frère Ernst quelques mois après celui de leur père, la société est dissoute et Klimt décide de poursuivre seul sa production artistique. C’est au cours de cette année difficile qu’il a la chance de rencontrer Emilie Flöge, sa compagne. Les années qui suivent sont très difficiles pour le peintre, en raison du deuil de son frère et de son père, dont il était très proche, ainsi que de problèmes professionnels et artistiques qui l’amènent à révolutionner son style, en abandonnant et en répudiant le style académique avec lequel il peignait jusqu’alors. En 1897, il décide ainsi de fonder la Wiener Sezession avec dix-neuf autres camarades, un groupe d’artistes controversés et à contre-courant, dont l’objectif commun est de s’affranchir du conformisme académique viennois contemporain et de tendre vers une œuvre d’ art totale où se mêleraient art, architecture et design.Ce thème est également commun à d’autres groupes formés en Europe dans ces années-là, tels que le groupe Arts&Crafts de William Morris et les diverses avant-gardes naissantes, comme le Jugendstil en Allemagne ou l’Art nouveau en France. Bien que Klimt ait épousé le style classique pendant des années, à un certain moment de sa carrière, il ne se reflétait plus dans ses œuvres et décida donc de se libérer des contraintes académiques imposées par l’université où il avait étudié pendant des années.

Bien que les décorations du plafond de l’université de Vienne représentent aujourd’hui l’un des chefs-d’œuvre absolus du maître (malgré leur destruction par un incendie au château d’Immendorf en 1945), il a reçu de nombreuses confrontations et critiques. En 1894, il est chargé avec Franz Matsch (son ancien associé) de créer une série de décorations de plafond pour l’Aula Magna, dont le thème proposé est “La victoire de la lumière sur les ténèbres”, les œuvres devant être créées pour la faculté de philosophie, de droit et de médecine. Avant même d’avoir achevé ses œuvres, Klimt a été amèrement attaqué : les représentations féminines ont été jugées excessivement sensuelles et d’une esthétique anti-classique. De nombreux professeurs et visiteurs de l’université s’opposent vivement aux décorations, à tel point qu’ils adressent une pétition au ministère de l’éducation, exigeant l’arrêt des travaux. Wilhelm von Hartel, alors ministre de l’Éducation, rejeta la pétition à plusieurs reprises et Klimt fut autorisé à poursuivre son travail. L’artiste déclara plus tard : “J’en ai assez de la censure, maintenant je la fais moi-même. Je veux m’en débarrasser. Je veux me libérer de toutes ces absurdités qui me gênent et m’empêchent de travailler”. Klimt et ses camarades sécessionnistes, malgré la malheureuse affaire de l’université, parviennent à trouver notoriété et approbation auprès de riches familles bourgeoises, amoureuses de la nouvelle avant-garde qu’ils ont fondée.

Grâce à un voyage en Italie, notamment à Ravenne en 1903, le célèbre artiste a l’occasion d’entrer en contact et de voir de ses propres yeux les importantes mosaïques byzantines de la ville. De ce voyage, il tire de nombreuses inspirations pour ses œuvres ultérieures, caractérisées par l’utilisation de l’or et de l’opulence : ces peintures définissent la période “dorée” ou “d’orfèvre” de l’artiste. Les œuvres de cette période représentent des œuvres importantes du maître jusqu’à aujourd’hui, par exemple : Le Baiser (1907-08), Judith I (1901), L’Arbre de vie(1905-1909). Avec la deuxième version de Judith en 1909, Klimt abandonne l’Âge d’or, et après cette dernière, l’artiste entre en conflit avec le mouvement qu’il a lui-même fondé, décidant plus tard de quitter le groupe en raison de divergences d’opinion et de se rapprocher des Ateliers viennois qu’il a quittés. la délicatesse et la grâce des lignes sécessionnistes, au profit d’une ligne plus prononcée et plus brute et d’une utilisation plus flamboyante de la couleur, pour laquelle il s’inspire également des nouvelles avant-gardes de la scène contemporaine, telles que les impressionnistes ou les expressionnistes. Les œuvres de cette nouvelle période, comme Les trois âges de la femme (1905), lui permettent de participer et de remporter le prix de l’Exposition internationale d’art de Rome en 1911, s’attirant une fois de plus les éloges de la critique. Quelques années plus tard, en 1918, à la suite d’une pneumonie et d’une attaque cérébrale causées par la grippe espagnole, le peintre décède le 11 janvier, laissant de nombreuses toiles inachevées.

Gustav Klimt, Le Baiser (1907-1908 ; huile sur toile, 180 x 180 cm ; Vienne, Österreichische Galerie Belvedere)

Gustav Klimt, Judith I (1901 ; huile sur toile, 84 x 42 cm ; Vienne, Österreichische Galerie Belvedere)

Le style et l’œuvre de Gustav Klimt

Au cours de son activité artistique, Gustav Klimt a expérimenté diverses techniques artistiques. Pendant sa formation à l’Académie, il commence à s’intéresser à la céramique et à la mosaïque, tout en conservant un style de peinture purement académique qui caractérise également ses œuvres après ses études. Pendant les années les plus difficiles de sa carrière, peu après la mort de son père et de son frère, en proie à des crises existentielles, il décide d’abandonner le style académique et opte pour un style d’avant-garde contre-culturel qui aboutit à la fondation de la Wiener Sezession.

À partir de 1903, grâce à un voyage en Italie qui influence sa manière de faire de l’art, il commence à produire une série d’œuvres avec des insertions de mosaïques dorées qui rappellent les mosaïques byzantines de Ravenne. Les tableaux symboliques de cette période seront Le Baiser (1907-08), Judith I (1901) et Judith II (1909), cette dernière décrétant la fin de l’âge d’or. Par la suite, influencé par les nouvelles avant-gardes montantes comme l’expressionnisme et l’impressionnisme, Klimt décide de remettre son art en question en expérimentant un style de peinture nouveau pour lui, qui consiste en une peinture rugueuse et non polie, avec des traits moins précis et des couleurs plus vives (le Portrait d’une dame de la galerie Ricci Oddi de Plaisance en est un exemple). Malgré les différentes expériences, Klimt a toujours su prouver sa grandeur et sa polyvalence dans le domaine artistique en mettant toujours son grand talent au centre de l’attention.

L’un des thèmes récurrents du célèbre maître est l’attention qu’il porte au monde féminin. Les femmes fatales qu’il dépeint sont des femmes brillantes, parées d’or et dotées d’un regard troublant qui intimide et éblouit. La femme chez Klimt est le protagoniste et l’emblème de la féminité. Son plus grand intérêt pour ce monde culmine avec la création d’œuvres telles que Judith I (1901) et Judith II (1909) .

Dans Judith I, Klimt utilise comme d’habitude un langage typiquement symboliste et décoratif, en insérant même de l’or, ce qui confère à l’œuvre encore plus d’opulence et de luxure. Le personnage représenté est une femme cruelle et puissante qui tient dans ses bras la tête d’Holopherne, son bien-aimé. La tête de ce dernier n’est représentée qu’en raccourci, tandis que la figure de la femme fatale domine la scène, soulignant sa majesté et son imposition. Dans Judith II, la figure est représentée de toute sa hauteur, accentuant encore plus que dans la première version la verticalité du tableau. Le visage de la femme est cette fois-ci représenté presque de profil, la femme est ici nue et dévoile ses seins émergeant de ses robes décorées. Le modèle dont il s’est inspiré pour peindre ces deux versions est Adele Bloch-Bauer, la muse préférée du peintre. Leur relation professionnelle et peut-être affective a commencé lorsque le mari d’Adele a commandé au peintre un portrait de sa bien-aimée. À partir de ce moment, elle est devenue la muse du maître, devenant la protagoniste de nombreuses œuvres célèbres, dont Le Baiser, l’une des œuvres d’art les plus importantes et les plus connues de toute l’histoire de l’art. Il s’agit d’un tableau du Siècle d’or qui représente deux jeunes amoureux en train de s’embrasser (on voit en effet que la femme se laisse tomber dans les bras de son bien-aimé qui la prend dans ses bras et l’embrasse). Les deux personnages sont enveloppés dans des draperies dorées et intensément décorés de mosaïques. Outre le thème de la représentation féminine dans ce tableau, il existe un autre thème récurrent dans la peinture de l’artiste, l’amour, caractéristique d’œuvres telles que l’Étreinte (1905-1909) ou la Frise de Beethoven (1902). L’œuvre respire la douceur et la sérénité, et l’atmosphère est également soulignée par le fond entièrement doré, à l’exception du sol, où les deux amants se tiennent l’un contre l’autre dans un coin de terre fleurie.

Parmi les œuvres les plus importantes du Klimt de la maturité, citons Les trois âges de la femme de 1905(pour en savoir plus sur ce tableau, cliquez ici). Ce tableau est l’une des œuvres les plus matures de l’activité artistique de Klimt, dans laquelle il a abandonné l’utilisation de l’or en faveur d’un style de peinture moins ostentatoire et plus immédiat. Le tableau représente, comme il avait l’habitude de le faire, trois femmes représentant trois périodes différentes de la vie féminine. On y trouve tout d’abord l’enfance, à travers la représentation d’une petite fille dans les bras d’une autre femme qui représente également une autre phase, celle de la maternité, dans laquelle est représentée une figure féminine aux longs cheveux bouclés parsemés de fleurs. À ses côtés, on aperçoit une autre femme qui symbolise la vieillesse, la dernière étape de la vie. La femme est ici peinte avec le visage caché par ses longs cheveux gris et son corps nu dans toute son étendue et son imperfection. Les trois personnages sont extrêmement proches les uns des autres et occupent la partie centrale du tableau. Le fond sombre, qui occupe la majeure partie de l’espace, est donné par une combinaison de couleurs telles que l’ocre ou le brun. L’obscurité du fond tend à faire ressortir les trois personnages, soulignant le passage du temps et leur beauté.

Gustav Klimt, Portrait d’une dame (1916-1918 ; huile sur toile, 68 x 55 cm ; Piacenza, Galleria Ricci Oddi)

Gustav Klimt, Judith II (1909 ; huile sur toile, 178 x 46 cm ; Venise, Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro)

Gustav Klimt, Les trois âges de la femme (1905 ; huile sur toile, 180 x 180 cm ; Rome, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

Où voir les œuvres de Klimt

Les principales œuvres de Gustav Klimt sont principalement exposées dans les musées de sa ville natale, Vienne. L’endroit idéal pour admirer les œuvres de Klimt et de tous les Sécessionnistes est sans aucun doute le Palais de la Sécession, qui reste le bâtiment emblématique du Sécessionnisme viennois. Il a été construit entre 1897 et 1898 sur un projet de Joseph Maria Olbrich, qui s’est inspiré d’un dessin de Klimt représentant un palais cubique en forme de temple.

Les autres lieux où l’on peut admirer les œuvres sont le Burgtheather, où Klimt a travaillé avec Franz Matsch et son frère Ernst peu avant sa mort, la Galerie Belvedere (où se trouvent le Baiser et Judith I), le Kunsthistorisches Museum ofArt(Kunsthistorisches Museum) où Klimt a peint avec ses deux partenaires une quarantaine d’écoinçons et d’intercolumniums, et le MAK - Musée des arts appliqués de Vienne où l’on peut voir en direct les neuf dessins préparatoires réalisés entre 1905 et 1909 pour la frise de Stoclet.

En Italie, trois musées abritent le même nombre d’œuvres : la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Rome conserve le tableau Les troisâges de lafemme (1905 ) que Klimt a peint dans sa dernière période et avec lequel il a remporté le prix de l’Exposition internationale d’art de Rome en 1911.

En revanche, à Venise, à la Galerie internationale d’art moderne de Ca’ Pesaro, on peut voir Judith II, le tableau célèbre et très apprécié de l’artiste, qu’il a réalisé en 1909 peu avant de quitter son âge d’or. Le dernier tableau italien est le Ritratto di signora (Portrait d’une dame ) de la Galleria Ricci Oddi de Piacenza, une œuvre qui a fait l’objet d’un vol sensationnel en 1997 et qui a été redécouverte en 2019.

Gustav Klimt. Vie et œuvre du fondateur de la Sécession viennoise

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