La casa de subastas francesa Millon debuta en Italia, en Cremona, con una rica venta

Debut en Italia para la casa de subastas francesa Millon, que llega a nuestro país con su primera venta, presentando, el 27 de septiembre a las 16.30 horas en la Sala Stradivari del Hotel Continental, el mobiliario (pinturas, muebles, alfombras y objetos de arte de los siglos XV al XIX) de una prestigiosa residencia cremonense. Los coleccionistas que dieron origen a estas colecciones fueron una pareja de cultos amantes del arte de Cremona en los años sesenta, época a partir de la cual la colección comenzó a tomar forma (en los setenta, la colección ya había alcanzado un nivel muy elevado). De gusto refinado, exigentes en sus elecciones, discretos hasta el extremo, los dos coleccionistas cremonenses representan precisamente ese “savoir vivre à l’italienne” que a menudo sigue siendo objeto de envidia y admiración en el extranjero.

El corazón de la venta lo constituyen las pinturas antiguas, un verdadero viaje imaginario por Italia, de norte a sur, con algunas paradas en el norte de Europa, a través de diferentes estilos, temas todos ellos fascinantes, obras que a veces no han sido admiradas desde hace décadas y otras sólo conocidas a través de reproducciones en blanco y negro.

Los principales lotes de la venta llevan los nombres de artistas bien conocidos por los coleccionistas, aunque el lote principal es de un maravilloso anónimo. Se trata de una obra maestra de la pintura de tema popular de principios del siglo XVIII, a saber, el portentoso cuadro anónimo Popolani all’aperto, recientemente presentado en la memorable exposición de Giacomo Ceruti en Brescia (150.000 / 250.000 euros), entre las obras más significativas expuestas en la exposición de Santa Giulia. Esta pintura, una de las más extraordinarias de la historia de la escena de género entre los siglos XVII y XVIII, aún no ha visto a los críticos ponerse de acuerdo sobre su atribución, inclinándose la mayoría hacia Ceruti y algunos hacia Pietro Bellotti. La historia de la obra se remonta a los años sesenta, cuando fue presentada como anónima en Relarte, en Milán, e inmediatamente adquirida para las salas donde se expone actualmente. Inmediatamente notificada por el Estado tras la atribución de Enos Malagutti a Ceruti, publicada progresivamente por todos los grandes expertos en pintura de la zona del valle del Po (Zeri, Gregori, Frangi, Piazza), esta obra maestra de naturalismo, poesía y sinceridad es un ejemplo supremo de ese arte tan típicamente lombardo dedicado a los plebeyos más pobres y a los médicos de la “miseria infinita” (en palabras de Federico Zeri). Mediante la elección de una objetividad desprovista de cualquier tipo de artificio retórico, como para expresar en cambio el sentido más fuerte y eterno del mensaje evangélico, el pintor anónimo (por ahora) centra su atención en las interioridades que rezuman las intensas miradas de los personajes en primer plano: amargura, rencor, decepción, resignación, miedo. ¿Qué pintor audaz podría haber abordado un tema tan vergonzoso de manera tan eficaz y en un lienzo tan imponente, como si se tratara de un tema religioso o histórico? ¿Y qué motivo pudo llevar al insólito comisario a semejante elección? La respuesta se halla quizá en el sentido tradicional de la religiosidad imperante en las llanuras lombardas, donde el mensaje muy humano y riguroso de Carlos Borromeo (1538 - 1584) se mezclaba aún en el siglo XVII con la laboriosidad y el sentido de la hospitalidad y la caridad típicamente lombardos. Como arzobispo de Milán de 1564 a 1584, a través de las procesiones urbanas, los ritos litúrgicos, la moralización de las costumbres y la reforma de la diócesis, Carlos Borromeo reavivó la fe local, las identidades de la ciudad y del campo, así como la cohesión social, especialmente de las clases bajas. El lienzo puede leerse entonces como un manifiesto laico de una obra moralizadora similar, o como un recuerdo “social”, fuente de reflexión o de arrepentimiento.

Siguiendo con los lotes principales, Salvator Rosa (Nápoles, 1615 - Roma, 1673) está magníficamente representado por una Bacanal de dimensiones y procedencia principescas (50.000/60.000 euros): el lienzo data del periodo florentino del artista, y más concretamente de principios de la quinta década del siglo XVII. Representa, según Millon, “un redescubrimiento espectacular para el catálogo del artista, que reaparece en el mercado después de un largo periodo” (así en el catálogo de venta). La crítica se refiere a este cuadro en las palabras que Passeri dedica en sus Vidas a una obra que le llamó especialmente la atención: “Envió de Fiorenza a Roma algunos cuadros que hizo allí para su propio estudio, y entre otros un gran lienzo en el que había realizado una Bacanal de figuras de tres palmos de altura dentro de un bosque de bellas proporciones. Pintó un bosque tupido, opaco por su espeso entrelazamiento de troncos y ramas, mostrando a lo largo una avenida, que no tenía fin, si no era confusa, y no muy segura, y a lo ancho de aquella un entrelazamiento de algunas figuras de hombres, mujeres y niños bailando en parte desnudos y en parte cubiertos con graciosas vestiduras, y con mantos ondeantes alrededor de un simulacro de Baco, y otras tendidas en el suelo con jarrones y copas en las manos, unas en actitud de beber y otras borrachas y sucias dormidas con diversas actitudes bien compuestas, y con una excelente disposición. La composición de aquel cuadro era admirable, el país bien proporcionado a las figuras, con magistral manejo del color, los árboles recortados con gran artificio, con admirable concordancia de color, unidos en armonía, y si las partes hubieran correspondido al todo habría sido un cuadro singular”.

Palma il Giovane (Venecia, 1548/1550 - 1628) nos sorprende con un inmenso retablo firmado en cálidos colores lagunares (40.000/50.000 euros). El imponente retablo es un redescubrimiento, ya que resurge después de décadas a la mirada de expertos y admiradores: fechable hacia 1610 - 1615, está estilísticamente emparentado con el Retablo de San Marcos ejecutado por Palma en 1614 (Sala Capitular de la Scuola Grande di San Marco, Venecia), también similar en composición, y tiene como modelo de referencia laAsunción de Tiziano (1515 - 1518), piedra angular veneciana de la pintura religiosa monumental : la figura de Cristo en escorzo, la guirnalda de putti y nubes en perspectiva, las figuras de los santos de tamaño casi natural, de estilo miguelangelesco, las sombras profundas, los volúmenes suavemente torneados, el oro celestial de la parte superior enmarcada por un fondo de color blanco.oro celestial de la parte superior enmarcada por las numerosas cabezas de querubines, encuentran sus referencias en el retablo del siglo XVI, todo ello armoniosamente concebido gracias a la feliz distribución de los volúmenes por la que Palma era tan apreciado, con un uso del color rico y brillante y combinaciones preciosas y eficaces como el azul y el rosa.

El Renacimiento temprano está representado por una obra de Jacopo del Sellaio (Florencia, c. 1442 - 1493), una Virgen en Adoración del Niño Jesús (38.000 euros/44.000), un panel ya conocido por estudiosos como Everett Fahy, Roberto Longhi y Federico Zeri, que toma como referencia el retablo de Filippi Lippi que representa la Adoraciónen el bosque, ejecutado en 1459 para la capilla del palacio Médicis de Florencia (actualmente en la Gemäldegalderie de Berlín), aunque Jacopo reinterpretó el modelo y creó aquí una nueva composición, más recogida y concisa, que respondía eficazmente al sentimiento devocional de los mecenas florentinos en torno a 1480 (esto explica también el éxito de esta imagen, que el maestro y su taller declinaron en diferentes versiones de vez en cuando: aquí, la elegante y renacentista Madonna de la memoria de Botticelli se sitúa en un paisaje fascinante y complejo, exuberante y omnipresente, que un cielo despejado ilumina, mientras que todo un herbario acoge al Niño Jesús, casi un hortus conclusus de la memoria gótica, un espacio paridisiano de pureza y de lo divino, un lugar metafísico de contemplación).

También hay una obra de Boccaccio Boccaccino (Ferrara, c. 1467 - Cremona, 1525), Due santi, un vescovo e il ritratto del commissittente (40.000/50.000), correlacionado por los críticos (Mina Gregori, Marco Tanzi) con un documento fechado en abril de 1523 (Archivo Notarial de Cremona), en el que Boccaccino se comprometía con los herederos de Benedetto Fodri a pintar un gran retablo para el altar mayor de la iglesia cremonense de San Pietro al Po. Posteriormente, en 1555, el retablo de Boccaccino fue sustituido por un Nacimiento de Bernardino Gatti (todavía in situ, pero en un altar lateral), y a partir de esa fecha se perdió todo rastro del mismo, hasta la publicación por Gregori (1959) del fragmento aquí presentado. Según el documento de 1523, el retablo representaba a la Virgen con el Niño rodeados de numerosos santos y el retrato de Benedetto Fodri. El pintor recibió el último pago por este retablo en diciembre de 1524, año que representaría por tanto la fecha ante quem de su ejecución. Probablemente salvada por contener el presunto retrato de Benedetto Fodri, la tabla pertenece así al periodo final de la actividad de Boccaccino, que sigue siendo uno de los menos conocidos y estudiados del pintor ferrarés. Los modelos del primer Renacimiento parecen ser sustituidos en esta fase por los modos humorales de las obras de Romanino, Bembo y Melone y la densidad matérica de sus pinceladas. A este respecto, Gregori recuerda los “contrastes de claroscuro”, las “acentuaciones grotescas” y “el admirable bulto humorístico del perfil de San Pedro, con la mitra demasiado pesada y a punto de caerse”.

El siglo XVI en Cremona está representado por Giovanni Battista Trotti conocido como Malosso (Cremona, 1555 - Parma, 1619), con una Virgen del Rosario entre los santos Domingo y Esteban (12.000/16.000 euros), que presenta todas las características estilísticas y compositivas de Malosso, cuya firma aparece también en la típica voluta pintada en la parte inferior, en el centro del lienzo: “Malossus faciebat año 1599”. Se trata de un tema muy frecuente en la producción de Malosso y probablemente procede de una capilla aristocrática. Toda la composición está particularmente próxima a dos dibujos atribuibles a Trotti: uno es la Virgen con el Niño entre dos santos del Victoria and Albert Museum, en el que se retoma la posición de los ángeles que flanquean el grupo de la Virgen con el Niño, aquí concebido todavía frontal y centralmente. La segunda es la Virgen con el Niño , los santos Lorenzo y Juan Bautista y el patrón conservada en el Gabinete de Estampas y Dibujos de los Uffizi, en la que la Virgen con el Niño y san Lorenzo corresponden a la parte derecha de nuestro lienzo, es decir, a la figura del santo diácono -que no se encuentra en las pinturas del maestro que conocemos- y al descentramiento de la Virgen y Jesús en las nubes. En el vértice de la estructura piramidal clásica“, escribe la estudiosa Raffaella Poltronieri en la ficha, ”la Virgen sostiene en brazos a su hijo que entrega el rosario a Santo Domingo, una composición ya esbozada en un lienzo de los años ochenta, la Virgen de Loreto en una colección privada“. Pero lo más comparable a este grupo es la Virgen con el Niño de las Courtauld Galleries (inv. 606), un dibujo cuadrado que sólo se diferencia de nuestro lienzo por la ausencia del rosario en la mano del Niño”.

También está presente la hermana de Sofonisba, Europa Anguissola (Cremona, 1548-1549 circa - ante 18 de enero de 1579) con un retrato viril inédito autentificado para la ocasión por el profesor Marco Tanzi (20.000/30.000 euros). “El notable cuadro”, escribe el propio Tanzi, “reviste especial importancia en la pintura cremonense del siglo XVI porque es, en el estado actual de la investigación, el único firmado de los ’muchos retratos de caballeros en Cremona, que son naturales y bellos en absoluto” - especialmente autorretratos - registrados primero por Giorgio Vasari y luego por documentos y fuentes impresas, por la penúltima hija de Amilcare Anguissola y Bianca Ponzoni. En este caso, no se puede reprochar nada al artista de Arezzo, ya que el retrato es de fina distinción y de una calidad bastante sostenida. Además, el descubrimiento colma por fin una laguna importante, ya que Europa era conocida sobre todo por dos pinturas religiosas poco emocionantes, dos retablos antiguamente en la iglesia de Santa Elena de Cremona, de los cuales sólo uno está firmado, el Llamamiento de Pedro y Andrés actualmente en la iglesia parroquial de Vidiceto. La composición, “con el personaje sentado a la mesita cubierta por el mantel de terciopelo verde, atento a escribir una carta con un estilete”, prosigue Tanzi, “se inscribe en la tradición consolidada del retrato de ciudad, especialmente por Bernardino Campi, a mediados del siglo XVI”. La paleta "es la utilizada por todas las hermanas Anguissola, refinada y elegante, con un gusto acentuado por los contrastes cromáticos, nunca exagerados, pero realizados con esa frescura que hace que cada uno de sus cuadros resulte agradable al espectador: de los fondos neutros surgen los verdes brillantes de los terciopelos, los negros que se tornan grises en el refinado giuppone, con luminosas inserciones de hábiles blancos en los cuellos y puños blancos; y el acentuado estudio de las fisonomías de los rostros, entre pálidos y rojos suavizados y rebajados de tono, para rendir a las efigies en sus expresiones más típicas, de un naturalismo constante y nunca excesivo. Justo en la línea de Sofonisba’.

El napolitano Battistello Caracciolo (Nápoles, 1578 - 1635) es el autor de una bella Salomé , conocida como la ’Salomé Pelzer’ (50.000 / 60.000 euros). Conocida por la crítica a partir de Voss y Longhi, la obra está fechada por Causa hacia principios de la segunda década del siglo XVII. Battistello trató este tema en al menos otros tres lienzos (la Salomé de los Uffizi de Florencia, la del Museo de Bellas Artes de Sevilla y la de una colección privada), pero cada vez de manera diferente, encontrando su punto de partida en el cuadro de Peltzer. El motivo del prisionero en el ángulo superior izquierdo derivaría además de la Decapitación del Bautista que Caravaggio pintó en Malta en 1608, y la composición general es sin duda deudora de su Salomé pintada hacia 1609-1610 (hoy en el Prado). Pero no sólo Caravaggio. Citando el cuadro Peltzer en 1927, Longhi afirma: “¿No demuestra la Salomé, ciertamente del joven Caracciolo, como piensa también Voss, la precedencia del napolitano sobre ciertos modos -por ejemplo la contextura y la blancura ilusoria de los blancos en la cabeza de la vieja doncella- que se creían prerrogativa particular de Velázquez? ¿Y no puede decirse lo mismo de la singular ”inminencia“ visual de la que procede esa presentación tremenda y fulminante?”. Retomando a Testori, Causa recuerda también que Longhi hizo un dibujo propio de la Salomé Peltzer, tan impresionado quedó por ella. La Salomé en venta en Millon muestra así signos de una fuerte temperatura caravaggesca, con un perfecto uso de la intensidad de Merisi en los contrastes entre luces y sombras y en la interpretación de las figuras en términos de realismo gráfico.

El caravaggismo nórdico está bien evocado por los Jugadores de cartas de Gerard Seghers (Amberes, 1591 - 1651): adquirida probablemente en 1960, esta escena típica del pintor flamenco reaparece en el mercado por primera vez después de unos sesenta años. Actor importante en el mundo del arte y de la cultura de Amberes en su época, Seghers asistió a Rubens en la decoración de la iglesia de los Jesuitas en 1621; se casó con Catherina Wouters ese mismo año; fue pintor de corte del príncipe-cardenal Fernando; entró a formar parte del gremio de San Lucas y de la Cámara de Retóricos de su ciudad, al tiempo que desarrollaba una intensa actividad como marchante de arte. Como muestra claramente nuestro lienzo, la obra de Gerard Seghers condensa en sí misma las características de algunas de las principales corrientes caravaggescas de su tiempo: además de las de Amberes y Utrecht, también las corrientes italiana y española" (el artista realizó estancias en Roma y en la corte del rey Felipe III). Las pinceladas cortas y suaves se funden admirablemente con las sombras densas y penetrantes de la escena con sus típicas medias figuras en primer plano; la luz contenida pero precisa crea halos y reflejos como mágicos, revelando y ocultando al mismo tiempo, en un juego quizá travieso de suaves ambigüedades y silenciosos subtextos.

En cambio, de un pintor poco común, Angiolillo Arcuccio (activo en Nápoles entre 1464 y 1492), es un políptico inédito, imponente y notable, sobre fondo dorado (60.000-80.000 euros). Adquirido en 1964 por Rinaldo Schreiber y conservado en la colección Cremonese durante las décadas siguientes, fue objeto de un informe pericial del profesor Alfredo Puerari, que lo atribuyó a un pintor anónimo, pero lo comparó correctamente con el políptico atribuido por Causa y otros a Arcuccio en la iglesia napolitana de San Domenico Maggiore. Ignorada por la escasa bibliografía posterior sobre Arcuccio, la pintura en cuestión aparece, sin embargo, referida a la mano de Arcuccio en una fotografía de sólo los tres paneles principales (caricatura nº 420461) conservada en el Archivo Fotográfico del Kunsthistorisches Institut de Florencia, donde se informa de que procede de un tal Boccardi de Roma y de la Galleria L’Antonina, también de Roma, y que posteriormente fue citada y parcialmente publicada. La atribución a Arcuccio, subraya el historiador del arte Pierluigi Leone De Castris, “no presenta problemas particulares y, desde el punto de vista de la cultura figurativa, el políptico examinado revela las mismas características - características de todas las obras de este pintor- de una fuerte dependencia del arte valenciano en Nápoles en los años del reinado de Alfonso de Aragón y de su hijo Ferrante, en particular gracias a la figura del pintor de corte Jacomart Baço y quizás de su ”socio“ Joan Reixach”. Sin embargo, la datación es más compleja, y De Castris la sitúa en torno a 1471.

Entre los lotes de menor compromiso financiero, pero no de menor interés artístico, figuran una Virgen con el Niño de Alceo Dossena (Cremona, 1878 - Roma, 1937) expuesta en la reciente exposición Mart de Rovereto (1.500/2.000 euros), una fina Venta del Primogénito del taller de Gioacchino Assereto (8.000/14.000 euros), una Maternidad del siglo XVII en madera pintada (o Alegoría de la Caridad) próxima a las obras de Giacomo Bertesi (3.000/5.000 euros), un cuadro de Giacomo Francesco Cipper conocido como Todeschini (Feldkirch, 1664 - Milán, 1736) que representa Tres jugadores de cartas (6.000/8.000 euros). Las magníficas salas que durante décadas han albergado estas obras y los demás lotes incluidos en la venta estarán excepcionalmente abiertas al público sólo con cita previa.

“Para su primera subasta italiana”, afirma Vittorio Preda, experto en arte antiguo de Millon’s, “la casa de subastas Millon’s y yo mismo sólo podemos sentirnos honrados de poder presentar estas obras a otros coleccionistas y aficionados. Estos redescubrimientos, que han despertado en nosotros un gran entusiasmo, no dejarán sin duda de suscitar otras tantas emociones, reconfortándonos en la idea de que la nuestra es la profesión más bella del mundo”. La cita es en Cremona el 27 de septiembre de 2023 a las 16.30 horas en la Sala Stradivari del Hotel Continental, Piazza della Libertà 26, Cremona. Exposición en la residencia privada de Cremona del 23 al 26 de septiembre de 10.30 a 18.00 horas, previa cita llamando al +33 777 999 260 o al +39 338 473 5257.

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.