Milán, en el Palazzo Reale con Leandro Erlich lo imposible se hace posible

Del 22 de abril al 4 de octubre de 2023, el Palazzo Reale de Milán acogerá por primera vez en Europa unaamplia exposiciónmonográfica de Leandro Erlich, una de las principales figuras del panorama artístico internacional. Promovida por el Ayuntamiento de Milán-Cultura, la exposición, titulada Más allá del umbral, está producida y organizada por el Palazzo Reale y Arthemisia, en colaboración con Studio Erlich, y comisariada por Francesco Stocchi.

Artista argentino, nacido en Buenos Aires en 1973, Leandro Erlich crea grandes instalaciones con las que el público se relaciona e interactúa, convirtiéndose en la propia obra de arte. Edificios a los que virtualmente se sube, casas desarraigadas y suspendidas en el aire, ascensores que no llevan a ninguna parte, escaleras mecánicas enredadas como los hilos de un ovillo, esculturas desorientadoras y surrealistas, vídeos que subvierten la normalidad. Todos ellos son elementos que hablan de algo ordinario en un contexto extra-ordinario, donde todo es distinto de lo que parece, donde perdemos el sentido de la realidad y nuestra percepción del espacio.

Las obras de Erlich son el resultado de una investigación artística profunda y conceptual, que desemboca en la paradoja y que ya ha conquistado a millones de visitantes en todo el mundo: 600.000 en Tokio y 300.000 en Buenos Aires. En todas partes, el público ha acudido en masa a sus exposiciones, caracterizadas por instalaciones site-specific muy complejas de crear y, por tanto, muy poco frecuentes.

Así pues, la exposición del Palazzo Reale brindará al público la oportunidad de conocer la obra de Erlich a través de sus obras más conocidas e icónicas, reunidas por primera vez en un único lugar con la intención de sistematizar la producción del artista. Erlich traslada al visitante a un lugar mágico, donde lo posible se convierte en imposible. Su obra explora las bases perceptivas de la realidad y nuestra capacidad para interrogar esas mismas bases a través de un marco visual. La arquitectura de lo cotidiano es un tema recurrente en el arte de Erlich, que pretende crear un diálogo entre lo que creemos y lo que vemos, además de intentar tender un puente entre el espacio del museo y la experiencia cotidiana.

Así se describe el propio artista: “Me gusta presentarme como un artista conceptual que trabaja en el ámbito de la realidad y la percepción. Mi tema es la realidad, los símbolos y el potencial de significado. Me esfuerzo por crear un cuerpo de trabajo -especialmente en la esfera pública- que esté abierto a la imaginación, subvierta la normalidad, replantee la representación y proponga acciones que construyan y deconstruyan situaciones para perturbar la realidad. Hablando en general”.

Cada una de las obras de Erlich debe leerse como una ventana al mundo sensible a la mirada, que en lugar de engañar revela el paisaje que cada persona guarda en su interior. Como primera reacción, una obra de Erlich suscita una sensación de familiaridad en relación con lo cotidiano, y luego llega a insinuar cierta duda. Al observar detenidamente la obra, la mirada del espectador comienza a dudar de lo que percibe, encontrándose ante un fenómeno inexplicable. Suscitar preguntas, dudas y emociones en el público que interactúa con su obra es el pensamiento primordial de Erlich, y es precisamente la participación del espectador lo que hace que la obra sea completa.

La exposición cuenta con el patrocinio de Generali Valore Cultura, el socio de movilidad Frecciarossa Treno Ufficiale y el socio de medios Urban Vision. El catálogo está editado por Toluca Studio.

El catálogo está editado por Toluca Éditions y se realiza con la contribución de Galleria Continua.

“Las creaciones de Erlich”, como explica el comisario de la exposición , Francesco Stocchi, “son estructuras arquitectónicas que funcionan como máquinas ópticas que cuestionan el dato sensible del mundo. Con la exposición en el Palazzo Reale de Milán, Erlich ha elegido Italia como sede para la presentación de su ambicioso proyecto, que, escenificando espacios de nueva percepción, estimula la reflexión y la contemplación. La fascinación por su obra por parte de un público amplio, que va más allá de los iniciados, radica en su necesidad de dirigirse directamente al espectador, confrontándole con preguntas, implicándole activamente hasta el punto de la ”exposición universal".

La exposición

Las 19 obras de la exposición demuestran que al liberarse de las nociones adquiridas a través de la experiencia, cada uno de nosotros puede experimentar su propia dimensión, una visión nueva y sin nubes: el advenimiento de un nuevo tipo de mundo. Cada obra es un acontecimiento que tiene que ver con la observación de pequeños fenómenos banales que, trasladados al espacio del museo, adquieren una nueva condición. La obra estimula nuevos comportamientos colectivos y transforma los hábitos automáticos en momentos de revelación, incomodidad y reorganización. Cuando se trata del comportamiento social, Erlich se convierte en un auténtico agente perturbador. Al espectador se le pide un compromiso y una acción participativa para desvelar cada obra, lo que despierta deliberadamente, como primera reacción, una sensación de familiaridad en relación con lo cotidiano, tras la cual se cuela también una sensación de incertidumbre: la atención que se exige al público es la materia prima de Leandro Erlich, y sólo el público completa la obra.

Las instalaciones de Erlich en museos de todo el mundo han revelado niveles de interpretación estratificados y complejos. El lenguaje de la interactividad, combinado con el alcance de las redes sociales, permite que sus obras se expandan mucho más allá de los muros de las instituciones. Erlich presenta imágenes explícitas de una condición actual, instando así al visitante a reconocer su propio desequilibrio, exclusión y autofascinación. La exposición empieza a sorprender ya en el patio del Palazzo Reale, donde se levanta la monumental instalación site-specific Bâtiment, creada en 2004 para la Nuit Blanche de París. Desde entonces, se ha presentado en todo el mundo, adaptándose a las características de la arquitectura local. Sin embargo, el mecanismo de exposición es siempre el mismo: colocada horizontalmente en el suelo, es una reproducción de la fachada de un edificio, con balcones, hornacinas, frisos, marquesinas. Los visitantes prácticamente “cuelgan” de los adornos y un gran espejo inclinado 45 grados refleja la imagen en el suelo sobre un plano vertical, dando la ilusión de una fachada real y la sensación de que la ley de la gravedad ya no existe.

Las instalaciones continúan en las salas de la planta baja del Palazzo Reale. Elevator Pitch (2011) invoca el tipo de escenarios fantásticos a los que podría enfrentarse un protagonista en un relato de Jorge Luis Borges. Puertas de ascensor anónimas empotradas en una pared que parecían bastante anodinas hasta que se abrieron acompañadas del repetitivo y característico tintineo, una verdadera alegoría de la circularidad de la vida. La apertura de las puertas revela una cabina llena de pasajeros de todo tipo, ocupados en diferentes situaciones, desinteresados por nuestra presencia, haciendo invisible nuestra mirada; nadie baja, nadie sube, la relación con la vida de los demás es sólo aparentemente estrecha. Como a cada obra se le ha dado su propia sala en la galería, dialogan directamente con la arquitectura, operando en su mejor momento como distorsiones espaciales de referencia metafísica.

Window Captive Reflection (2013) representa la atmósfera rutinaria y estática del interior de un taller, superpuesta a vistas de la vegetación del exterior. La yuxtaposición de un doble reflejo, en el que se perciben los detalles del espacio interior junto con el vaivén de los árboles del jardín, rememora la memoria que encierra el vidrio. Lo que se ve, junto con lo que se percibe, enfrenta al espectador a un espacio “otro” que aprisiona en el reflejo no sólo las imágenes, sino también el tiempo. Asociar dualismos opuestos, como un estado de reflexión con un estado de acción, es característico del lenguaje de Erlich. Pero se trata sólo de condiciones aparentes.

La nube (2018): una de las tendencias de la humanidad es intentar añadir orden y forma a lo que no existe, como en el caso de las estrellas dispuestas aleatoriamente en constelaciones. La desorientación y el desconcierto perceptivo son constantes en la obra de Erlich, que se “divierte” creando imágenes que desencadenan sensaciones ilusorias en el observador. Casi como para captar lo impalpable, Erlich presenta diversas nubes flotando en imponentes vitrinas como en un gabinete de curiosidades. Del mismo modo, desde la antigüedad hemos imaginado diversas formas en las nubes, en constante cambio, embarcándonos en un viaje onírico a través de sus continuas mutaciones. Una vez en el exterior, es natural mirar hacia arriba y observar el cielo, que, según el artista, con sus luces, formas y colores influye en la percepción que cada cual tiene de su ciudad.

Rain (1999) fue creada por primera vez para la Bienal Whitney de Nueva York de 2000 y desafía ingeniosamente la convención aceptada de que sólo en el exterior puede llover torrencialmente. La obra consiste en un exterior falso en forma de pared de ladrillo y ventanas, contra el que se esparcen con fuerza las gotas de lluvia artificiales, mientras los relámpagos iluminan el cielo. Además de la desorientación, característica de la obra de Erlich, de ver un espacio exterior desde el interior, la obra genera extraños e inquietantes sentimientos de melancolía y espanto arraigados en la condición de aguacero interminable.

En Puerto de reflejos (2014), tres barcos parecen flotar sobre el agua. En realidad, esta instalación utiliza un ordenador para calcular la forma en que un barco se mece sobre el agua y, a continuación, recrea con precisión su aspecto y sus movimientos. Percibimos la obra de este modo porque creemos que un barco es algo que flota sobre el agua. De este modo, la obra nos ayuda a comprender cómo vemos las cosas a través de la lente de nuestras ideas preconcebidas y estereotipos. El “reflejo” del título va más allá de su dimensión sensorial, estimulando un razonamiento sobre la relación entre imagen y realidad: como en obras como Subway, Global Express, El Avión, Port of Reflection nos recuerda que siempre estamos en movimiento, siempre estamos en tránsito en un barco, una alegoría del viaje de la vida, como Ulises en su regreso a Ítaca. Cualquiera que haya viajado en un vuelo nocturno atravesando múltiples husos horarios probablemente esté familiarizado con la sensación de inmovilidad y desorientación asociada al despertar.

Vuelo noctur no (2015) -al igual que El Avión (2011)- induce esta sensación de ensoñación reproduciendo una vista nocturna de la superficie terrestre desde la ventanilla de un vuelo de pasajeros. El asombro y la aburrida inquietud que acompañan a los vuelos largos se evocan a través de esta convincente simulación en el interior de un museo para generar la duda momentánea de si se está viendo o no el panorama real desde kilómetros por encima de la superficie terrestre.

Uno de los temas recurrentes de Erlich es la persistencia de mundos ocultos tras la fachada común y a veces anodina de la normalidad. Como suele ocurrir, a primera vista The View (1997-2005) no ofrece nada más inusual que un par de ventanas adyacentes a la cocina, con las contraventanas entreabiertas. Al acercarse y mirar a través de las contraventanas, aparece la imagen de la pared trasera del bloque de apartamentos vecino. Es una hora indeterminada de la noche y más de una docena de vecinos se dedican a sus distintos rituales: vestirse, lavarse, cocinar, comer o ver la televisión. Un voyeurismo tan manifiesto que crea la ilusión de una vigilancia continua. Sin embargo, la ilusión es tan irresistible que enciende la experiencia de un placer prohibido al observar lo que hacen los vecinos sin temor a ser sorprendido en el acto.

Ascensor (1995) y Lifted Lift (2019) son ascensores que no suben ni bajan: despojados de sus funciones, la curiosidad nos obliga a asomarnos al interior, lo que nos lleva a una doble combinación de sorpresas. La primera es la vista hacia abajo, que se extiende sin fin bajo el suelo, lo que induce a la segunda, la conciencia de que este espacio no puede existir en realidad. El mundo imaginario que crea Lift se basa en la idea de que el espectador espera de algún modo, al mirar dentro, vislumbrar un hueco de ascensor secreto que discurre bajo el suelo del museo: esta obra es la prueba directa de que las leyes de la naturaleza se han suspendido momentáneamente, permitiendo que la percepción prevalezca sobre la lógica. Cada sorpresa es, a su manera, un caso de espacio liminal que actúa para corregir o socavar la perspectiva dominante del momento: de la realidad a la fantasía, o de la ilusión a la revelación.

En Global Express (2011), los paisajes urbanos pasan por delante de lo que parece ser una ventanilla de un tren subterráneo o elevado. Mientras observamos las imágenes, podemos sentir la cadencia implacable del viaje, viendo cómo una ciudad emblemática (Tokio) se transforma a la perfección en otra (Nueva York) y luego en otra más (París). Global Express revela los monumentos y signos arquitectónicos que identificamos con cada ciudad. Entrelazados como un acontecimiento simultáneo, experimentamos lo que la tecnología nos ofrece cada día: la capacidad de cruzar distancias imposibles en milisegundos. Arquitecto de lo incierto, Leandro Erlich crea espacios de límites fluidos e inestables. El vídeo nos deja la sensación de haber realizado un viaje único, en el que varias metrópolis se funden en un único carrete global.

Lost Garden (2013), aprovechando la arquitectura del espacio, consiste en una construcción triangular con dos ventanas en la fachada y un jardín en el interior. En palabras del artista, Lost Garden (2009) aspira a crear profundidad en la experiencia mundana de los espacios cotidianos, sugiriendo un estado permanente de nostalgia. Como en otras obras de Erlich, el espectador queda atrapado en un juego de percepción escultórica y trampantojo, incluso cuando la apariencia externa de la obra contradice lo que percibimos de su interior. La referencia del título a “lo perdido” contrasta con la imagen idílica y paradisíaca del jardín, convirtiendo la obra en una metáfora del deseo de recuperar e inmortalizar el pasado.

Cambiando (2008). Cuando el público entra en el camerino, elegantemente amueblado, se encuentra con espejos de cuerpo entero instalados en tres lados. Pero estos espejos se extienden en la distancia creando espacio, en lugar de mostrar nuestro reflejo. Entras en el camerino y descubres que está conectado con otro camerino al fondo que quizá refleje tu imagen a través de otros espejos. Puede que incluso te encuentres con un desconocido que aparece de repente en el espejo de un vestuario cercano. En este día de ilusiones y vacíos, los vestuarios proliferan como un laberinto de límites indefinidos. La confusión y el miedo a perderse se disuelven en favor de la maravilla del encuentro. Al igual que Alicia, que se pierde en el espejo y ya no es capaz de distinguir entre este lado del espejo, entre ella y el otro, nosotros nos perdemos en un laberinto enmarañado de no uno, sino no menos de 30 camerinos.

Escalera (2005) parece una escalera de caracol a tamaño real, incluido el hueco de la escalera, y luego se gira 90 grados. Aunque el espectador contempla una obra de arte verticalmente desde el suelo, se ve atrapado por la ilusión óptica de asomarse a un hueco de escalera orientado hacia abajo. Se puede ver a las demás personas de la escalera mirando hacia los lados, no hacia arriba, lo que refuerza aún más una experiencia con rasgos inquietantes. Con esta obra, que elimina el papel de escalera para que la gente suba y baje, Erlich libera la estructura arquitectónica de su función original, transformándola, a través de su subversión perceptiva, en una obra de arte autónoma.

Una de las primeras videoesculturas de Erlich es Subway (2009), en la que imágenes en movimiento introducen un escenario virtual, un espacio ajeno transportado a la galería. Al igual que El Avión y Global Express (ambas de 2011), esta instalación invoca el ritmo hipnótico del viaje y el tránsito, pero la función de las imágenes es menos narrativa en favor de una ilusión espacial: las secuencias audiovisuales, a menudo mudas, se ajustan según los parámetros de la verosimilitud cinematográfica, porque eso es lo que hace que las percibamos como realistas. Una especie de temporalidad cíclica y repetitiva en la que el interés por la progresión de las imágenes comienza a disolverse, como por ejemplo en Elevator Pitch (2011).

Traffic jam - Order of importance (2018) presenta una vista de esculturas de coches y camiones cubiertas de arena, dispuestas para parecerse a un atasco en un intento de concienciar sobre la crisis del cambio climático. Dos filas de vehículos divididas por una isla de tráfico en la que la mayoría de los vehículos están parcialmente enterrados en arena para dar la impresión de estar sumergidos, una referencia a la subida del nivel del mar causada por el calentamiento global. “El cambio climático y sus consecuencias ya no son una cuestión de perspectiva u opinión”, afirmó Erlich. “La crisis climática se ha convertido en un problema objetivo que requiere soluciones inmediatas”. Como una imagen de una Pompeya contemporánea o una reliquia del futuro, la obra alude también a nuestra frágil posición en el gran equilibrio universal.

Classroom (2017) es una instalación interactiva que sitúa al público frente a dos salas de idénticas proporciones divididas por cristal. La primera sala carece de adornos y es temáticamente neutra, con sencillos bancos oscuros que invitan a sentarse, pero la sala del otro lado de la ventana es una meticulosa simulación de un aula en ruinas, cerrada y congelada en el tiempo. Cuando los espectadores entran, se reflejan en el cristal y aparecen como fantasmas en la sala del otro lado. De este modo, se convierten en apariciones del pasado, una invitación a recurrir a sus recuerdos personales y a su imaginación para regresar, como adultos, a una escena arquetípica de la infancia. Mientras los espectadores disfrutan de la atmósfera que evoca esta ilusión, también se enfrentan a una visión del futuro planteada por sus propios recuerdos e historias de la infancia, así como a los problemas del descenso de la natalidad y la población a los que se enfrenta Occidente en la actualidad.

Peluquería (2017), aunque parece una reconstrucción de una peluquería con espejos y sillas ordenadas, tiene algunas sorpresas. Algunos espejos no muestran reflejos como estamos acostumbrados: no nos vemos a nosotros mismos, sino a personas que ni siquiera están presentes en la sala, que nos miran tan desconcertadas como nosotros. De hecho, al otro lado de lo que creemos que es el espejo hay un espacio completamente distinto. Erlich juega con nuestra expectativa de que el espejo muestra nuestro rostro, cuando en realidad el “espejo” no es más que un marco que separa otro espacio vacío, en un juego perceptivo de espacios llenos y vacíos habitual en el artista.

Biografía

Artista argentino contemporáneo de renombre mundial, Leandro Erlich crea obras que utilizan ilusiones ópticas y efectos sonoros para sacudir nuestras nociones de sentido común. Aunque lo que el público ve puede parecer familiar a primera vista, desde grandes instalaciones a vídeos, una inspección más atenta revela una sorprendente e inquietante desviación de lo habitual, en forma, por ejemplo, de un barco flotando en ausencia de agua o de personas pegadas a la pared en diversas poses.

Nació en Argentina en 1973. Vive y trabaja entre París, Buenos Aires y Montevideo.

Sus exposiciones han batido en los últimos tiempos todos los récords de entradas, independientemente de la geografía o el tipo de institución: desde el MORI Art Museum (Tokio, 2017) que atrajo a más de 600.000 visitantes, hasta el HOW Art Museum (Shanghái, 2018), pasando por Liminal, la gran exposición antológica en el MALBA (Buenos Aires) vista por más de 300.000 personas; con motivo de The Confines of The Great Void en el CAFAM (Central Academy of Fine Arts, Pekín), el museo más importante de China, Erlich se convirtió en el primer artista no chino en ocupar todo el espacio expositivo hasta la retrospectiva actualmente itinerante por Brasil (CCBB Belo Horizonte, Río de Janeiro, São Paulo). En diciembre de 2022, se inauguró una nueva versión de Liminal, la primera exposición antológica en Estados Unidos, en el PAMM de Miami, donde podrá verse hasta septiembre de 2023.

Erlich comenzó su carrera profesional a los dieciocho años con una exposición individual en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires y, tras recibir varias becas (El Fondo Nacional de las Artes, Fundación Antorchas), continuó sus estudios en el Core Program, una residencia artística en Houston (Glassell School of Art, 1998) donde desarrolló las famosas obras Swimming Pool y Living Room. En 2000 participó en la Bienal de Whitney con Rain y en 2001 representó a Argentina en la 49ª Bienal de Venecia con Swimming Pool, obra emblemática que forma parte de la colección permanente del 21st Century Museum of Art de Kanazawa (Japón) y del Voorlinden Museum (Países Bajos).
Erlich ha recibido numerosos premios de la crítica internacional, entre ellos The Roy Neuberger Exhibition Award (NY, 2017), la Nominación al Prix Marcel Duchamp (París, 2006), el Premio UNESCO (Estambul, 2001), el Premio Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 2000), el Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, 1992).

Sus obras se encuentran en numerosas colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Bellas Artes de Houston, la Tate Modern de Londres, el Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Georges Pompidou de París, el Museo de Arte del Siglo XXI de Kanazawa (Japón), el MACRO de Roma, el Museo de Jerusalén, la FNAC de Francia, el Ville de Paris y la SCNF de Francia, el Museo Voorlinden de los Países Bajos y el MUSAC de España.

Imagen: Leandro Erlich, Aula (2017). Dos aulas de idéntico tamaño, madera, ventanas, pupitres, sillas, puerta, espejo, luces, pizarra, accesorios escolares y otras decoraciones del aula, y cajas negras. Dimensiones variables. Kioku Keizo, Museo de Arte Morti.

Milán, en el Palazzo Reale con Leandro Erlich lo imposible se hace posible

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