Italienische Kunstgeschichte von 2000 bis heute. Teil 3: Video und Performance

Das hartnäckige Bedürfnis, das Publikum und die Werke zusammenzubringen, die Kunst den Kunstliebhabern näher zu bringen, hat die Künstler seit dem Jahr 2000 dazu veranlasst, ihre Kreativität in einem deutlich dreidimensionalen Sinne zu deklinieren. Sie haben im Wesentlichen Skulpturen, Videos und Installationen geschaffen. Ein Ansatz, der auch ohne Metaphern und kulturelle Ausarbeitungen dazu beigetragen hat, die Werke physisch näher und greifbarer zu machen, selbst um den Preis des Verzichts auf Sprachen, die normalerweise zugänglicher und üblicher sind. Vor allem die Malerei, die erst in den letzten fünf Jahren wieder vermehrt in den für junge Künstler wichtigsten Ausstellungsräumen (Galerien und Messen) zu sehen ist. Eine Notwendigkeit, die zur Vorherrschaft von Skulpturen und Installationen zurückkehrt, die jedoch auch den Zeitgeist auffängt, zumindest den offeneren und experimentelleren, der sich der Suche nach neuen Formen und Lösungen widmet. Insbesondere dieInstallation bringt andere unwiderstehliche Sehnsüchte des zeitgenössischen Menschen gut zum Ausdruck: Spektakularisierung, Hybridisierung, Vielseitigkeit. Eine Kunstform also, die trotz der Skepsis des konservativeren Teils des Publikums perfekt in ihre Zeit passt.

Aber wenn wir bei der Entwicklung der Welt oft den zyklischen Charakter loben (der zu einer Rückkehr des ausdauerndsten künstlerischen Mediums, der bereits erwähnten Malerei, führt), so ist ihre Unvorhersehbarkeit ebenso überzeugend. So hat derselbe fortschreitende Fluss, der den Aufstieg der Installation begünstigt hat, zu einer fast antipodischen Alternative geführt: der Videokunst. Im Zuge der technologischen Ausbreitung, die fast alle Bereiche unserer Existenz erfasst hat, hat auch die italienische Kunst ihre Beziehung zu den digitalen Medien vertieft. Unter diesen hat sich das Video als das intuitivste und am leichtesten zu erforschende Medium erwiesen - sei es aufgrund seiner Beziehung zum Kino oder des linearen Übergangs vom statischen Bild (Malerei) zum bewegten Bild. Das perfekte Scharnier zwischen diesen beiden Erfahrungen war zweifelsohne Fabrizio Plessi (Reggio Emilia, 1940), der mit seinen berühmten Videoinstallationen die beiden oben genannten Ausdrucksformen miteinander verband. Im Jahr 2000 schuf er für den italienischen Pavillon auf der Expo in Hannover eine monumentale, 44 Meter hohe Installation mit dem Titel Mare verticale (Vertikales Meer ), die einen ununterbrochenen Fluss aus blauem Wasser darstellte, der wie ein überschwemmter Fluss ohne Unterbrechung floss. Diese Lösung des Flusses von Materie und Farbe hat Plessi im Laufe der Jahre immer wieder vorgeschlagen, auch bei den letzten Ausstellungen im Palazzo Reale in Mailand(Plessi. Mariverticali) und im Complesso di Santa Giulia in Brescia(Plessi Sposa Brixia).

Noch früher, aber ebenso berühmt, sind die Beispiele von Marinella Pirelli (Verona, 1925 - Varese, 2009) und Studio Azzurro. Das Studio Azzurro experimentierte intensiv mit der italienischen Bildsprache und leistete Pionierarbeit auf dem Gebiet des experimentellen Kinos mit Filmen, die mit dem Gleichgewicht zwischen Farbe und abstrakten Formen spielten und mit einer Meditation über leuchtende Phänomene und die Brechung des Lichts(Doppio autoritratto) begannen. Das 1982 gegründete Kollektiv Studio Azzurro zeigte mit der Schaffung von Video-Environments(Due piramidi), sensiblen Environments, Museumsrundgängen, Theateraufführungen und Filmen ebenfalls einen Weg auf, wie das technologische Medium, insbesondere das Video, in die Welt der Kunst integriert werden kann.

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Ansicht der

Zu den Autoren, die sich am erfolgreichsten mit dieser Art von Sprache auseinandergesetzt haben, gehört zweifellos MASBEDO, ein Künstlerduo, das aus Nicolò Massazza (Mailand, 1973) und Iacopo Bedogni (Sarzana, 1970) besteht. Die beiden arbeiten seit 1999 zusammen und haben vor anderen das große Potenzial des neuen Mediums erkannt: die Zusammenführung verschiedener künstlerischer Sprachen (Video, Installation, Kino, Performance, Avantgarde-Theater und Sounddesign) in einer einzigen Lösung. Inhaltlich besteht ihre Hauptkompetenz darin, sozio-anthropologische Elemente mit den intimeren und poetischeren Elementen der menschlichen Erfahrung zu verknüpfen. Dies ist ein klares Element des Kontakts mit der Beziehungskunst, über die wir bereits ausführlich gesprochen haben. So auch in Teorema di incompletezza, dem Werk, das Masbedos Islandaufenthalt (2008) einleitet und das die schwierige Beziehung zwischen einem Mann und einer Frau durch die Zerstörung zerbrechlicher Kristall- und Glasobjekte - vor dem Hintergrund einer arktischen Landschaft - erzählt, die metaphorisch die Auflösung der Heiligkeit und Intimität des Liebespaares symbolisieren. Indem es die Perspektive erweitert, deutet das Video an, wie das Begehren, verstanden als zeitgenössische Sehnsuchtsneurose, die einzige treibende Kraft aller kapitalistischen westlichen Gesellschaften, in der Lage ist, den Sinn der Existenz zu verkümmern. Auch Rosa Barba (Agrigento, 1972) nutzt das Video als Ausdrucksmittel für verschiedene Sprachen und Quellen, von der Archivrecherche bis zur Reise, vom Lesen bis zum Schreiben. Fast didaktisch in diesem Sinne ist das Werk From Source to Poem (2016), ein in den USA gedrehter Film, der Bilder aus dem weltweit größten Multimedia-Archiv, dem Packard Campus for Audio-Visual Conservation der Library of Congress in Culpeper, Virginia, sammelt und sie zu einer dicht geschichteten audiovisuellen Erzählung zusammenfügt, in der jedes Element wie in einem weißen Rauschen überlagert und nach und nach verdichtet wird. Kurz gesagt, die Arbeit ist eine Einladung, über die Räume nachzudenken, in denen Geschichte und kulturelle Produktion bewahrt werden, um sie an künftige Generationen weiterzugeben.

Ein Kontext, in den sich auch Yuri Ancarani (Ravenna, 1972) erfolgreich einfügt, der seinen Videoarbeiten einen deutlich dokumentarischen Anstrich verleiht. Der seit 2000 aktive Künstler(Ricordi per moderni, 2009) hat im Laufe der Jahre zahlreiche wichtige Werke realisiert(La malattia del ferro, 2010-12; Le radici della violenza, 2014), bis hin zum Erfolg des Spielfilms Atlantide (2021), der beim David di Donatello 2022 als bester Dokumentarfilm ausgezeichnet wurde (und ein Kandidat beim Filmfestival von Venedig in der Sektion Orizzonti war). Vincenzo Marsiglia (Belvedere Marittimo, 1972) hingegen reflektiert eindringlich über die Beziehung zwischen greifbarer Realität und virtueller Realität, wobei er von einem malerischen Hintergrund ausgeht und dann im Laufe seiner Karriere mit verschiedenen digitalen Lösungen experimentiert. Der Weg des Künstlers ist insbesondere mit der Formulierung eines unverwechselbaren Codes verbunden, dem vierzackigen Stern, der EU - Marsiglia Unit, der zu einem wiederkehrenden Symbol in seinem ikonografischen Repertoire wird. Die obsessive Wiederholung dieses Symbols drückt sich in Stoffen, Keramik, Stein, Glas und Papier aus und artikuliert sich in ständigen Variationen von Rhythmus und Form. Danach ging er zu einer breiten Palette digitaler Medien über: LCD-Monitore, LED-Wände, Visiere, künstliche Intelligenz und insbesondere Video(Holo Private Immersion). Aus ästhetischer Sicht kann sein Werk mit geometrischer Abstraktion, Minimalismus und optischer Kunst verglichen werden.

So wie sich die Skulptur-Installation in ein Video entmaterialisiert hat, hat das Video gleichzeitig dazu beigetragen, den künstlerischen Ausdruck zu materialisieren - oder zumindest zu bezeugen -, der schlechthin von einem ephemeren Geschmack lebt: die Performance. Unbedingt in einem integrativen Sinne zu verstehen und nicht als Ersatz für das eigentliche Happening, ist es unbestreitbar, dass das Video der Vergänglichkeit der Performance entgegenwirkt, indem es ein weiteres (und immerwährendes) Fenster der Verwirklichung öffnet. Ohne Video könnten wir die Performance-Erfahrungen von Sissi (Daniela Olivieri; Bologna, 1977) nicht nachvollziehen, bei denen die Künstlerin seit den ersten Jahren ihrer Tätigkeit Nester oder Kokons aus handgestrickten, plastischen und anderen Materialien herstellt, die oft die Funktion von Kleidung übernehmen. So zum Beispiel in Daniela ha perso il treno (1999), wo Sissi einen Rock aus Autoreifen trug, der sie daran hinderte, einen Zug zu besteigen, oder in La di piano (2002), wo emaillierte Keramikelemente, die eine Krone und ein Paar milchige Holzschuhe darstellen, eine fantasievolle Vision eines Wesens formten, das gleichzeitig real und hybrid ist. In seiner Poetik ist die Kleidung nicht eine Art, sich zu zeigen, sondern ein Mittel, um ständig mit der Welt in Kontakt zu bleiben. Seine Produktionsmethoden und seine Ästhetik ermöglichen es uns daher, auf präzise und zugleich suggestive Weise zu kommunizieren.

Ebenso eindrucksvoll sind die Performances von Nico Vascellari (Vittorio Veneto, 1976), der Musik (und insbesondere seine Stimme) als Ausdrucksmittel einsetzt. Die in städtischen oder musealen Kontexten angesiedelten Werke verfügen über einen strukturierten symbolischen Apparat, der darauf abzielt, eine vielschichtige Bildsprache zu evozieren, die eine Art Urenergie vermittelt. Beispielhaft in diesem Sinne ist I hear a shadow (2009-2010), in dem Vascellari den Abguss eines gigantischen Bronzefelsens als Resonanzboden für seine rituellen Handlungen nutzt. Das Ritual und die damit verbundene Wiederholung explodieren in dem Livestream DOOU (2020), den der Künstler während der Zeit der pandemischen Gefangenschaft durchführte und in dem er 24 Stunden lang den Satz “I trusted you” wiederholte, um seinen YouTube-Kanal CODALUNGA zu starten. Eine Aktion, bei der viele Aspekte eine Rolle spielten: politische, soziale, künstlerische, erzählerische, technische, werbliche und andere. Auch die Performances von Luigi Presicce (Porto Cesareo, 1976) haben mit Ritualen zu tun: Er versteht es, heidnische apotropäische Rituale mit ikonografischen Verweisen auf mittelalterliche Fresken aus dem 14. Jahrhundert zu kombinieren oder faschistische Versammlungen und Freimaurertreffen mit Verweisen auf alte und ferne Kulturen zu kontaminieren. Diese ästhetischen Blitzlichter verdichten sich oft zu Tableaux vivants metaphysischer und surrealer Natur, voller Allegorien und symbolischer Anspielungen auf Esoterik, Religion und die Traditionen seiner Heimat Salento. Hierfür gibt es zahlreiche Beispiele: Die Verkündigung des Pythagoras an die Akusmatiker (2010), König der Welt unter dem irdischen Himmel (2014), Abstrakte Allegorie des Malerateliers in der Hölle zwischen den Zwillingszacken (2014).

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