Giuseppe Mentessis "Traurige Vision": der weltliche Leidensweg der vergessenen Arbeiter

Bava Beccaris’ wilde Kanonen hatten mit sinnloser Brutalität auf die Arbeiter gewütet, die in Mailand auf die Straße gegangen waren, um zu demonstrieren und gegen die steigenden Brotpreise zu protestieren. Die blutige Artillerie des Generals hatte auf den Straßen der Stadt Dutzende von Toten und Hunderte von Verwundeten hinterlassen: einundachtzig bzw. vierhundertfünfzig, wie die offiziellen Zahlen besagen. Es folgte eine harte Repression gegen “unruhestiftende” Politiker und Journalisten: Verhaftungen, Prozesse, Verurteilungen in einem der düstersten Momente in der Geschichte des vereinigten Italiens. “Lebendige Empörung und Schmerz” waren die Gefühle, die Giuseppe Mentessi in dieser Zeit empfand. Der Maler aus Ferrara machte seiner Wut in einem Brief an Ersilia Majno in den Tagen, als die politischen Gefangenen in die Gefängnisse geschickt wurden, Luft. Wie mörderisch, kretisch, grausam“: Für den Künstler gab es keine anderen Worte angesichts der Qualen der Arbeiter, denen er sich so nahe fühlte, den ”armen, resignierten, guten, immer geduldigen Arbeitern".

Mentessi ist in Ferrara geboren und aufgewachsen, mitten im Stadtzentrum, wie sich vor einigen Jahren herausstellte, entgegen einer kritischen Vulgata , die ihn zum Landmaler machen wollte, aber seine Familie kannte die harte Arbeit gut: Sein Vater war ein Kaufmann, der aus dem Apennin von Modena zugezogen war, während seine Mutter aus einem Bauerngeschlecht aus der Gegend von Ravenna stammte, das sich “mit Polenta für den Körper und Gebeten für den Geist” begnügte, wie sich der Künstler selbst in einem Brief aus dem Jahr 1898 über die Aufstände in Mailand erinnerte. Es kann auch nicht behauptet werden, dass ihm die traurige Lage der Bauern von Ferrara nicht bekannt war, da sich zu dieser Zeit hinter den Mauern der Este das tiefste Land auftat. Auch mit der Mailänder Arbeiterbewegung war er vertraut: Er hatte in Mailand studiert und war oft zurückgekehrt, um dort zu arbeiten und an der Akademie Brera zu unterrichten. Es ist daher nur logisch, dass er sich von der Rohheit der Unterdrückung so tief berührt fühlte, dass er einer der wenigen Künstler war, die bereit waren, die Kunst der sozialen Anprangerung angesichts der imposanten und grausamen Apparate des reaktionären Apparates nicht aufzugeben. In diesem Kontext reifte bei Mentessi die Idee, ein Bild zu malen, das von dieser Realität erzählt.

Für den Maler war die Konzentration auf die einfachsten Arbeiter nichts Neues. Einige seiner Meisterwerke hatten bereits die traurigen Bedingungen der Arbeiter auf dem Lande von Ferrara angeprangert. Auf der ersten Biennale von Venedig im Jahr 1895 hatte er Panem Nostrum Quotidianum gemalt, das Porträt einer Bäuerin, die ihre schlafende Tochter in den Armen hält, inmitten eines Weizenfeldes. Und in den Tagen der Mailänder Gewalt hatte er Lagrime gemalt, eines der herzzerreißendsten Gemälde des späten 19. Jahrhunderts: eine Mutter, die ein Kind umarmt, das sich dem verzweifelten Weinen hingibt. Für die Biennale von 1899 wollte Mentessi jedoch etwas Anspruchsvolleres, Mitreißenderes schaffen, das mehr zu einer gewissen symbolistischen Poetik neigte, die von einem mystischen, religiösen Gefühl genährt wurde. Die Idee scheint ihm gekommen zu sein, als er den Blick der Bauern auf den Spaten beobachtete, als er sie in sein Atelier rief, um sie in Pose zu setzen: “Ich weiß nicht, was ihnen durch den Kopf geht, aber auch ich schaue diese schreckliche Waffe an, und sie erscheint mir wie ein Symbol eines uralten Schmerzes. Wie lange sucht dieses wunderbare und schreckliche Instrument schon die Erde ab? Es sucht nach Blut, Leben, Leben, das die arme arbeitende Kreatur nicht hat”.

Giuseppe Mentessi, Visione triste (1899; Tempera und Pastell auf mit Leinwand hinterlegtem Karton, 139 x 238 cm; Venedig, Galleria Internazionale di Ca’ Pesaro 2018) © Archivio Fotografico - Fondazione Musei Civici di Venezia

Ein Echo dieses Gedankens findet sich im Titel des Werks, das Mentessi in jenen Monaten erdachte: Sad Vision, nannte er es. Der Spaten wurde in dieser Vision zu einer Art Verbindungsstück zwischen Himmel und Erde. Ein Instrument der bäuerlichen Arbeit, aber auch der weltlichen Tortur, wie das Kreuz, das in den ersten Ideen von einem Bauern getragen werden musste. Es war Marcello Toffanello, der 1999 eine Mappe mit Zeichnungen entdeckte, die zusammen mit den Briefen des Malers ein vollständiges Bild des kreativen Prozesses geben, der zur Entstehung der Visione triste führte. Die ersten Studien zeigen einen Bauern, der sich auf seinen Spaten stützt, abgemagert und unterernährt: Ursprünglich wollte der Künstler damit das Problem der Pellagge anprangern, die in der Poebene grassierte. Dann, zwischen Juli und September 1898, kam ihm die Idee, “diese realistische Darstellung des Zustands der Bauern mit einer religiösen Ikonographie zu überlagern, indem er ein Kreuz auf die Schultern der über den Boden gebeugten Arbeiter zeichnete”, schreibt Toffanello. Zunächst sollte die Rolle des Kreuzträgers, wie erwähnt, von einem Bauern gespielt werden, aber dann verbreitete sich in seinen Absichten die Idee, die Last nicht direkt dem Arbeiter anzuvertrauen, sondern einer Mutter, die ihren Sohn in die Arme nimmt, um ihn von der Last des Holzes zu befreien. Und das ist die Vision, die wir in dem fertigen Gemälde sehen.

Ein Gemälde, das eigentlich sehr einfach ist: eine Landschaft, gezeichnet mit den fadenscheinigen Pinselstrichen des Pointillismus à la Previati, die zu einem Kalvarienberg wird, auf dem einige Bauern von der Last ihrer Kreuze erdrückt liegen. Im Mittelpunkt steht die Mutter, die ebenfalls nicht in der Lage ist, das Gewicht des Instruments ihres Martyriums zu tragen, aber mehr damit beschäftigt ist, ihr Kind zu retten. Auf der rechten Seite wird ein älterer Bauer von einer Frau weiter oben betrauert, während zwei Arme versuchen, den Körper vom Kreuz zu befreien. Vorne liegen Spaten auf dem Boden, und am Horizont leuchtet die Morgenröte. Trotz der offensichtlichen Unmittelbarkeit des Gemäldes haben viele Kritiker bestimmte Elemente missverstanden, wie der Gelehrte Michele Nani kürzlich in Erinnerung rief: Einige verwechselten zum Beispiel die Landschaft mit einem “Meeresstrand”. Andere schätzten den Inhalt, bemängelten aber die technische Umsetzung oder einige Spielereien wie die Düsternis, um die Trostlosigkeit des Blicks zu betonen, die laut Mario Morasso “eine zu gemeine Künstlichkeit” sei. Dann gab es diejenigen, die das Bild lobten, weil sie seine Bedeutung verstanden. Vittorio Pica, ein Bewunderer von Mentessi (1903 hätte er ihn als einen Künstler “des Gefühls” bezeichnet, der “fast jedes seiner Werke zu einer Hymne an die Liebe, den Schmerz, das Mitleid” machte), verstand sehr gut, wer die Protagonisten des Gemäldes des Malers aus Ferrara waren: “moderne Männer und Frauen. Ja, es sind unsere Zeitgenossen, die Handwerker, die Bauern, die Frauen, die auf Mentessis epischer Leinwand das massive Kreuz des menschlichen Schmerzes schmerzhaft über den steilen Abhang des Kalvarienbergs des Lebens schleppen oder ihm erliegen”.

In seiner “eigentümlichen Verschmelzung von sozialem Realismus und mystischem Symbolismus” (wie Beatrice Avanzi es so treffend formulierte), die ohne jede Rhetorik auskommt, und die vielleicht einige Monate später seinem Freund Previati einige Ideen für seine Via Crucis vorschlagen würde, wollte Giuseppe Mentessi die Verwandten daran erinnern, dass die Arbeit nährt, aber auch ein Instrument der Folter sein kann, und dass sie nicht nur ein Mittel der Folter, sondern auch ein Mittel der Flucht ist. dass die Arbeit nicht nur ein Mittel der Folter ist, sondern auch ein Mittel zur Flucht, dass diese Frauen und Männer, die unter ihrem Kreuz erschöpft sind, Frauen und Männer unserer Zeit sind und uns näher sind, als wir denken, dass eine Gesellschaft niemals den Anspruch erheben kann, modern zu sein, wenn es weiterhin Arbeiter gibt, die die Last eines Kreuzes tragen müssen.

Im Jahr 1900 schrieb Ada Negri, beeindruckt von Visione triste, ein gleichnamiges Gedicht, das von dem Gemälde inspiriert war: “Per l’erta ove non trema alito o voce / Penosamente vanno; e ognuna di loro / Curva le spalle sotto la sua croce / L’aria che stagna, immota e densa, in torno, / Ha quel pallor fantastico dei sogni / Che ancora non sembra notte, e non è il giorno”. Für die Dichterin ist Mentessi eine Michelangelo-Vision, die sich auf einer Turba öffnet, die fast jeden menschlichen Anschein verloren hat, eine Turba von Unbekannten, deren Namen niemand jemals kennen wird, vergessen, erstickt von einem Leben in Not. Doch die Botschaft ist positiv, und Ada Negri hatte sie beabsichtigt. Hoffnung gibt es auch in dieser traurigen Vision, und sie wird zwei Elementen anvertraut: Das erste ist das Kind (“Wird er derjenige sein, der gewinnt und tröstet / Mutter, dein lilienweißes Kind?”), das zweite ist die Morgendämmerung. Diese Schimmer könnten als das Licht der Auferstehung gelesen werden, der Wiedergeburt, die den Letzten erwartet. Eine Hoffnung jedoch, die sehr irdisch und immanent ist: die Hoffnung auf eine Zukunft mit besseren Arbeitsbedingungen, die vor allem durch die Solidarität gewährleistet wird. Und das war es, was Giuseppe Mentessi selbst erwartete, in einer Art vagem Leopardi-Echo: “Auf diesem Weg, der zu unserem Ende führt und den wir alle gemeinsam gehen, jeder sein Kreuz schleppend, warum können wir uns nicht gegenseitig helfen”.

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