Die Tragödie des Holocausts in drei Werken von Voltolino Fontani

Voltolino Fontani war ein vielseitiger expressionistischer Maler, der im 20. Jahrhundert in Livorno tätig war. Er wurde 1920 geboren und schuf von 1936 bis 1976, dem Jahr seines frühen Todes, eine große Anzahl von Werken mit sehr unterschiedlichen Techniken, Themen und Stilen, die jedoch trotz ihrer Vielfalt eine große Konsistenz und Ausdruckskraft besitzen. Er war ein politisch ungebundener Mensch, der sich weder politischen noch künstlerischen Strömungen anschloss (wie es wahre Künstler oft tun), der sozusagen immer über den Parteien stand; ein Mann, der in keiner Partei kämpfte, ein Pazifist und Gewaltloser in all seinen Erscheinungsformen, der immer ein offenes Ohr für die Not der Armen und der Opfer von Missbrauch hatte.

Er pflegte Kontakte zu den großen Künstlern seiner Zeit und nahm an Institutionen und Veranstaltungen mit nationalem Charakter teil (z. B. 1955 und 1959 an der Quadriennale in Rom), aber er blieb immer eng mit seiner Heimatstadt Livorno verbunden, die für ihn eine Quelle unendlicher Inspiration war. Viele Jahre lang war er Mitglied der Gruppo Labronico, wo er für frischen Wind sorgte. Viele seiner Werke sind verträumt und beruhigend, aber es gibt auch dramatische Werke, die Spuren hinterlassen, weil sie den Mut haben, berührende und schäbige Themen zu behandeln. Sein sonniger, ironischer und heiterer Charakter bildet ein Gegengewicht zur Ernsthaftigkeit der immer wiederkehrenden Themen seiner Werke, insbesondere derjenigen aus seiner Jugend und der Nachkriegszeit. Und gerade auf einige der Werke, die Fontani einige Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg malte, möchte ich die Aufmerksamkeit lenken.

Jeder kennt den Namen “Mauthausen”: eines der berüchtigtsten Lager der Nazis, ein Lager, in dem die Vernichtung durch Zwangsarbeit und Verzehr durch Unterernährung und Entbehrung, aber auch durch die Gaskammer stattfand. Das erste Gemälde, zu dem ich eine (natürlich persönliche) Interpretation geben möchte, trägt den Titel Mathausen (mit falscher Schreibweise) und wurde 1950 gemalt. Nur zwei Jahre zuvor, 1948, war Fontani der Gründer der künstlerischen Avantgarde desEaismus, dessen Manifest unter anderem lautete: “Der Eaismus will die Kunst zu ihren höchsten Werten zurückführen, das heißt, mit Essenz und Intimität unsere Präsenz in der Welt ausdrücken. Sie schlägt daher vor, den künstlerischen Ausdruck von dem Zerebralismus zu befreien, in den er sich in den letzten fünfzig Jahren verstrickt hat, und ihn zu der notwendigen Natürlichkeit zurückzuführen, die dazu bestimmt ist, mit der größten Menschlichkeit des Engagements und der expressiven Kohärenz die Probleme auszudrücken, die in uns als Menschen und nicht als Stilisten drängen”.

Die Probleme, die uns in jenen Jahren bedrängten, waren für empfindsame Menschen natürlich die Schrecken des Krieges, der Holocaust, das Leid, das Millionen von Menschen in den Vernichtungslagern zugefügt wurde, und das dramatische Ende des Krieges mit den Atomexplosionen in Japan, aber auch die Schwierigkeit, mit den Erinnerungen an den erlebten Albtraum zu leben.

Und Voltolino Fontani war sensibel, ein Künstler, der mit dem menschlichen Unglück sympathisierte, ein Pazifist und Gegner jeglicher Form von Unterdrückung und Gewalt. Fontani hatte ein klares Verständnis von dem, was Pietro Gori als “die soziale Rolle der Kunst” bezeichnete, und war wie er ein Mensch, der den Armen und Besitzlosen nahe stand, ein Mensch, der bereit war, die Leiden der Menschheit auf sich zu nehmen und sich der damit verbundenen Risiken bewusst war.

Mathausen ist der Titel eines sehr repräsentativen Gemäldes, eines expressionistischen Werks, das durch seine Kraft und die Unmittelbarkeit der Botschaft, die es vermittelt, besticht. Eine wichtige Besonderheit dieses Werks ist die Tatsache, dass auf der Rückseite der Tafel eine Version gemalt ist, die vielleicht der erste Entwurf ist, aber auch eine Version, die verworfen wurde, weil sie vielleicht vom Künstler selbst als zu stark empfunden wurde, oder die ihre eigene, komplexere Daseinsberechtigung hat, worauf ich später eingehen werde.

Voltolino Fontani, Mathausen (1950; Öl auf Tafel, 150 x 100 cm)

Bevor ich zur Analyse dieser beiden Gemälde komme, möchte ich einen kleinen Exkurs machen. Ich habe mich immer gefragt, warum mein Vater dieses ikonische Gemälde, diese offene Anprangerung der Schrecken der Nazi-Vernichtungslager, Mathausen genannt hat. Es gibt Namen, die in der kollektiven Vorstellungskraft mehr Eindruck hinterlassen hätten, aber er wählte Mathausen, wobei er den richtigen Namen des Ortes, Mauthausen, falsch aussprach, und das ließ mich immer an eine ungefähre Aussprache denken, an einen Namen, den man in Gesprächen hört und nicht in Zeitungen oder Büchern liest.

Bestätigt wurde ich in dieser Annahme durch die Lektüre eines Artikels aus dem Jahr 1973, Voci “Gergali” In Un Glossario Militare Del 1918, einer Sammlung von militärischen Ausdrücken, die von Professor Michele A. Cortelazzo, Professor für Linguistik und Literaturwissenschaft an der Universität Padua.

In diesem Artikel heißt es wörtlich:"AVANZARE VERSO MATHAUSEN (soldat.), ’gefangen genommen werden’ . Diese Redewendung, die die gleiche Schreibweise wie der Titel des Gemäldes von Fontani hat, bezieht sich auf die Tatsache, dass das Lager Mauthausen, das als “Friedhof der Lebenden” bezeichnet wird, bereits im Ersten Weltkrieg als Gefangenenlager bekannt war, in dem die Lebensbedingungen der einfachen italienischen Soldaten unmenschlich waren. Viele Informationen über dieses Gefangenenlager finden sich in demArtikel “Mauthausen 1918 eine vergessene Tragödie” von Gian Paolo Bertelli, in dem auch die Fotos des Sanitätsoffiziers F.M. Daniele zu sehen sind (die von unsäglichen Leiden und Folterungen zeugen), die er glücklicherweise nach der Befreiung des Lagers mitnehmen und 1932 in einem Tagebuch mit dem Titel “Kalvarienberg des Krieges” veröffentlichen konnte.

Natürlich wurde das Lager von den Nazis “umfunktioniert” und mit Gaskammern und Krematorien ausgestattet, aber schon in seiner ersten Version war es eine wahre Hölle, in der Hunderte von italienischen Gefangenen den Tod durch Folter, Entbehrungen, Zwangsarbeit und Krankheiten fanden, völlig im Stich gelassen vom Staat, weil sie als Verräter galten, die sich dem Feind ergeben hatten. Sowohl Cadorna als auch Diaz gingen davon aus, dass sich die Gefangenen freiwillig ergeben hatten, um “in einen Hinterhalt” zu geraten und so dem Krieg zu entgehen. Aus diesem Grund schickte der italienische Staat keine Lebensmittel oder Trostpflaster (wie es beispielsweise Frankreich, Belgien und England taten), sondern überließ dies den Familien. Mit der Konfiszierung der Pakete wurde für viele Gefangene, die versuchten zu überleben, indem sie sogar Mäuse aßen, sogar das Todesurteil verhängt.

Bezeichnend ist der Brief eines Vaters an seinen gefangenen Sohn, über den in Bertellis Artikel berichtet wird: “Du bittest mich um Essen, aber einem Feigling wie dir schicke ich nichts: Wenn sie dich nicht erschießen, werden dich diese österreichischen Schurken in Italien erschießen. Du bist ein Schurke, ein Verräter; du solltest dich umbringen. Es lebe Italien, Tod für Österreich und alle deutschen Schurken: Schurken. Schreib nicht mehr, du tust uns einen Gefallen. Tod den Schurken”. Und als Antwort der Brief an seinen Vater: “Ich erlaube mir nicht, dich lieber Vater zu nennen, nachdem ich deinen Brief erhalten habe, in dem ich lese, dass ich dich und die ganze Familie entehrt habe: deshalb werde ich von nun an dein großer Feind sein und nicht mehr dein Dominikus”.

All dies lässt die Vermutung zu, dass der Name Mauthausen bereits in den 1920er Jahren mit einem Ort des Todes und der Verzweiflung assoziiert wurde und vielleicht von Veteranen, die ihn direkt erlebt oder vom Hörensagen gehört hatten, durch eine leicht falsche Aussprache des Namens in Erinnerung gerufen wurde. Daher die Redewendung: “Wir gehen nach Mathausen”, um auszudrücken, dass nun alles verloren ist.

Voltolino Fontani bei seiner anthologischen Ausstellung 1963 in Livorno

Wir kommen nun zur Analyse des Werks, einer mittelgroßen Tafel, die der Maler selbst sehr schätzte und die er 1963 in der von ihm kuratierten Anthologieausstellung in der Casa della Cultura (heute Cisternino di Città) in Livorno ausstellen wollte. Es handelt sich um einen skelettierten Körper in einer unnatürlich verdrehten Position, von dem man nicht weiß, ob er noch lebt oder bereits eine Leiche ist, gefangen von einem Stacheldraht, der ihn in seinen Windungen einhüllt. Das Werk hat eine mittlere figurative Dichte, da das Motiv, obwohl es mit minimalen Strichen dargestellt ist, perfekt wahrnehmbar ist. Die Farben sind sehr sparsam: Weiß für den Körper, Rot für den Stacheldraht und Schwarz für den Hintergrund. Die Realität, die evoziert wird, ist die des Todes durch Folter oder Entbehrungen.

Obwohl es den Tod und damit etwas Statisches darstellt, hat das Gemälde in Wirklichkeit einen eigenen Sinn für Bewegung, als ob sich der Körper weiterhin vor uns winden würde oder als ob er dies bis zu einem Moment zuvor getan hätte, in einer fiktiven Dreidimensionalität. Da wir mit Sicherheit wissen, dass eine ganze Seite der Mauer des Gefangenenlagers Mauthausen nie gebaut wurde und durch einen mit Strom betriebenen Stacheldrahtzaun ersetzt wurde, an dem viele Gefangene des Ersten Weltkriegs den Freitod wählten, kann ich nicht ausschließen, dass dies die dargestellte Tatsache ist, aber das Motiv ist zu einem symbolischen Bild geworden, zu einem Manifest eines absurden Massakers. Die vermittelte Empfindung ist absolut tragisch: keine unnötigen Details und kein Nachgeben im Realismus erschweren den figurativen Diskurs und lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters ab; die Botschaft ist nackt und unmittelbar, es gibt keine Interpretationszweideutigkeiten: die Verurteilung der Grausamkeit der Tatsachen und das Mitleid mit den Betroffenen sind entschieden und unmissverständlich. Es ist kein einfaches oder beruhigendes Bild, ganz im Gegenteil; wer das Gemälde betrachtet, erlebt einen Moment des Schwebens, ist fassungslos und erkennt die Absurdität und Sinnlosigkeit des menschlichen Verhaltens, das die Ursache für ein Massaker von solchem Ausmaß ist.

Dieses Werk wurde mehrmals ausgestellt, auf Wunsch des Autors immer von dieser Seite aus; ein Standbild aus einem Amateurfilm zeigt ihn bei der Beschreibung des Werks in der Anthologieausstellung 1963. Die Rückseite dieses Gemäldes ist, wenn möglich, sogar noch suggestiver, und wir können nur über sein Thema spekulieren, da es nie einen Titel hatte, oder zumindest keine Spur davon gefunden wurde.

Voltolino Fontani, Die Rückseite von Mathausen (1950; Öl auf Tafel, 150 x 100 cm)

Unten erkennt man die Silhouette eines geisterhaften Körpers, der vergeblich versucht, sich aus einer Grube zu befreien, mit riesigen schwarzen Armen, die mit der Lebendigkeit der Farben kontrastieren, die zur Beschreibung des Körpers und der Grube selbst verwendet werden. Die Linien haben kontrastierende Tendenzen: Während im unteren Teil die Linien, die die Ränder der Grube, die Arme und die Hand beschreiben, geradlinig sind, bilden im mittleren Teil des Gemäldes Windungen Umrisse, fast ein dünner Rauch, der bis zum schwarzen Himmel reicht, wo die Silhouetten zweier Schädel zu erkennen sind, als ob die Toten die Szene aus einer anderen Welt beobachten würden.

Die Farbgebung ist völlig unnatürlich: Der gespenstische Protagonist des Werks scheint eher aus Luft als aus Fleisch zu bestehen, denn sein Körper ist blassgrün im Gegensatz zu den großen schwarzen Armen. Der Himmel ist ebenfalls völlig schwarz, während die warme Farbe des zentralen Teils des Gemäldes an Feuer erinnert; tatsächlich ist der Rand, der ihn vom Himmel trennt, wahrscheinlich der Umriss einer Flamme. Auch hier ist das Bild nicht statisch, sondern suggeriert die Aufwärtsbewegung sowohl der Figur als auch der Flammen. Die figurative Intensität ist nicht sehr hoch, aber man kann einige Vermutungen über die Realität anstellen, die durch dieses Werk, wenn nicht dargestellt, so doch zumindest evoziert wird.

Das Vernichtungslager Birkenau (auch bekannt als Auschwitz II) war ursprünglich als Gefangenenlager konzipiert. Ab 1941 wurde es zu einem Arbeits- und Vernichtungslager und war mit vier großen Krematorien ausgestattet, aber auch mit Scheiterhaufen, d. h. Gruben, die Tag und Nacht ununterbrochen brannten und bis 1943 (dem Jahr, in dem die Gaskammern gebaut wurden) dazu dienten, arbeitsunfähige Häftlinge nach einer summarischen Exekution mit nicht-tödlichen Kugeln zu verbrennen und später die Leichen der Opfer der Gaskammern zu vernichten (wenn dies mit den Krematorien nicht möglich war). All dies wird von Zeitzeugen in Philippe Aziz’ Buch I medici dei lager- Joseph Mengele l’incarmazione del male, Ferni editions, Genf 1975, beschrieben. Das Thema dieses Gemäldes wäre also nichts anderes als die “Seele” eines Häftlings, dessen Körper verbrennt und der sich auf die Reise ins Jenseits vorbereitet, unter dem Blick der Toten, die ihn in der Welt der Toten erwarten. Ohne auf Details einzugehen, ist die Botschaft einfach: Eine Flamme verbrennt einen Leichnam und seine Seele kämpft darum, sich vom Körper zu befreien.

Diese meine Interpretation, die sehr plausibel ist, obwohl sie nur eine Vermutung ist, da sie vom Autor nicht bestätigt wurde, gibt der ganzen Komposition einen vollständigen Sinn. Meines Erachtens gibt es keine Rechtfertigung dafür, dass diese Seite des Gemäldes nicht die gleiche Verbreitung fand wie die andere: Vielleicht hielt der Autor sie für weniger prägnant? Oder hielt er sie im Gegenteil für zu stark? Oder vielleicht weniger lesenswert? Erlauben Sie mir, eine weitergehende Hypothese aufzustellen. In anderen Fällen hat Fontani eine bereits gemalte Tafel wiederverwendet, indem er entweder eine neue Zeichnung über eine frühere legte oder die auf der Rückseite befindliche in irgendeiner Weise ausradierte. In diesem Fall jedoch kein zweiter Gedanke, keine Auslöschung, was darauf hindeuten könnte, dass die beiden Seiten des Gemäldes nacheinander gelesen werden sollten, fast wie eine Seite in einem Buch, in dem man blättert, einem traurigen Buch, das von den Unglücken der Menschheit erzählt. Es kann gut sein, dass die Seite von Mathausen sich auf die Schrecken der Vergangenheit bezieht, die des Gefangenenlagers des Ersten Weltkriegs, und dass die Seite, die wir"Birkenau" nennen werden (die, wie ich wiederhole, keinen Titel hat), sich auf die jüngeren bezieht, die des Zweiten Weltkriegs, in einer Art illustrierter chronologischer Beschreibung der menschlichen Torheit.

Es gibt noch ein weiteres grundlegendes Werk, das vom Holocaust erzählt, allerdings aus einem für die Entstehungszeit sehr ungewöhnlichen Blickwinkel, und es trägt den Titel "Wrack". Das Gemälde aus dem Jahr 1948 stellt nach den Regeln des Eaist-Manifests das Grauen der Vernichtung der Zigeuner im Jahr 1944 durch die Nazis dar. Das Werk wurde auf der ersten Eaist-Ausstellung in Florenz(Casa di Dante) im Jahr 1949 ausgestellt.

Voltolino Fontani, Wracks (1948; Öl auf Tafel, 80 x 110 cm)

Das Thema des Gemäldes ist eindeutig das Massaker an den Roma und Sinti, die im Rahmen des nationalsozialistischen Projekts der ethnischen Säuberung ebenso wie die Juden vollständig aus Deutschland verschwinden sollten. Direkte Zeugen berichten, dass in einer einzigen Nacht zwischen dem 2. und 3. August 1944 im Lager E in Birkenau 2897 Roma- und Sinti-Häftlinge, zumeist Kranke, Alte, Frauen und Kinder, in den Gaskammern ermordet wurden.

Der sichere Hinweis auf dem Gemälde ist der typische Wagen, der den Zigeunern als Wohnung diente und mit dem sie, völlig ahnungslos über ihr Schicksal, in den Lagern eingesperrt wurden, so dass ihre Familien wieder vereint waren und ihr Leben im Gegensatz zu den anderen Häftlingen scheinbar nicht beeinträchtigt wurde. Es wird erzählt, dass sie an den ersten Abenden ihre Lieder hörten, die sie spielten. Ein 1986 erschienener Roman von Alexander Ramati , der 1995 verfilmt wurde, handelt von der Deportation der Zigeuner nach Polen im Jahr 1942 und trägt den Titel Und die Geigen hörten auf zu spielen.

Piero Terracina, ein direkter Zeuge, erinnerte sich in einem Interview anlässlich der Feierlichkeiten zum Holocaust-Gedenktag 2018 im Quirinale: “Neben uns war das Lager der Sinti und Roma: Sie hatten noch ihre Kinder, ihre Haare, ihre Kleidung. Wir dachten, sie würden gerettet werden und frei in die Welt zurückkehren, wie sie es immer gewesen waren. Eines Nachts stürmte die SS herein, und wir fürchteten, sie würden uns alle töten. Stattdessen gingen sie zu ihnen... Am Morgen herrschte jenseits des Stacheldrahts nur eine unheimliche Stille. Der schwarze Rauch aus den Krematorien verriet den Rest. In einer Nacht hatten sie sie alle ausgerottet”.

In der Beschreibung des Werks Wrack ist das Grauen der Tragödie deutlich sichtbar in den kalten, düsteren Farben des Himmels, in der wahrscheinlich männlichen, skelettartigen Figur in unnatürlicher Pose im Vordergrund, die wie ein Ascheberg aussieht, und in der flüchtigen weiblichen Figur im Hintergrund, die schon fast ein Geist ist und die Qualen ganzer Zigeunerfamilien darstellt, die in den Vernichtungslagern vergast und verbrannt wurden.

Im Einklang mit dem Manifest von Eaist will der Künstler in diesem Werk nicht nur die Tragödie erzählen, sondern vielmehr das Leiden, das diese Tragödie hervorgebracht hat, wobei er sich nicht in unnötigen Details verliert, sondern seine Beschreibung auf suggestive Symbole beschränkt, jede Rhetorik vermeidet und versucht, die Botschaft auf das Wesentliche zu reduzieren. Das Ergebnis ist ein ergreifendes Werk voller Pathos, das aber in seiner Essenz keineswegs “undurchdringlich” ist, sondern eine klare Botschaft des Mitgefühls und der Verurteilung vermittelt. In dem Gemälde gibt es jedoch keine Anzeichen von Hoffnung oder Erlösung, sondern nur Resignation, Schmerz und Verzweiflung.

Die Überlegung, die man zu diesem außergewöhnlichen Gemälde anstellen kann, ist die unglaubliche Sensibilität, mit der Fontani diesen besonderen Aspekt des Krieges schildert, über den in der Nachkriegszeit nicht viel gesprochen wurde. Aber er wollte diesen besonderen Völkermord in der Unmittelbarkeit des Geschehens darstellen, indem er bewies, dass er in der Lage war, sich Informationen zu beschaffen (mit den ihm zur Verfügung stehenden Mitteln oder durch direkte Zeugenaussagen), und dass er den Willen hatte, sie in ihrer ganzen Grausamkeit zu enthüllen. Wieder einmal hat er bewiesen, dass er in seinen künstlerischen Entscheidungen “voraus” ist, wieder einmal hat er in diesem Werk seine Fähigkeit bewiesen, sich in die Tatsachen hineinzuversetzen, während er von ihnen schockiert ist, und in der Lage zu sein, die Tragödie zu erzählen, die sie in der Seele des Künstlers hinterlassen, der sie mit der Kraft der Malerei enthüllt, die er zu erzeugen weiß, um einen unauslöschlichen Eindruck beim Betrachter zu hinterlassen.

Ich hoffe, dem Leser mit dieser leidenschaftlichen und emotionalen Analyse dieser Gemälde die Mittel an die Hand gegeben zu haben, um nicht so sehr die Werke zu entschlüsseln, die an sich schon sehr klar und suggestiv sind, sondern vielmehr dieSeele ihres Autors zu entschlüsseln, eines Malers, der nie gezögert hat, die Wirklichkeit darzustellen, in ihren schönsten Erscheinungsformen (Landschaften, Naturen, Porträts), aber auch in ihren schrecklichsten Formen, die das Ergebnis der bösen Eingriffe des Menschen sind. Und dass ich mich an diesen großen Künstler erinnere, der für mich ein liebevoller und beschützender Vater war.

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