Können Sie es reparieren? Aber sicher! Museen und die "Fix-it Bob"-Mentalität

Natürlich können wir das! Diese Denkweise habe ich mit meinen Kollegen in den Museen, in den sozialen Medien und darüber hinaus geteilt. Es gibt in den Museen sicherlich einiges zu verbessern, jetzt mehr denn je. Und die Werkzeuge sind da, bereit, verfügbar und griffbereit. Ausgestattet mit dem notwendigen Wissen, um die Herausforderungen zu verstehen, und in dem Bewusstsein, dass die richtigen Werkzeuge, die ausgewählt werden, um diese Herausforderungen effektiv anzugehen, sicherlich einen Unterschied machen werden. Die wichtigste Priorität ist zweifellos eine positive Einstellung, aber es besteht auch die Notwendigkeit, die alten Wege und Gewohnheiten, die als wesentlich für dasinstitutionelle Ethos angesehen wurden, hinter sich zu lassen.Eine neue Museologie im Entstehen? Vielleicht.

Eine positive Einstellung und eine “Can-do”-Haltung, die wir in diesem Zeitalter des Wandels brauchen, erinnert mich an “Bob der Baumeister”, einen britischen Zeichentrickfilm für Kinder aus den späten 1990er Jahren, der später auch dank einiger Adaptionen (einschließlich Bücher und Lebensmittel) international bekannt wurde. Die Protagonisten der Geschichte sind ein Bauunternehmer und seine Welt, zu der auch eine pittoreske Gruppe von anthropomorphen Arbeitsfahrzeugen gehört, die immer wieder auftauchen, um eine neue Aufgabe zu lösen. Bobs Problemlösungsfähigkeiten basierten auf Konfliktlösung, Zusammenarbeit, Sozialisierung und anderen Fähigkeiten. Es war die Denkweise, mit der Bob an die Anforderungen des Problems heranging, die den Unterschied ausmachte.

Bob der Reparateur

Wenn wir es aus der Sicht von Bob dem Baumeister betrachten, hängen die digitale Wiederbelebung und das Bestreben, die richtigen und notwendigen Synergien zwischen dem Physischen und dem Virtuellen zu schaffen, vor allem von dem Willen ab, dies zu verwirklichen. Abgesehen von den Werkzeugen und Talenten wird die Einstellung “Wir können es schaffen” den Ausschlag geben.

Mit der richtigen Einstellung wird es gelingen

Im vergangenen Juni hat Seb Chan, Chief Experience Officer (CXO) des Australian Centre for the Moving Image, einen sehr interessanten Artikel auf Twitter gepostet, der mich in gewisser Weise dazu veranlasst hat, diesen Beitrag zu schreiben. Einer der Interviewpartner, ein prominenter australischer Kunstmanager , sprach sehr offen über das digitale Revival , das durch die Covid-19-Pandemie ausgelöst wurde: “Wenn wir das digitale Erlebnis immer besser machen, vor allem in einer Zeit, in der die Leute sich nicht mehr trauen, zu Live-Shows zu gehen, schaffen wir uns selbst ein immer größeres Problem. Es gibt nichts Schlimmeres, als mit zweitausend Fremden in einem Raum zu sitzen, die alle unterschiedliche emotionale Erfahrungen haben, und zwar sehr persönliche. Ich bin sehr besorgt: Wenn wir das digitale Erlebnis so eindringlich und wunderbar gestalten, was wird dann aus den Live-Shows?”.

Dass es der Chef der Opera Australia war, der sich so geäußert hat, ist relativ unbedeutend, denn diese Denkweise ist viel weiter verbreitet, als man denkt, selbst in der heutigen Zeit. Ich habe mich zu dieser Art von Bedenken in einer Reihe von Artikeln geäußert, in denen es um medienübergreifendes Denken und dasHarry-Potter-Universum ging. Ich denke, es ist jetzt an der Zeit zu verstehen, warum diese Bedenken immer wieder auftauchen.

Nehmen wir als Fallbeispiel Kuratoren. Die akademische Ausbildung und Praxis eines Kurators basiert auf der Notwendigkeit, den Wert der von ihm betreuten Werke zu erkennen, und das hat oft mit ihrem wirtschaftlichen Wert zu tun. Es ist paradox, dass diese Dialektik zwischen wirtschaftlichem und kulturellem Wert eine Notwendigkeit für Museen ist (Sammlungen werden nämlich zu Versicherungszwecken bewertet, und materielle Kultur wird auf dem Kunst- und Antiquitätenmarkt gegen Zahlung eines bestimmten Preises gekauft). In der Kunstwelt ist die Dialektik zwischen Markt und Museum tief im Wesen und in der historischen Entwicklung der Disziplin verwurzelt. Der Aufsatz von Ivan Gaskell mit dem Titel Tradesmen as scholars. Interdependencies in the study and exchange of art ist eine gute Zusammenfassung dieses Themas: Das Original ist eine begehrte Errungenschaft, das Authentische gewinnt an Wert, wenn es als solches erkannt wird, und die Kopie gerät oft in relative Vergessenheit.

Dies ist dasEthos einer objektzentrierten Museumsinstitution (und wir sprechen hier nicht nur von Kunstmuseen). Für viele Museen, also nicht nur für Kunstsammlungen, ist das Digitale eine bloße Kopie des Originals. Wir denken selten an Museen als Erfahrungen ohne eine materielle Sammlung, aber das Argument, dass nichts dem Original gleicht, wird jetzt zunehmend so wahrgenommen, als würden wir den Tag mit der Nacht vergleichen oder Bücher mit Filmen oder Websites.

Foto von Vanessa Bucceri auf Unsplash

Aber verlieren wir wirklich etwas von der Museumserfahrung, wenn wir uns für das Digitale statt für das Physische entscheiden? Die Antwort liefert eine zehnmonatige Studie des Massachusetts Institute of Technology (MIT) und der Museums-Engagement-Plattform Cuseum, die die emotionale Reaktion einiger Probanden untersuchte, denen originale Kunstwerke im Vergleich zu ihren digitalen Pendants gezeigt wurden. Und anstatt dass wir beim Betrachten des Digitalen die Aura des Originals verlieren (um Walter Benjamins Essay von 1935, Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, zu zitieren), steigert die digitale Erfahrung sogar den Umfang unserer Gehirnaktivität. Ein Artikel von Noah Charney imObserver fasst dies sehr gut zusammen: “Kurz gesagt, unsere Gehirne scheinen mehr stimuliert zu werden, wenn sie Augmented Reality und digitale Reproduktionen von Kunstwerken in der virtuellen Realität betrachten, als wenn sie das eigentliche Werk betrachten”.

Noah Charney mahnt jedoch zur Vorsicht und weist zu Recht darauf hin, dass diese Behauptungen “aus verschiedenen Blickwinkeln bewertet werden müssen, da es mehrere Überlegungen zu ihnen gibt”. Ein Aspekt kristallisiert sich jedoch ganz klar heraus: Es wäre ein Fehler, das Digitale weiterhin als zweitrangig gegenüber der physischen Erfahrung zu betrachten. Das Peak Experience Lab hat bereits vor einigen Jahren, im Jahr 2017, auf diese Notwendigkeit hingewiesen. Und ich möchte einen bekannten Artikel aus dem Jahr 2011 zitieren, geschrieben von der Museumsberaterin Rainey Tisdale, in dem es heißt: “Museen können sich heute auf alle Arten von Interpretationswerkzeugen verlassen, um ihre Geschichten zu erzählen: und um unsere Arbeit gut zu machen, brauchen wir alle Werkzeuge, die wir bekommen können”.

Dies war schon vor zehn Jahren unbestritten und ist auch heute noch unbestritten; in der Tat wird dies angesichts der Herausforderungen, die die Covid-19-Pandemie mit sich bringt, heute als noch dringendere Notwendigkeit anerkannt als zuvor.

Die Akzeptanz der Tatsache, dass Objekte die museale Erzählung kontrollieren, und die Vernachlässigung des Museums als Pluralität von Formen, die durch eine breite Palette von Mitteln erreicht werden können, bedeutet, dass Museen heute mehr denn je Gefahr laufen, an Bedeutung zu verlieren.

Das Original, das Authentische und das Einzigartige haben heute viel mehr mit der Qualität, Relevanz und Authentizität der Museumserfahrung zu tun. Der Umgang mit Sammlungen kann sicherlich angepasst werden, ohne dass der einzigartige Wert des Originals aufgegeben wird. Das Museumserlebnis kann auch für seinen Wert anerkannt werden, und dieser Wert schließt die Digitalisierung ein. Ja, wir können es schaffen!

Foto von Vanessa Bucceri auf Unsplash

Version des Originalartikels, veröffentlicht in The Humanist Museum und anschließend auf MuseoPro - der Website des Finnischen Museumsnetzwerks.

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