Die 10 besten Stände auf der Artissima 2023

Welches sind die besten Stände der Artissima? Die Messe für zeitgenössische Kunst in Turin, die vom 3. bis 5. November stattfindet, bereitet sich auf das Wochenende vor, an dem das Oval vom Publikum gestürmt wird, um das Beste der internationalen zeitgenössischen Kunstproduktion zu sehen. Nachdem wir Ihnen die Trends dieser 30. Ausgabe, der zweiten unter der Leitung von Luigi Fassi, vorgestellt haben und uns mit den Preisen der Werke befasst haben, ist es nun an der Zeit, die herausragenden Stände vorzustellen. Hier ist unsere Auswahl: die 10 unserer Meinung nach besten Stände der Artissima 2023.

1. Ehemalige Elektrophonie

Ehemalige Elektrophonie präsentiert auf der Artissima 2023 The Belle of the Ball, ein neues Projekt von Sergio Breviario. Die Ausstellung, die von einer Installation begleitet wird, besteht aus einer Serie von HB-Collagen und Bleistiftzeichnungen, die 2015 entstanden sind. Sie entstanden in einem Raum und einer Zeit, die der Künstler selbst als eine Art Nullzeit definiert, die in der Lage ist, die Idee der Realität auszulöschen, und erzählen von einer fernen, weit entfernten Welt mit unbestimmten Konturen. Die dargestellten Szenen erzählen Geschichten, die von unbeholfenen Ritterfiguren, vermeintlichen Adligen, die sich duellieren und umwerben, oder von schwebenden Szenen voller Romantik bevölkert werden. Obwohl sie aus reiner Geometrie bestehen, erinnern die Figuren von Breviario stark an die Porträtmalerei des 17. und 18. Jahrhunderts und sind alle streng in Halskrausen gekleidet, die mit den Spirographen der 1960er Jahre gezeichnet wurden, die in der Lage sind, mathematische Kurven von unendlicher Vielfalt zu erzeugen. Die Breviario-Zeichnungen sind preiswert und werden für 2.300 Euro pro Stück verkauft. Der beste Stand in der Sektion Zeichnungen.

2. Der Sonntagsmaler

Die britische Galerie hatte einen der ungewöhnlichsten Stände: einen riesigen Raum in der Mitte der Artissima, um die kleinen Werke, fast Miniaturen, der Amerikanerin Jennifer J. Lee zu präsentieren. Ein monografischer Stand für die Künstlerin, die Bilder nach Fotos malt, die sie in Foren und auf Online-Shopping-Seiten gefunden hat. Ihre Werke sind realistisch, gemalt mit einem Gefühl der Intimität, das den Objekten eine fast psychologische Tiefe verleihen soll. Die Künstlerin porträtiert Fotografien mit einem ausgeprägten Selbstbewusstsein und malt auf Juteleinwand, einem Material, das den mechanischen Prozess der Fotografie degradiert, ihn aber auch auf perverse Weise simuliert. Als visueller Semiologe wählt Lee Motive aus, die Teil eines symbolischen und kollektiven Imaginären sind, und arrangiert sie in Sequenzen, die von einer syntaktischen Sprache geprägt sind.

3. Tornabuoni Kunst

Die historische Florentiner Galerie, die von Roberto Casamonti geleitet wird, bietet eine große Auswahl an Kunst des 20. Jahrhunderts mit einigen bedeutenden Werken (im Artikel über die Preise der Werke in dieser Ausgabe von Artissima haben wir zum Beispiel die drei Raumkonzepte von Lucio Fontana gezeigt). Zu den ausgestellten Künstlern gehören Carla Accardi, Alighiero Boetti, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Giuseppe Capogrossi, Enrico Castellani, Dadamaino, Piero Dorazio und Lucio Fontana, während zu den lebenden Künstlern Alberto Biasi, Emilio Isgrò und Felice Limosani gehören. Man wird sagen, dass Tornabuoni immer die üblichen Künstler vorstellt: Wir hatten jedoch nicht den Eindruck, dass sich diese Ausgabe von Artissima durch auffallende Neuheiten auszeichnete. Wenn eine Galerie also Werke vorschlägt, die ohne weiteres in einem Museum stehen könnten (und das auch noch in hoher Konzentration), scheint uns das ein guter Grund zu sein, sie in die Top 10 aufzunehmen.

4. Vin Vin

In der Sektion Monolog/Dialog sticht das österreichische Vin Vin hervor, das dem 1989 geborenen Nigerianer Jamiu Agboke eine Einzelausstellung widmet. Aquatische Landschaften, die ein wenig an jene unseres Giovanni Frangi erinnern, wenn auch mit einer unruhigeren Ader, die den Betrachter vor das Ufer eines Flusses stellen, wo das Wasser unaufhaltsam fließt. Agboke will den Betrachter also in einen Strudel ziehen, der dadurch entsteht, dass er Licht und Farbe auf der Wasseroberfläche tanzen lässt. Auf der Artissima präsentiert Vin Vin eine Ausstellung mit dem Titel Chance , die von den Texten von Simone Weil inspiriert ist: Die große französische Philosophin beklagte die Zerbrechlichkeit der Natur und stellte sich der Akzeptanz ihrer Vergänglichkeit. Agboke porträtiert zarte, bewegte Landschaften, die versuchen, die Erinnerung an einen Ort in einem bestimmten Moment zu kristallisieren. Es ist dieser Austausch (in Weils Worten: von “Geheimnissen”), den Agboke in der Malerei sucht.

5. Der blaue Samt

Die beste Teilnahme in der Sektion New Entries ist unserer Meinung nach für die Galerie Blue Velvet in Zürich, die eine der jungen Entdeckungen dieser Messe auf die Artissima bringt, nämlich den 1999 geborenen Schweizer Marius Steiger, der einige interessante Stillleben auf weißem Hintergrund vorschlägt, bei denen die Objekte alle nebeneinander stehen: Erinnerungen an die Pop Art, Schulden bei Wayne Thiebaud, aber Werke, die mit einer Ästhetik, die auch an das Digitale erinnert, trotz des jungen Alters des Künstlers Persönlichkeit zeigen. Steigers Werke, die als zeitgenössische Vanitas an die Vergänglichkeit des Daseins erinnern sollen, verbinden reale Erzählungen mit Fiktion in einer strengen und doch romantischen Bildsprache, die das Streben nach Perfektion ironisch in Frage stellt. Neben den Stillleben sind auch einige bizarre gemalte Pilze zu sehen, die eine Art Hybridisierung des Realen und des Künstlichen, des Vertrauten und des Bizarren darstellen sollen: Steiger formt seine Rahmen, um die Form eines Pilzes zu erhalten, füllt sie dann mit Farbe und platziert sie dort, wo man sie nicht erwartet (auf dem Boden). Die Preise liegen zwischen 1.800 Euro für die kleinsten Formate (30 x 25) und 12.000 Euro für das größte Stillleben, das zwei Meter hoch ist. Die Pilze hingegen kosten 1.000 Euro pro Stück.

6. Thomas Dane

Sehr interessant ist die von Thomas Dane angebotene Malerei, die eine große Anzahl von Künstlern präsentiert. Sehenswert ist das Gemälde von Dana Schutz, einer der führenden zeitgenössischen amerikanischen Künstlerinnen, dann die Landschaften von Jake Grewal (geboren 1994, einer der interessantesten Namen der jungen britischen Kunst: seine Gemälde mit traumhaften Szenen sprechen von Sehnsucht, Selbsterforschung, der Beziehung zwischen Mensch und Natur, sowohl im Positiven als auch im Negativen), und die Werke von Ella Krugiyanskaya aus Lettland, mit ihren der weiblichen Figur gewidmeten Arbeiten (eine Künstlerin, die inzwischen gut etabliert ist, zu ihrem Lebenslauf gehört auch eine Ausstellung in der Tate Liverpool im Jahr 2016). Thomas Dane verdient die Top 10, weil er internationale Malerei von großer Qualität bietet.

7. Boccanera

Boccanera gehört zu den Galerien, die am besten mit jungen Malern zusammenarbeiten (sie entdeckte und lancierte Andrea Fontanari, den wir heute trotz seines jungen Alters als einen soliden Namen betrachten können) und bestätigt ihre Berufung mit einem Stand, der die Ausstellung A carevolution zeigt. Angeführt wird die Auswahl von Boccanera von dem üblichen Fontanari, der sich mit einigen kleinformatigen Werken, aber auch mit einer riesigen Leinwand von über zwei Metern, People II, und einer Linda Carrara in großartiger Form mit einigen Ansichten von Wolken in verschiedenen Farben präsentiert. Daneben zwei weitere junge Künstler: der Rumäne Cristian Avram und Gabriele Grones aus Venetien.

8. Umberto Benappi

Ein monografischer Stand für die Galerie Umberto Benappi, der ganz dem Studio Azzurro und dem Projekt Der Schwimmer (geht zu oft nach Heidelberg) gewidmet ist, mit einer Rekonstruktion des Projekts, Entwurfszeichnungen, Drucken von großformatigen Positiven und dem Modell im Maßstab 1:10, das mit den Studenten der Designschule des Polytechnikums Mailand für das Ausbildungs- und Ausstellungsprojekt “Bottega Studio Azzurro” hergestellt wurde. Der Stand wird von einem von der Galerie herausgegebenen Buch in limitierter Auflage begleitet. Das Layout ist mit seinen blauen Lichtern, die alle Besucher der Artissima anlocken, auffallend: Es versteht sich von selbst, dass der Stand von Umberto Benappi einer der meistfotografierten ist.

9. Silvia Steinek

Die österreichische Galerie Silvia Steinek widmet ihren gesamten Stand einer der Pionierinnen der feministischen Kunst, Renate Bertlmann, einer Avantgardekünstlerin der 1970er Jahre, die sich stets mit Themen wie der Darstellung von Sexualität und Erotik im gesellschaftlichen Kontext auseinandersetzte. Trotz ihrer Nähe zur feministischen Bewegung der 1970er Jahre, die sich gegen eine von Männern dominierte Welt auflehnte und auf künstlerischer Ebene eine neue Ästhetik für die Darstellung des weiblichen Körpers zu entwickeln suchte, zeichnet sich Bertlmanns Werk durch die Einbeziehung des männlichen Blicks aus. Mit Collagen, Zeichnungen, Fotografien, Filmen, Performances und Objekten hat Bertlmann stets mit der Ambivalenz der Beziehungen zwischen Mann und Frau in Bezug auf Sexualität und Begehren gespielt und die von der Gesellschaft zugewiesenen stereotypen und vorgegebenen Rollen in Frage gestellt. Die Ausstellung bei Silvia Steinek zeigt eine historische Auswahl von Werken ab den 1970er Jahren.

Silvia

10. Frittelli

Die Florentiner Galerie Frittelli überraschte das Publikum auf der Artissima und beschloss, anstatt wie jedes Jahr visuelle Dichter auszustellen, den Werken von Paolo Masi aus den 1980er Jahren eine Einzelausstellung zu widmen: großformatige Gemälde, die den gesamten Stand einnahmen und die Protagonisten einer Ausstellung waren, die die toskanische Galerie in diesem Sommer organisierte, in der die 1985 in der Sala d’Arme des Palazzo Vecchio ausgestellten großformatigen Gemälde auf Leinwand als eine der Huldigungen der Stadt erneut präsentiert wurden. Ausgehend von einer atomisierten Malerei, einer Art Dripping, das im Vergleich zu dem von Jakcson Pollock die Systematik betont, indem es zu einem gleichförmigen Geräusch wird, sind Masis Gemälde von Bändern aus Nuancen von seltener Geschicklichkeit und Eleganz durchzogen. Wenn er über diese Werke spricht, denkt Masi an die Kunstgeschichte zurück, an die Zeit, in der sich das gesamte Kunstsystem der Vergangenheit zuwandte: und er tat dasselbe, indem er Seurat betrachtete, wenn auch im Rahmen der analytischen Malerei, die seine frühere Produktion charakterisiert hatte.

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