Italienische Kunst? Wir sind an einem Tiefpunkt angelangt. Gian Enzo Sperone spricht

Ein Leben zwischen den beiden Ufern des Atlantiks, eine Galerie, die seit Jahrzehnten ein Bezugspunkt für die Weltkunst ist, ein Sammler, der Kunst aus allen Epochen zusammengetragen hat, von archäologischen Funden bis zu Goldhintergründen, von der großen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts bis zur zeitgenössischen Kunst: Es ist schwierig, die Erfahrung von Gian Enzo Sperone, einem der wichtigsten Galeristen der letzten fünfzig Jahre auf internationaler Ebene und Inhaber der Galerie Sperone Westwater in New York, in wenigen Worten zusammenzufassen. Wir haben mit ihm über die Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen der Kunstwelt seiner Anfangszeit und der von heute gesprochen. Hier ist, was er uns erzählt hat. Das Interview wurde von Federico Giannini herausgegeben.

Gian Enzo Sperone

FG. Sie haben 1972 Ihre erste Galerie in New York eröffnet. Nächstes Jahr sind Sie also seit fünfzig Jahren aktiv, ein wichtiger Meilenstein.

GES. Ja, aber das passt nicht wirklich zusammen! Ich kämpfe schon seit vielen Jahren an den Ufern der Avantgarde. Die erste Galerie in Turin eröffnete ich 1963 mit einer Roy-Lichtenstein-Ausstellung: Ich erinnere mich, dass unter den eher feindseligen Besuchern mein ehemaliger Professor Umberto Eco war, mit dem ich immer eine sehr herzliche, aber abweichende Beziehung zur bildenden Kunst hatte, und dann Dario Fo, der lächelte und peitschte, und wiederum der große Mailänder Sammler Giuseppe Panza di Biumo (der für mich eine Quelle der Inspiration war). Das heißt, mein Weg begann dort, und danach habe ich andere Wege ausprobiert: 1965 eröffnete ich eine Galerie in Mailand, 1971 eine in Rom und 1972 eine in New York, wo ich immer noch arbeite. Allerdings habe ich mich in den letzten fünf Jahren, seit der Wahl Trumps, geweigert, in das Land zurückzukehren, in dem die Nummer eins der Nation ihre Reden mit dem obszönen Satz “America First” begann, als ob die Probleme dort anders wären als im Rest der Welt, und auf jeden Fall ihre Eitelkeit an die erste Stelle setzte. Heute bin ich jedoch eher als Sammler aktiv, ein Wort, das nicht wirklich zu mir passt, denn ich bin eigentlich ein Seriensammler, der davon überzeugt ist, dass die Kunstgeschichte in Rinnsalen, Strömen, Flüssen verläuft. Das war übrigens auch eine herzliche Polemik von mir mit Giuseppe Panza, der mich Mitte der 1960er Jahre, als er die neue Realität der Arte Povera zur Kenntnis nahm, die er nicht ausreichend repräsentativ für die damaligen Probleme der Kunst fand, aufforderte, darüber nachzudenken, dass die Kunstgeschichte von den großen Gipfeln und nicht von den kleinen Depressionen gemacht wird. Allerdings habe ich auch heute noch eine erhebliche Meinungsverschiedenheit über die Entwicklung der Avantgarde, die in eine digitale Richtung geht, ich beschäftige mich eher mit der Antike, und deshalb verfolge ich seit Jahren eine Sammlung, die auch auf akademischer Ebene fragwürdig ist, aber dafür sehr angenehm in der Vielfalt der Auswahl. Ich habe dann mit Allemandi ein Buch gemacht [Anm. d. Red.: Gian Enzo Sperone. Dealer / Collector, Allemandi, 2019], das viel darüber aussagt, was ich bin.

Apropos Avantgarde und digitale Entwicklung, was denken Sie über den heutigen zeitgenössischen Kunstmarkt?

Der heutige Kunstmarkt beunruhigt mich wenig und nur am Rande, weil ich als Seriensammler Hunderte, wenn nicht Tausende von Werken von Künstlern aufbewahrt habe, die jetzt vielleicht aus der Mode gekommen sind. Das ermöglicht es mir, weiterhin meinen Lebensunterhalt zu verdienen, indem ich bei Christie’s oder Sotheby’s Dinge versteigere, die ich als nicht grundlegend oder auf jeden Fall als eher marginal betrachte, und manchmal bin ich erfolgreich, manchmal weniger. Vor kurzem habe ich auch einige sehr wichtige Werke verkauft, weil ich Geld brauchte, um diese Sammlung fortzuführen, aber sagen wir, dass ich den zeitgenössischen Kunstmarkt nicht verstehe und auch nicht verstehen will. Leo Castelli, den ich zusammen mit Arturo Schwarz als einen meiner Meister anerkenne, pflegte zu sagen, dass alle Preise symbolisch sind: Das ist wahr, aber Geld ist nicht symbolisch, Geld ist real. Wenn also der aktuelle Markt 69 Millionen für ein virtuelles Werk ausgibt, wie das, das Christie’s vor kurzem gekauft hat, und viele kleine Künstler Aufmerksamkeit und Preise von großen Künstlern erhalten, habe ich nichts zu kommentieren: Ich bin einfach anderer Meinung.

Sie waren zweifelsohne ein avantgardistischer Galerist. Aber ist es für einen Galeristen heute noch möglich, Avantgarde zu sein?

Nein, das ist nicht möglich. In der Tat ist das Modell meiner amerikanischen Galerie im Niedergang begriffen, weil es keine Bewegungen mehr gibt. Die letzte große Bewegung war die Arte Povera, und in Amerika gab es die Minimalisten, die Konzeptualisten. Heute gibt es Außenseiter, die zwar talentiert sind, aber die Kunst der Vermarktung beherrschen. Was ist also die Funktion einer ambitionierten Galerie, einer hochrangigen Galerie, heute? Sie hat keinen Zweck, denn die Künstler sind ihre eigenen Händler: die großen, die kleinen, die sehr erfolgreichen und die, die es schwer haben. Es handelt sich um einen unaufhaltsamen Wandel, den wahrscheinlich die Geschichte herbeigeführt hat. Meine Position ist nicht die der Kritik, sondern die des Dissenses: Als ich 1972 die Galerie in New York eröffnete, eröffnete ich sie natürlich im SoHo-Viertel, dem ältesten Viertel New Yorks (heute befinden wir uns in der Bowery, einer historischen Straße, in der bis in die 50er und 60er Jahre die meisten heruntergekommenen Künstler, Schriftsteller und Musiker lebten). Damals wurde in der Straße fast nur gearbeitet, denn SoHo hieß “Artist in Residence”, d. h. alle Gebäude aus dem späten 19. und der Mitte des 19. Jahrhunderts bis hin zu neueren Gebäuden wurden von Künstlern oder Galerien bewohnt: Niemand sonst durfte dort kaufen oder wohnen. Dies war bis Anfang der 1970er Jahre der Fall, dann begann sich dies langsam zu ändern (heute gibt es tatsächlich keinen einzigen Künstler oder keine einzige Galerie mehr). Ich stelle diese Behauptung auf, um zu sagen, dass es viele Galerien hintereinander gab und sich die Künstler dort trafen: Es gab eine Gemeinschaft von Kunstsüchtigen , die sich gerne auf der Straße stritten, diskutierten, liebten oder hassten. So wurde keine Zeit verschwendet, es gab keine Vermittler. Ich erspare mir Details über viele mythische Figuren, aber ich habe zum Beispiel jemanden wie Julian Schnabel kennen gelernt (meiner Meinung nach der letzte große Maler der Generation nach dem abstrakten Expressionismus und nach der Pop Art): Ich habe ihn in einem Aufzug getroffen. Ich wusste nicht, wer er war. Er sagte zu mir: “Entschuldigung, sind Sie Sperone?”. Ich bejahte, und er antwortete: “Ich bin Julian Schnabel, und ich möchte, dass Sie mein Atelier besuchen, denn ich bin sicher, dass Ihnen meine Arbeit gefallen wird”. Und genau das ist passiert: Es beweist, dass es nur wenige Vermittler gab und vor allem nicht diese heimtückischen Gestalten, die heute die Szene beherrschen und die so genannten Kunstberater sind, unbekannte Experten. Diese sind im Übrigen oft Frauen, und in diesem Fall, da das Thema Geschlecht oft angesprochen wird, würde ich sagen, dass die Aufdringlichkeit der Frauen auffällig war und einige Probleme verursacht hat: Es ist immer verführerischer, wenn ein hübsches Mädchen einen Herrn besucht, um ihm einen Rat zu geben, als wenn ich in einer vorhersehbaren Galerie stehe und immer wieder die gleichen Dinge wiederhole. Und dann war da noch die Verbreitung von Investmentfonds.

Wer dominiert denn heute die Szene?

Heute sind die großen Galerien wie David Zwirner und Gagosian (den ich übrigens seit vierzig Jahren kenne, seriös und brillant) nur noch Simulakren, denn es sind die Kunstexperten, die Kunstberater und die Künstler selbst, die die Szene in einer tödlichen Umarmung beherrschen. Die Künstler verbringen heute den größten Teil ihrer Zeit mit Marketing. Der begabteste und intelligenteste italienische Künstler der letzten dreißig Jahre, Maurizio Cattelan, hat die Frage umgedreht und vor vielen Jahren gesagt, er wolle gar kein Künstler (im üblichen Sinne des Begriffs) sein, und versprochen, am nächsten Tag aufzuhören, Künstler zu sein, was er natürlich nicht getan hat: ist ein weiteres Indiz dafür, dass die besten Köpfe unserer Zeit sich darin üben, die Verfechter dieses Marketings zu werden, das eine entscheidende Sache sowie eine Deformation des Fortschrittsbegriffs zu sein scheint. Die Wirtschaft sagt uns jeden Tag, dass wir wachsen müssen, aber niemals, dass wir fortschreiten oder uns weiterentwickeln müssen! Aber wenn wir nicht vorankommen, werden wir abstürzen! Die Kunst war schon immer ein Zeichen für die Unangepasstheit des Menschen, sie war schon immer eine Suche nach dem Unmöglichen, aber wenn sie anfängt, sich an diese etwas kruden oder etwas bescheidenen Marketingthemen zu halten, dann sieht es schlecht aus.

Und wie viel wiegt es in einer solchen Situation, dass es heute keine Kunstkritik mehr gibt wie in den 1960er und 1970er Jahren?

In der Frage ist die Antwort bereits enthalten, denn die Kritik hat heute eine marginale Position: Die Berater dominieren, sie stellen Zahlen in Rechnung, die wir uns nicht einmal vorstellen können, so wie es in gewöhnlicheren Sektoren (wie der Mode) die so genannten Influencer gibt. Wir wissen nicht wirklich, wer sie sind und welche Zahlen sie haben: Wir kennen die Zahlen ihrer Follower, aber wir kennen nicht die Zahlen ihrer persönlichen Qualität, wir kennen nicht ihre Ausbildung. In der Kunst ist es das Gleiche. Es ist jedoch unmöglich, diesen Trend zu stoppen, der eher in Richtung Wachstum als in Richtung Entwicklung geht. Es schmerzt mich, da ich auch in einem gewissen Alter bin, Reden zu halten, die einen Hauch von Pessimismus enthalten, aber man muss zuerst realistisch sein, bevor man visionär wird. Wie Bertozzi & Casoni oft gesagt haben (auch in einigen ihrer Titel), ist nichts so, wie es scheint. Aber was sich zeigt und in meinen Augen offensichtlich ist, ist, dass diese Gesellschaft ziemlich unvollkommen ist, so dass in einer unvollkommenen Gesellschaft das Streben nach dem Unmöglichen zu einer Schimäre wird, zu einem Streben nach dem Nichts. Mehr habe ich zu diesem Thema nicht zu sagen.

Wie sehen Sie stattdessen die aktuelle italienische Kunstszene?

Ich muss ganz ehrlich sein: Ich habe den Eindruck, dass wir uns, anders als die italienische Fußballnationalmannschaft, in der Kunst auf einem absoluten Tiefpunkt befinden. Und wie bereits erwähnt, gibt es keine Bewegungen, keine Theoretiker und Kritiker, keine Wissenschaftler, die dieselben Erfahrungen machen wie die Künstler.

Aber es muss doch jemanden geben, von dem aus man einen Weg der Wiedergeburt oder des Wiederaufbaus beginnen kann.

Sicherlich gibt es sie, aber ich kenne sie nicht. Ich habe mein ganzes Leben lang zersplittert und zerstreut gelebt, so dass ich heute nicht einmal über die Mittel verfüge, um die Situation der italienischen Kunst zu beurteilen. Ich kann jedoch sagen, dass es keine italienische Avantgarde gibt, weil es keine Denkbewegung von Menschen gibt, die Probleme teilen, sich lieben und sich gegenseitig an die Gurgel gehen, um ein unmögliches Projekt zu verfolgen, aber das ist Geschichte.

Und wie, glauben Sie, war es möglich, so weit zu kommen?

Wir sind so weit gekommen, weil dies eine unvollkommene Gesellschaft ist. Können wir die Unvollkommenheit beziffern? Nein: Wir bewegen uns auf eine erdrückende Präsenz von Marketing zu. Und selbst Intellektuelle und Künstler übernehmen die Wege und Rhythmen derer, die in den Werbeabteilungen der großen Unternehmen arbeiten. Ein Beispiel für diese einflussreichen und sehr einsichtigen Menschen ist Oliviero Toscani, der alles andere als ein Künstler ist. Ich habe bereits große Bedenken gegenüber der Fotografie als Kunst an sich: Fotografie, die von bildenden Künstlern als Medium verwendet wird, ist in Ordnung, aber ich glaube wenig an den Künstlerfotografen. Außerdem spricht Toscani, als wären wir Narren und er ein Genie: Wenn diese Leute die Macht übernehmen (wie man in den 68ern zu sagen pflegte: Phantasie an der Macht), und sie haben sie ja schon übernommen, können alle anderen nur noch marginal werden. Künstler haben die Antennen, um diese Dinge aufzuspüren, aber das Problem ist, dass der Krieg gegen dieses System schon im Ansatz verloren ist. Entweder du arbeitest mit oder du bist raus. Ich beneide weder meine jungen Kollegen noch die Künstler von heute, denn ich glaube, dass die Kunst heute ein Schlachtfeld ist, auf dem man nicht einmal weiß, auf welcher Seite man steht und was die Ziele sind. Ich überlasse es den Interpreten und Analytikern von heute, die Schlussfolgerungen zu ziehen... Ich sammle alte Kunst. Aber ich sehe das Schweigen der Ideen, das immer ohrenbetäubender wird. Ich für meinen Teil finde das auch sehr tröstlich.

Wenn man jedoch die Liste der von Sperone Westwater vertretenen Künstler durchblättert, findet man zwei lebende italienische Künstler: Fabio Viale und das Duo Bertozzi&Casoni.

Lassen Sie mich zunächst eine Vorbemerkung machen: Ich habe viele italienische Künstler nach Amerika gebracht, weil ich seit Beginn meiner Karriere immer enge Beziehungen zu Amerikanern unterhalten habe. Niemand hat je versucht, mich untergehen zu lassen, im Gegenteil, man hat mir geholfen. Aber ich bin mir der heutigen Rangordnung nicht mehr bewusst: Es gibt Künstler, die sicherlich sehr talentiert sind, aber wenn man tiefer schaut? Nehmen wir Francesco Vezzoli: er ist gut eingeführt, aber für mich ist er ein abgeleiteter Künstler, auch wenn er sich gut vermarkten kann... im Vergleich zu ihm sind Bertozzi & Casoni Künstler von anderer Tiefe. Außenseiter und Kinder einer unvollkommenen Gesellschaft, aber sie verfügen über sehr präzise und nicht-derivative sprachliche Mittel, und das ist ziemlich wichtig. Was Fabio Viale betrifft, so haben wir im Moment nichts mehr mit ihm zu tun. Seine Produktion ist über die Maßen gewachsen, mit Wiederholungen, die ich ziemlich ungerechtfertigt finde. Das habe ich schon immer bei anderen empfunden, auch bei Andy Warhol oder Lucio Fontana, aber sie sind ’Genies’. In der Schule hat man mir beigebracht, dass Qualität und Seltenheit Hand in Hand gehen. Wenn man also jeden Tag ein Bild malt und denkt, dass jedes ein Meisterwerk ist, liegt man falsch. Einer der Künstler, die ich am meisten liebte, war Alberto Giacometti, den ich 1961 persönlich kennenlernte: Er hat mich sehr beeindruckt. Giacometti hat sich sein ganzes Leben lang gequält, im wahrsten Sinne des Wortes, denn jedes seiner Werke war ein Leiden, und dann war er unsicher, er hatte Zweifel, er hat sich nie als Meister hingestellt, obwohl er schon ein wahnsinniger internationaler Erfolg war, als ich ihn kennenlernte. Sein Werkverzeichnis, wenn es denn existiert, wird ein oder zwei Bände umfassen. Picasso, das Beispiel eines Genies (in jeder Hinsicht: sogar ein böses Genie, denn er hat das Marketing erfunden), hat ein vierunddreißigbändiges Werkverzeichnis, zu dem noch die sieben grafischen Werke hinzukommen. Ein weiteres Beispiel für jemanden, der sich selbst gequält hat und den ich weniger mag als Giacometti, der aber ein merkwürdiger und geheimnisvoller Künstler ist, ist Balthus: Sein ältester Sohn, der ungefähr in meinem Alter ist, erzählte mir, dass sein Vater ein Drittel seines Lebens auf einem ebenfalls nicht sehr bequemen Stuhl in einem schmucklosen Zimmer verbrachte, mit einer Staffelei und einer leeren Leinwand, die tagelang, wochenlang, monatelang, manchmal jahrelang so blieb. Und so ist sein Werkverzeichnis ein Band mit achthundert Gemälden. Und hier ist meine Antwort auf die Tatsache, dass Fabio Viale, ein echtes Talent, Repliken über alle Maßen produziert, so dass ich ihm nicht mehr folge. Bertozzi & Casoni hingegen sind eine andere Sache, nicht zuletzt wegen der Art ihrer Arbeit, die nicht maschinell ausgeführt werden kann (die Marmorbearbeitung hingegen wird heutzutage hauptsächlich maschinell ausgeführt: der Künstler legt der Werkstatt eine Skizze vor, manchmal sogar nur ein Foto, und sehr gute Handwerker stellen daraus die Skulptur her, die genau wie bei Fotografien reproduziert werden kann). In der Kunst von Bertozzi & Casoni ist jedes Blatt, jede Tierfeder, die in ihren Werken auftaucht, handgemacht. Und das ist berührend. Darüber hinaus bemühen sie sich um Wahrhaftigkeit, ein Thema, das schon Generationen von Künstlern beschäftigt hat. Übrigens möchte ich Michele Bonuomo zitieren, einen von mir geschätzten Kritiker, der in einer Präsentation für Bertozzi & Casoni etwas sagte, das uns an die Worte Giacomettis erinnert: “Je mehr ein Werk wahrhaftig ist, desto mehr hat es Stil”. Und so ist es eine Tatsache, dass sie heute zu den wenigen Künstlern gehören, die echte moralische Operetten schaffen, präzise (der Vanitas, des Memento mori und vieles mehr), mit einer starken Glaubwürdigkeit: vor einem ihrer Werke, auch wenn ich sie seit fünfundzwanzig Jahren verfolge und so viele Skulpturen angesammelt habe, spüre ich immer eine große Kraft, die diese Terrakotta- und Majolikastücke ausstrahlen. Und das liegt daran, dass es neben der Tatsache, dass es eine Erfindung gibt, die sich langsam in der Arbeit vollzieht, ein handwerkliches Geschick gibt, immer eine originelle Komposition gibt. Und dann gibt es in ihrem Werk sehr wenig Mythologie, alles hat eine Bedeutung in Bezug auf die Probleme unserer Zeit. Es gibt auch eine große Grausamkeit, eine Grausamkeit, die die Post-Pop-Kunst (eine Strömung, die sich definitiv durchgesetzt hat) nicht hat. Denn die Post-Pop-Kunst inszeniert eine Show, macht Theater, benutzt Instrumente, um den Magen stark zu provozieren, aber sie wird nie zu dem, was sie tut. Jedes Werk von Bertozzi & Casoni ist geheimnisvoll und enthält Suggestionen, die den Geist berühren.

Kurz gesagt, Sie sagten vorhin, dass Ihre Gedanken von einem Hauch von Pessimismus geprägt sind, aber wenn Sie mit mir über Bertozzi & Casoni sprechen, scheine ich im Gegenteil einen Hauch von Optimismus zu spüren. Gibt es also einen Hoffnungsschimmer?

Wenn ich in einem anderen Alter wäre, würde ich natürlich weiterhin nach Künstlern Ausschau halten, die das Unmögliche suchen, mit nicht-derivativen sprachlichen Mitteln und die erklären, dass sie ihrem Traum folgen und nicht dem Traum anderer. In jedem Zeitalter werden neue geboren.

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