Renoir, Van Gogh y Picasso: retratos de Detroit comparados

by Ilaria Baratta , published on 06/01/2016
Categories: Obras y artistas / Disclaimer

Si nos imagináramos al lado de grandes artistas como Renoir, Van Gogh y Picasso y les preguntáramos cómo se preparaban para pintar un retrato, sin duda obtendríamos consideraciones muy diferentes, por no decir antitéticas. En efecto, en el espacio de un siglo, es decir, desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, se sucedieron diferentes corrientes y, por tanto, diferentes maneras de pintar, que hoy son muy apreciadas por el gran público pero que, por el contrario, encontraron poca aceptación en su época: Pensemos enel Impresionismo y en el revuelo que se produjo cuando se dejaron de lado los cánones tradicionales del arte y de la “buena pintura” en pos de la sensación de libertad de pintar al aire libre, entre el sonido del viento que resonaba entre las copas de los árboles y las briznas de hierba y el sol radiante que calentaba el rostro y el cuerpo del pintor. Ya no se pintaba dentro de los estudios de los artistas, sino directamente en el lugar objeto del cuadro.

Sin embargo, los impresionistas no siempre representaron paisajes o personas dentro de paisajes; también fueron muy comunes las escenas de la vida cotidiana, en las que los personajes representados aparecían en poses naturales y casuales, en acciones cotidianas y habituales, dando a menudo al observador la impresión de que no se daban cuenta de que estaban siendo retratados, como cuando alguien nos hace una fotografía sin que nos demos cuenta: el resultado es de una naturalidad y una espontaneidad absolutas. Un ejemplo de ello es La mujer en el sillón, de Pierre Auguste Renoir, obra realizada por el artista en 1874, año de la primera exposición impresionista, y conservada en el Detroit Institute of Arts. La mujer de cabello castaño con un pequeño flequillo enmarcando su rostro aparece en una pose relajada, con la espalda completamente apoyada en el sillón en el que está sentada y los brazos cruzados bajo sus prósperos pechos contenidos por una blusa blanca que deja sus hombros al descubierto. Por su mirada parece pensativa, absorta en sus pensamientos, o parece estar escuchando a alguien a su lado: sus ojos no miran al espectador ni al artista que la retrata, sino hacia su izquierda. La luz que ilumina su rostro y su escote, sus mejillas ligeramente sonrojadas y su ropa sugieren que el retrato fue pintado en un cálido día de primavera o verano.

Pierre Auguste Renoir, Mujer en un sillón (1874; óleo sobre lienzo, 61 x 50,5 cm; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Si le hubiéramos preguntado a Renoir cómo hacía para retratar a una persona, probablemente nos habría respondido que su intención era dar mayor protagonismo al sujeto sobre el que quería llamar la atención, iluminándolo con una luz natural y definiendo el trazo con mayor precisión, mientras que el fondo era el resultado de pinceladas rápidas, indefinidas, en las que los colores se superponían, se mezclaban, sin contornos precisos, dando una sensación de evanescencia a lo que rodeaba al sujeto sobre el que el observador centraba su mirada.

Sólo trece años más tarde, Vincent Van Gogh realizaría su famoso Autorretrato, también conservado en el Detroit Institute of Arts. Fue este museo el que tuvo el honor de ser el primero entre los museos estadounidenses en poseer un cuadro del artista: se trataba delAutorretrato de 1887, que el instituto adquirió en 1922.

Extracto de la carta de Van Gogh a Livens

Alrededor de la fecha de finalización de la obra, Van Gogh se había trasladado a París invitado por su hermano Theo, donde había entrado en contacto con los impresionistas: admiraba los desnudos de Degas y los paisajes de Monet. Fascinado por estos artistas, acentúa la luz y los colores en sus cuadros, pero el espíritu ya no es impresionista: Van Gogh transmite en sus autorretratos todo el sufrimiento que siente debido a sus infelices relaciones amorosas y a sus desfavorables condiciones económicas. Según una carta escrita por el propio Van Gogh al pintor inglés Horace Livens, al que había conocido en Amberes, debido a la falta de dinero para pagar modelos para retratos, comenzó a realizar una serie de autorretratos y a pintar flores: en estas obras, el artista realizó un profundo estudio de los colores. Así escribía Van Gogh, en inglés, a su amigo: I have made a series of colour studies in painting simply flowers , red poppies, blue corn flowers and myosotys, white and rose roses, yellow chrysanthemums - seeking oppositions of blue with orange, red & green, yellow and violet, seeking les tons rompus et neutres to harmonise brutal extremes (’He hecho una serie de estudios de color pintando simplemente flores, amapolas rojas, acianos y nomeolvides azules, rosas blancas y rosas, crisantemos amarillos - buscando los contrastes del azul y el naranja, el rojo y el verde, el amarillo y el violeta, buscando las tons rompus y los colores neutros para armonizar los extremos brutales").

Los cuadros de Van Gogh no transmiten la alegría de vivir impresionista, sino que son emblemáticos de su tormento y soledad. El de 1887 es un autorretrato en el espejo y su mirada es fija e inquisitiva; sobre un fondo indefinido, destacan el amarillo brillante de su sombrero de paja y su barba y su rostro parece salirse del lienzo. Una luz dada, pues, por colores vivos aplicados con pinceladas marcadas y claramente visibles: una peculiaridad de la manera de pintar de Van Gogh, que a menudo incluso exprimía el color del tubo directamente sobre el lienzo.

Vincent Van Gogh, Autorretrato (1887; óleo sobre lienzo, 52 x 43 cm; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Casi un siglo después de la Mujer en un sillón de Renoir, Pablo Picasso, con casi 80 años, creó en 1960 Mujer sentada, que ahora se conserva, como los dos cuadros anteriores, en el Detroit Institute of Arts. La forma de retratar y de pintar había cambiado considerablemente: si en el retrato impresionista la mujer retratada estaba iluminada por la luz del sol y representada exactamente como era en la realidad, en la obra de Picasso asistimos a otra revolución del arte; estamos en pleno cubismo: las formas del rostro y del cuerpo se descomponen y recomponen para que puedan verse al mismo tiempo desde varios ángulos. A nadie se le escapará la composición del rostro de la mujer en el cuadro de 1960: ¡hasta tres ángulos aparecen uno al lado del otro! Pero también algunas partes, como las manos, parecen irreales, notablemente desproporcionadas con respecto al resto del cuerpo.

Pablo Picasso, Mujer sentada (1960; óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Los colores utilizados por Picasso son muy diferentes de los de Renoir y Van Gogh: mientras que estos dos últimos prefieren los tonos claros y los colores vivos, el primero prefiere los colores oscuros o las pinturas casi totalmente en blanco y negro, como en el caso de su Mujer sentada, donde la única excepción es el rojo burdeos del vestido. Los contornos y las líneas también contrastan con los de los otros dos cuadros.

Cambios radicales que marcaron profundamente la historia del arte en el espacio de apenas un siglo. Los retratos de Renoir, Van Gogh y Picasso aquí mencionados se exponen hasta el 10 de abril en el Palacio Ducal de Génova, dentro de la muestra “De los impresionistas a Picasso. Obras maestras del Instituto de Arte de Detroit”.

Los tres retratos en comparación. Hemos intentado respetar las proporciones reales de los cuadros

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