10 cuadros de Vincent van Gogh que aparecen en la película 'Van Gogh. En el umbral de la eternidad' y dónde verlos en directo

by Federico Giannini, Ilaria Baratta , published on 04/01/2019
Categories: Obras y artistas / Disclaimer

Una de las particularidades de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad, que se estrenará en los cines italianos el 3 de enero de 2019( eneste enlace puedes encontrar un análisis en profundidad de por qué deberías verla), consiste en que los cuadros que se ven en las escenas de la película dirigida por Julian Schnabel no son simples reproducciones de las obras de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), sino que son obras hechas desde cero, cuadros reales que el director quiso que se crearan desde cero. “El acto de pintar”, explicó Schnabel, “tenía que ser auténtico, y yo quería hacer una película que reprodujera fielmente lo que piensan los pintores y también cuál es la relación de nosotros, los artistas, con otros pintores, incluidos los que vivieron antes que nosotros”.

El actor principal, Willem Dafoe, que interpreta al gran pintor holandés (y que ganó la Coppa Volpi en el 75º Festival de Venecia por su interpretación), tuvo que aprender a pintar: “Esta es una película que trata tanto de la pintura como de Van Gogh”, explicó el actor, “así que gran parte del trabajo para mí consistió en aprender a pintar, y aún más en aprender a observar. Empezamos de forma muy sencilla, estudiando los materiales y cómo sostener el pincel en la mano. Luego Julian empezó a pedirme que pintara por mi cuenta. No se puede decir que me convirtiera en un verdadero pintor en este corto periodo de tiempo, pero creo que lo que Julian me enseñó me ayudó a ver las cosas de otra manera”. Julian Schabel no es sólo un cineasta de éxito, sino también y sobre todo un artista de renombre internacional. “De un modo muy real”, añade Dafoe, “me hizo acercarme más profundamente a la realidad de Vincent, porque me hizo descubrir lo que es ser testigo de los cambios de percepción que se producen mientras trabajas. Me hizo comprender mejor algunos aspectos del arte que creía conocer pero que en realidad desconocía. Aprendí cómo tocar un lienzo, cómo acercarme al color, qué estrategias adoptar y cómo abandonar cada una de ellas. Sobre todo, me di cuenta de que la pintura es una combinación de inspiración, impulso, técnica, ejercicio y abandono del ejercicio. Una de las cosas que más me gustan de la película es que consigue documentar parte de este proceso, algo que rara vez llegamos a ver”.

Así pues, Dafoe se propuso reproducir cuadros reales de Vincent van Gogh. Hay varios cuadros famosos que se ven a lo largo de la película. En este repaso en profundidad a diez de ellos, le ofrecemos el fotograma de la película en el que aparecen, la imagen del cuadro real y una breve descripción.

1. Ciruelo en flor
(1887; óleo sobre lienzo, 55,6 x 46,8 cm; Ámsterdam, Museo Van Gogh)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

La película comienza en París a principios de 1888: Vincent van Gogh ha montado su exposición en un café de la capital francesa (la película no especifica cuál), pero resulta ser un fracaso, y el dueño del local (interpretado por el actor belga Vincent Grass) le invita groseramente a retirar sus cuadros y marcharse. He aquí el diálogo:

- ¡Quiero deshacerme de todo esto ya! Has hablado de una exposición colectiva, con artistas de verdad. Son todos tuyos. ¡Todos! ¿Dónde están los demás? Nadie viene a verte. Nadie. Sí, está bien, vino un cliente. Sólo uno. ¡Pero la idea era atraer clientes, no ahuyentarlos! ¡Esto tiene que desaparecer, ahora!
- Pero se suponía que duraría dos semanas más...
- Pero termina hoy. ¡Ya basta!
- ¿Qué es lo que no te gusta?
- Nada, ¿entiendes? ¡No me gusta nada!

Entre las obras que se ven detrás de Van Gogh y el dueño del café está el Ciruelo en flor de 1887, una japonaiserie (es decir, un cuadro de tema japonés) que el pintor realizó a partir de un grabado de Hiroshige de 1857, El jardín de Kameido. Van Gogh, desde que se trasladó a Amberes en 1885, había empezado a coleccionar estampas japonesas: de hecho, eran objetos que podían comprarse a precios muy bajos, y van Gogh siempre estuvo fascinado por todo lo que procedía del Lejano Oriente, hasta el punto de que su decisión de trasladarse a Arles también estuvo motivada por el deseo de encontrar en la Provenza una luz similar a la del País del Sol Naciente. Para saber más sobre la relación entre van Gogh y el arte japonés, lea el artículo que nuestra revista dedicó al tema.

Vincent van Gogh, Flor de ciruelo (1887; óleo sobre lienzo, 55,6 x 46,8 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

2. En el café: Agostina Segatori en Le Tambourin
(1887; óleo sobre lienzo, 55,5 x 47 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

También en la escena inicial, la de la exposición en el café parisino, en el momento en que van Gogh pregunta, sumamente consternado y en tono resignado, qué es lo que no le gusta a la dueña, le vemos tomar en la mano el retrato de Agostina Segatori en el Café Le Tambourin. La obra fue pintada en París a principios de 1887: Agostina Segatori era la propietaria del Café Le Tambourin, que Van Gogh solía frecuentar durante su estancia en París, y donde también exponía sus cuadros, así como su propia colección de estampas japonesas, con el fin de venderlas. Agostina Segatori (Ancona, 1841 - París, 1910) se había trasladado a París muy joven: no tenemos información sobre su infancia, ni sabemos quiénes eran sus padres, pero sí tenemos la certeza de que en 1860 ya estaba en la capital francesa, donde había empezado a posar para artistas (un extraordinario retrato suyo, hoy en la National Gallery of Art de Washington, fue pintado por Jean-Baptiste-Camille Corot). Van Gogh la retrata sentada a la mesa de un bar, fumando un cigarrillo con una jarra de cerveza delante. Hay que señalar que, en aquella época, se consideraba de mala reputación que una mujer de buenas costumbres fuera vista en el bar con la intención de beber y fumar, y las mujeres que lo hacían gozaban de baja estima social.

Vincent van Gogh, En el café: Agostina Segatori en Le Tambourin (1887; óleo sobre lienzo, 55,5 x 47 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

3. Paisaje nevado
(1888; óleo sobre lienzo, 38,2 x 46,2 cm; Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

En una de las escenas iniciales de Van Gogh . En el umbral de la eternidad, vemos el llamado Paisaje nevado que el artista creó en Arlés en febrero de 1888, poco después de su llegada. La primera impresión del artista sobre la ciudad de la Camarga no fue muy feliz: van Gogh llegó allí en pleno invierno y encontró la Provenza nevada, contrariamente a sus expectativas (aunque su actitud cambió con la llegada de la primavera, ya que pudo apreciar la luz mediterránea de la región). Sin embargo, el frío invierno de aquel año no impidió al artista holandés expresar su creatividad y, nada más llegar a Arlés, realizó este cuadro, hoy uno de sus más famosos. En esta representación de la campiña provenzal, donde la única presencia humana es un personaje que deambula por los campos con su perro (y que probablemente se dirige hacia la casa de campo que vemos a lo lejos: el acento rojo del tejado es el detalle más llamativo de toda la composición), la sugerencia del arte japonés sigue siendo palpable. El Paisaje nevado fue objeto de un curioso episodio a principios de 2018: el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, había solicitado el préstamo de la obra al Museo Guggenheim para exponerla en el Despacho Oval de la Casa Blanca. Sin embargo, la institución neoyorquina había respondido negativamente, proponiendo como sustituta la obra América de Maurizio Cattelan, el famoso retrete de oro de 18 quilates que el artista de Padua creó especialmente para el Guggenheim.

Vincent van Gogh, Paisaje nevado (1888; óleo sobre lienzo, 38,2 x 46,2 cm; Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum)

4. Zapatos
(1888; óleo sobre lienzo, 45,7 x 55,2 cm; Nueva York, The Metropolitan Museum of Art)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

La atención que Vincent van Gogh presta a los objetos cotidianos no es infrecuente. Los zapatos, en particular, vuelven varias veces: es un tema que el pintor holandés ya había representado durante su estancia en París y en el que también se concentró durante su estancia en Provenza. Los Zapatos que actualmente se conservan en el Museo Metropolitano de Nueva York fueron pintados en Arlés en 1888, y esta versión se diferencia de las demás en que es la única en la que aparece un suelo cuadrado, una referencia espacial precisa: los estudiosos han descubierto que se trata del suelo de la famosa “casa amarilla”, donde van Gogh residió durante su estancia en Arlés. Por tanto, los zapatos podrían ser los suyos, pero algunos especulan que son los zapatos de Patience Escalier, una campesina local retratada por van Gogh en otro famoso cuadro. De hecho, los zapatos podrían ser un símbolo de la empatía del artista por los campesinos, a cuyo sufrimiento quiso dar voz al principio de su carrera (entre otras cosas porque van Gogh era un ávido lector de las obras de escritores comprometidos socialmente).

Vincent van Gogh, Zapatos (1888; óleo sobre lienzo, 45,7 x 55,2 cm; Nueva York, The Metropolitan Museum of Art)

5. Oleandros
(1888; óleo sobre lienzo, 60,3 x 73,7 cm; Nueva York, The Metropolitan Museum of Art)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

Las Oleandras, hoy en el Metropolitan de Nueva York, protagonizan uno de los diálogos más interesantes de la película, durante el cual surge por primera vez la idea de “eternidad” del artista de Zundert. Van Gogh está pintando en presencia de Gabby (personaje ficticio, es la camarera del hotel donde se alojó el pintor en los primeros días tras su llegada a Arlés, y está interpretada por la hija de Julian Schnabel, Stella), y ambos intercambian algunas bromas sobre la obra:

- Las flores, ¿por qué las pintas?
- ¿No le parecen hermosas?
- Son flores hermosas, por supuesto. Más que la forma en que las pintas.
- ¿Eso crees?
- Sí, lo creo.
- Tal vez tengas razón. Pero esas flores se marchitarán y morirán, como todas las flores.
- Lo sé, todo el mundo lo sabe.
- Mientras que las mías perdurarán.
- ¿Estás seguro?
- Al menos tendrán una oportunidad.

Van Gogh asociaba las adelfas, las flores que aparecen en esta obra (el artista las dispone dentro de un jarrón de mayólica), con sentimientos positivos: prueba de ello es que en la composición las flores aparecen cerca del libro de Émile Zola, La alegría de vivir, otra prueba palpable de los intereses literarios del artista. La obra fue ejecutada en Arles en 1888.

Vincent van Gogh, Oleanders (1888; óleo sobre lienzo, 60,3 x 73,7 cm; Nueva York, The Metropolitan Museum of Art)

6. Girasoles
(1889; óleo sobre lienzo, 95 x 73 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

Probablemente la obra más famosa que se ve en la película, los Girasoles aparecen en la versión pintada en Arlés en enero de 1889 y conservada actualmente en el Museo Van Gogh de Ámsterdam. Cinco cuadros con girasoles en jarrón como tema se encuentran en colecciones públicas (además del de Ámsterdam, hay uno en el Museo de Arte de Filadelfia, otro en la National Gallery de Londres, otro en el Museo de Arte Sompo Japan de Tokio y otro en la Neue Pinakothek de Múnich), a los que hay que añadir uno en una colección privada, y un séptimo, que estuvo en Japón, fue destruido en agosto de 1945 durante los ataques aéreos estadounidenses contra los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Van Gogh pintó sus girasoles utilizando únicamente varias tonalidades de amarillo, para demostrar cómo es posible crear obras de arte con un solo color sin perder intensidad. También sabemos que los girasoles, que el artista pintó para decorar la casa que alquiló en Arlés (en la película, van Gogh es sorprendido en el momento de colgar la obra, ahora en Amsterdam, en una pared) tenían un significado importante para él: el pintor los asociaba con la gratitud, como escribió en sus cartas. El 22 de enero de 1889, escribió un mensaje desde Arlés a Arnold Koning, su amigo y entonces pintor holandés de 29 años, en el que van Gogh decía: "En todo este tiempo he pintado muchos estudios y cuadros. Entre otros, hice este verano dos bodegones florales con nada más que girasoles en un jarrón amarillo de terracota. Pintados con amarillo cromo, ocre y verde veronés, y nada más’.

Vincent van Gogh, Girasoles (1889; óleo sobre lienzo, 95 x 73 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)

7. El cartero Joseph Roulin
(1888; óleo sobre lienzo, 81,3 x 65,4 cm; Boston, Museo de Bellas Artes)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

El Sr. Joseph Roulin era cartero de servicio en Arles y pronto entabló amistad con Vincent van Gogh, quien le hizo objeto de uno de sus retratos más célebres, probablemente por su aspecto y porte, particularmente evocadores para el artista. Así, el 31 de julio de 1888 escribía a su hermano Theo: “Ahora estoy trabajando con otro modelo, un cartero con uniforme azul con adornos dorados, y un rostro grande con barba, que me recuerda a Sócrates. Un republicano salvaje, como père Tanguy. Un hombre más interesante que muchos otros”. En efecto, el retrato de van Gogh confiere al humilde cartero una altísima dignidad: ya no parece un cartero, sino casi un comandante naval, con su uniforme azul decorado, su pose serena, casi de retrato oficial, su mirada orgullosa dirigida al frente. La cercanía de Joseph Roulin a Vincent van Gogh queda atestiguada por los muchos otros retratos que el artista le hizo y que ahora se conservan en diversas colecciones de todo el mundo (y también conocemos algunos retratos de miembros de su familia, empezando por la hija menor de Joseph, Marcelle, que sólo tenía cuatro meses cuando Vincent la retrató).

Vincent van Gogh, El cartero Joseph Roulin (1888; óleo sobre lienzo, 81,3 x 65,4 cm; Boston, Museo de Bellas Artes)

8. La noche estrellada
(1889; 73,7 x 92,1 cm; Nueva York, MoMA - Museo de Arte Moderno)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

“Esta mañana he visto el campo desde mi ventana mucho antes de que saliera el sol, sin nada más que el lucero del alba, que me ha parecido muy grande. Daubigny y Rousseau ya lo han pintado, expresando toda la intimidad y toda la paz y majestuosidad que tiene, añadiéndole un sentimiento tan desgarrador, tan personal”. Así escribía Vincent van Gogh a su hermano Theo desde Saint-Rémy-de-Provence un día entre el 31 de mayo y el 6 de junio de 1889: la visión que el artista describe en la misiva es la que daría lugar a una de sus obras maestras más famosas, La noche estrellada. El “lucero del alba” al que se refiere es el planeta Venus, que brilla especialmente al amanecer de los últimos días de mayo: en la obra, Venus es la estrella que brilla con una luz blanquecina en la parte inferior, cerca del alto ciprés que divide la composición. Lo que vemos en La noche estrellada no es un paisaje real: los elementos son fruto de la invención del artista (esto es particularmente evidente cuando observamos la aguja de la iglesia: no hay ninguna similar en la zona de Francia donde el pintor vivía en aquella época). Con esta obra, quiso dar cuerpo a una visión interior, de gran fuerza, extremadamente envolvente, capaz de evocar sentimientos de paz y tranquilidad, y también de evocar una sentida dimensión onírica (para van Gogh, mirar las estrellas es una forma de soñar).

Vincent van Gogh, La noche estrellada (1889; 73,7 x 92,1 cm; Nueva York, MoMA - Museo de Arte Moderno)

9. Autorretrato como pintor
(1887-1888; óleo sobre lienzo, 65,1 x 50 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

A lo largo de su carrera, Vincent van Gogh realizó un gran número de autorretratos. Sin embargo, sólo hay dos autorretratos en los que se presente con las herramientas de su oficio, y éste es el último conocido, así como la última obra de su estancia en París (fue realizado entre diciembre de 1887 y febrero de 1888). El pintor habla de este autorretrato en una carta enviada desde Arles a su hermana Willemien, entre el 16 y el 20 de junio de 1888: “Como estoy muy ocupado conmigo mismo, me gustaría ver si puedo hacer mi retrato por escrito. Empezaré por decir que, en mi opinión, una misma persona puede dar material para retratos muy diferentes. He aquí una impresión mía, resultado de un retrato que me hice en el espejo, y que tiene Theo: ”un rostro gris rosado con ojos verdes, pelo rubio ceniza, arrugas en la frente y alrededor de la boca, severamente rígido, una barba roja, algo desaliñada y triste, pero los labios están llenos, hay una camisa de lino áspera, y una paleta con amarillo limón, bermellón, verde veronés, azul cobalto, en resumen todos los colores primarios y secundarios, excepto el naranja de la barba". En realidad, el naranja también está en la paleta, pero Van Gogh lo excluyó de la lista porque lo incluyó en dos tonos diferentes. Van Gogh conocía la teoría del color y sabía que el uso de colores complementarios daría más brillo al cuadro: así, al naranja de la barba se opone su color complementario, el azul de la camisa.

Vincent van Gogh, Autorretrato como pintor (1887-1888; óleo sobre lienzo, 65,1 x 50 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

10. Dr. Paul Gachet
(1890; óleo sobre lienzo, 68 x 57 cm; París, Museo de Orsay)

Fotograma de la película Van Gogh. En el umbral de la eternidad

En el final de Van Gogh. En el umbral de la eternidad, el artista, tras haberse trasladado de Arles a Auvers-sur-Oise, dialoga con el doctor Paul Gachet, el médico que le había estado tratando (y que era, además, un apasionado coleccionista de arte). En el diálogo, van Gogh vuelve sobre el tema de la eternidad:

- ¿Por qué pinta?
- Pinto... en realidad para dejar de pensar.
- Es una especie de meditación...
- Cuando pinto dejo de pensar.
- ¿Pensar en qué?
- Dejo de pensar y siento... que soy parte de todo lo que hay fuera y dentro de mí. Quería... tanto compartir lo que veo. Un artista...
- ¿Sí?
- Solía pensar que un artista... debería enseñar cómo mirar el mundo, pero ya no pienso eso. Ahora sólo pienso en mi relación con la eternidad.
- ¿Qué es la eternidad para ti?
- El tiempo por venir.
- Tal vez quieras decir que tu regalo al mundo es tu pintura.
- Si no... ¿para qué sirve un artista?
- Eres feliz cuando pintas.
- Casi siempre, excepto cuando no puedo.
- A veces pareces tan triste.
- Sabes, una pintura exitosa lleva consigo un bagaje de destrucción y fracaso. Encuentro alegría en el dolor. El dolor es más poderoso que la risa. Sabes... un ángel no está tan lejos del afligido. Y la enfermedad... a veces puede curarnos. Es el estado normal de la mente a partir del cual se origina una pintura.
- ¿Es tu estado mental?
- A veces temo recuperar la salud.
- ¡En ese caso no necesitas un médico!

Van Gogh pintó al menos dos retratos del doctor Gachet, uno de los cuales se conserva en el Museo de Orsay. El cuadro permaneció en la colección familiar tras la muerte del médico: fueron sus hijos, Paul y Marguerite, quienes lo donaron al Estado francés en 1949, para el museo del Jeu de Paume: aquí se expuso hasta 1986, año en que la obra pasó a formar parte de la colección del museo de Orsay. El médico está retratado con aire meditabundo y una “expresión melancólica”, como el propio van Gogh lo definió en una carta enviada a su hermana Willemien en 1890: era particularmente apto, subrayó van Gogh, para encarnar “la expresión desconsolada de nuestro tiempo”. Y el abatimiento se desprende también de la gama de colores que utilizó el artista, todos en tonos fríos (y poco animados por la presencia de la flor sobre la mesa). Se considera que el cuadro del museo de Orsay es la segunda versión de un original conservado en una colección privada y cuyas huellas se han perdido: en el original, para subrayar aún más la actitud meditabunda del Dr. Gachet (que, desgraciadamente, no pudo hacer nada para evitar la desaparición de Vincent), aparecía también un libro sobre la mesa.

Vincent van Gogh, Dr. Paul Gachet (1890; óleo sobre lienzo, 68 x 57 cm; París, Museo de Orsay)

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