Miart 2024, los 10 mejores stands de la feria de arte contemporáneo de Milán

Arranca Miart, la feria internacional de arte moderno y contemporáneo de Milán organizada por Fiera Milano, que este año llega a su vigésimo octava edición, la cuarta dirigida por Nicola Ricciardi. Del 12 al 14 de abril, en el pabellón 3 del Centro de Congresos Allianz MiCo, 181 galerías de 28 países expondrán obras de arte moderno de artistas contemporáneos consagrados y emergentes. El tema de la edición 2024 de Miart es no time no space, cuyo objetivo es ampliar cada vez más sus fronteras tanto geográficas como temporales. Además de la sección principal (Established) y la sección Emerging, este año se presenta como novedad la sección Portal, deliberadamente anacrónica, que pretende confundir el tiempo para hablar de nuestro tiempo, captando en el flujo siempre cambiante de la actualidad inmediata lo que en arte es estable y duradero. ¿Cuáles son los diez mejores stands de Miart 2024 según nuestra redacción? Como siempre, visitamos la feria en primicia y seleccionamos los que a nuestro juicio destacaban por la originalidad de la propuesta, la novedad, el cuidado de la disposición, el impacto escenográfico y la claridad de la presentación. Aquí están, por estricto orden alfabético.

1. Galería 193

Un stand... dividido en tres, el de la parisina Galería 193. Comienza con Thandiwe Muriu, artista keniana nacida en 1990, que aporta un soplo de África a miart. Con sus fotografías que parecen obras digitales, aborda el tema de la autopercepción al tiempo que intenta redefinir la identidad femenina a través de su elección de materiales, y en particular de tejidos y estilos que hablan de África. Enfrente, el neozelandés Rob Tucker, de treinta y siete años, pintor de paisajes y bodegones que destacan por sus formas casi geométricas, su paleta lúdica, sus referencias al mundo del diseño y una mirada que se vuelve, por ejemplo, hacia la pintura de David Hockney. Entre medias, África de nuevo con Sesse Elangwe, camerunés de 1994 (aunque vive en San Antonio, Texas), con sus cuadros que toman referencias del realismo, el Pop Art y el surrealismo para relatar la difícil situación de la población negra en todo el mundo.

2. Andrew Kreps

El artista estadounidense Andrew Kreps presenta un diálogo, a nuestro juicio fructífero, entre las obras de dos artistas muy jóvenes: Henry Shum, nacido en Hong Kong en 1998, e Isabella Costabile, artista de origen maremmano nacida en Nueva York en 1991. Shum pinta recopilando imágenes que encuentra en espacios físicos y digitales, y desarrollando conexiones temáticas a través de materiales dispares. El espacio bidimensional y el tridimensional a menudo parecen plegarse entre sí, sugiriendo la existencia de múltiples planos o virtualidades dentro de una misma obra. Esta sugerencia no refleja los deseos de Shum, sino una realidad concreta de nuestro tiempo: la incesante maniobra entre lo colectivo y lo individual, lo histórico y lo ahistórico. La investigación de Isabella Costabile parte de objetos y materiales desechados que dan lugar a objetos nuevos y singulares que recuerdan a la infancia y sus juegos, pero que también son capaces de reflexionar sobre las posibilidades del lenguaje cotidiano y la ambigüedad de las formas.

3. Bel Ami

El artista británico Alexis Soul-Gray, nacido en 1980, es la estrella de la exposición individual de la galería Bel Ami de Los Ángeles. La investigación de Alexis Soul-Gray combina pintura, dibujo y collage para investigar cómo la imaginación puede iluminar un camino a través de la tristeza y la pérdida y cómo la curiosidad y la experimentación sacan a la luz capas ocultas, revelando la vida emocional de la infancia y cómo ésta condiciona nuestras percepciones y respuestas en la edad adulta. Apropiándose de imágenes de la pintura renacentista italiana y de anuncios que idealizan la vida familiar de populares revistas británicas, Soul-Gray encuentra escenas de mujeres y niños, eligiéndolas por su cualidad artificial, “donde la familia a menudo se finge pero también se siente de algún modo”. Luego dibuja con delicadeza momentos inquietantes que parecen inesperadamente reales, por ejemplo una mirada hacia atrás o un gesto juguetón. Para romper la superficie de estas composiciones escénicas y estilizadas, Soul-Gray borra la fachada frotando, raspando o incluso utilizando productos químicos cáusticos como la lejía. Pinta o hace collages sobre las figuras en un intento de reconstituir su humanidad no estudiada y penetrante. A medida que las imágenes desvaídas se vuelven más transparentes, la textura tranquilizadora del lienzo, el lino o el papel brilla a través de ellas. A través de velos luminiscentes azules y dorados, los niños de Soul-Gray, atrapados en una visión del pasado, emergen de repente a la superficie con un estallido de realismo realista. Para miart, Soul-Gray ha pintado, y expone en el stand de Bel Ami, una nueva serie de siete pequeños retratos de mujeres y niños, en referencia al delicado vínculo entre la Madonna y el niño. Los cuadros también están colgados en paredes pintadas de azul cobalto, símbolo de la pureza de la pintura renacentista. En la obra de Alexis Soul-Gray, el mismo azul se convierte en el color de la elaboración del duelo y la llegada a un nuevo lugar.

4. Eidos

El stand de Eidos es uno de los más peculiares: la galería ha desarrollado de hecho un diálogo entre dos artistas, Mario Schifano y Nam June Paik, ambos activos en los años 70 y capaces de explorar el medio de la televisión y el incesante flujo de información e imágenes que nos ha llevado a la era de internet. Su enfoque visionario les permitió anticiparse a la era en la que nos encontramos inmersos. Durante las décadas de 1960 y 1970, Schifano vivió en un estudio dominado por docenas de televisores siempre encendidos, que vertían constantemente un torrente de imágenes en su espacio visual. Con la serie “Televisores”, Schifano fue uno de los primeros artistas en experimentar con los medios de comunicación para crear un nuevo lenguaje artístico, centrándose en la velocidad de las imágenes y en la capacidad de capturar fragmentos para construir nuevas narrativas. Nam June Paik, también activo durante el mismo periodo, dedicó su investigación artística principalmente a la televisión y al concepto de flujo de información. Concebía el arte como comunicación global, intentando proponer nuevos modelos artísticos fuera de los cánones tradicionales. En sus performances, la televisión se convertía en un objeto metafísico, a la vez contenedor y contenido, transformándose en una especie de escultura robótica que interactuaba inmediatamente con los espectadores.

5. Galería Carlo Virgilio & C.

Definitivamente curiosa es la propuesta de Carlo Virgilio que ambienta todo el stand en el tema del ’parentesco’, a través de una exposición titulada. Parentesco. Seis historias de familia’. Familias de artistas: la idea es contar sentimientos, afectos, contrastes, alegrías y cansancios. He aquí las parejas de artistas: Adolfo Wildt y Francesco Wildt (padre e hijo), Giorgio De Chirico y Alberto Savinio (hermanos), Nino Bertoletti y Pasquarosa (marido y mujer), Paola Consolo y Gigiotti Zanoni (mujer y marido), Pasquale Di Fabio y Alberto Di Fabio (padre e hijo), Isabella Ducrot y Giuseppe Ducrot (madre e hijo). Obras de artistas que abarcan todas las épocas, desde principios del siglo XX hasta la contemporaneidad, con artistas a menudo por redescubrir y aún por estudiar (empezando por Francesco Wildt), y que figuran entre las propuestas más interesantes de esta edición de Miart.

6. Galería Franco Noero

Una exposición monográfica de Anna Boghiguian es la propuesta de la Galería Franco Noero, que explora el multiforme universo artístico de la artista cairota a través de vibrantes... esculturas de pájaros que cuelgan del techo. La galería turinesa forma parte de la sección Portal con un interesante e íntimo stand que ofrece una mirada en profundidad a la producción reciente de la artista de origen armenio. Anna Boghiguian crea un diálogo universal, abordando con eficaz inmediatez temas como la migración, la identidad y la memoria, reflejos de una vida errante.

7. Kaufmann Repetto

De los stands dedicados a exposiciones más articuladas, el de Kaufmann Repetto es sin duda uno de los más pintorescos, aunque sólo sea por los enormes lienzos de la argentina Vivian Suter, con sus intensos colores que recuerdan las selvas tropicales en las que la artista vivió durante mucho tiempo, o las grandes flores de Lily Van der Stokker, obras femeninas y desenfadadas que son también bastante ambiguas. La selección se completa con obras de artistas como Adrian Paci, Elene Chantladze, Anthea Hamilton, Latifa Echakhch y varios otros.

8. Marcorossi

La galería Marcorossi Marcorossi de Pietrasanta presenta una única muestra dedicada a Giosetta Fioroni: no hay que perderse los teatros de cerámica, típicos de la producción de una artista cuyas obras se caracterizan por atmósferas de cuento de hadas, mágicas y fantásticas, capaces de transmitir al espectador una sensación de asombro y encanto. Giosetta Fioroni, artista polifacética, se distingue por su continua investigación expresiva que abarca una amplia gama de medios artísticos. Desde sus primeros trabajos con platería en la década de 1960, ha explorado progresivamente nuevas vías artísticas, pasando de la pintura sobre lienzos y dibujos realizados con esmaltes y pinturas industriales al uso del aluminio como soporte de sus obras. La cerámica forma parte de sus investigaciones más recientes: un camino que sigue desde 1993, con una producción que comenzó en la renombrada Bottega Gatti de Faenza.

9. París-B

Tres artistas bien compenetrados componen el stand de París-B. Laura García Karras, nacida en Francia en 1988, con sus plantas cuidadas y unas viejas láminas de botánica para hacerle compañía, ofrece cuadros que revelan las entrañas de la idea con una pintura suave y gestual al mismo tiempo. Jacques Julien, francés nacido en 1967 en Lons le Saunier, combina en sus obras lo analítico y lo poético en clave de humor. Para él, la escultura es un punto de partida hacia el doble invisible, el cuerpo ausente o la figura vacía. Desde los años 90, desarrolla una reflexión sobre la forma: su elaboración, su realización y su abandono. En consecuencia, su trabajo gira en torno a la práctica de la escultura en el estudio, donde el tiempo pasa y se pierde a la manera de la vida que allí se desarrolla, donde la obra es una serie de experimentos empíricos que tratan de encontrar una forma de autonomía en sintonía con el territorio que la vio nacer, con la relación con el espacio que sigue estando en el centro de su cuestionamiento. Por último, tenemos a Léa Belooussovitch, nacida en París en 1989: partiendo habitualmente de una imagen violenta encontrada en los medios de comunicación y derivada de la actualidad, la artista hace de ella un doble, una alternativa, sometiendo la imagen inicial a una serie de transformaciones que la deconstruyen definitivamente. Así, a partir de la imagen original, clara y mecánica, la obra resultante se vuelve esponjosa, aterciopelada, casi polvorienta, formando nubes de color que se funden unas con otras, hasta el punto de que, sin conocer su origen, se podría pensar que se está ante una imagen puramente abstracta.

10. Sin título

SansTitre presenta una exposición individual del artista alemán Robert Brambora, nacido en 1984. La exposición combina dos series complementarias de obras desarrolladas por el artista a lo largo del último año. Paisajes urbanos contemporáneos se superponen a esculturas de cerámica de aire sereno y contemplativo. La serie de obras, complementada por el papel pintado del fondo, invita a un diálogo sobre los contrastes del mundo más allá de la exposición. Inspirada en la novela de Italo Calvino Las ciudades invisibles, la serie de pinturas sobre madera de Brambora representa paisajes urbanos y se realizó utilizando un estilo neoimpresionista caracterizado por una combinación de técnicas tradicionales y contemporáneas. Escenas de ciudades envueltas en niebla tóxica evocan los efectos del cambio climático; incendios, lluvias torrenciales y escenas apocalípticas confieren una atmósfera de ciencia ficción. Las pinturas de Brambora evocan un entorno altamente surrealista, al tiempo que despiertan una sensación de soledad, desolación y aburrimiento: aspectos familiares para quienes habitan los vastos e impersonales paisajes urbanos de las ciudades capitalistas contemporáneas. Sobre algunos de estos paisajes pintados aparecen fragmentos de textos digitales y anuncios futuristas generados por inteligencia artificial. Los textos se superponen a las pinturas mediante técnicas de impresión UV y crean un efecto visual especial, combinando lo industrial con lo artesanal, lo intelectual con lo afectivo. El papel pintado, también diseñado por Brambora, representa lenguas entrelazadas, símbolo de la diablura y el tumulto de los entornos urbanos. En marcado contraste con las imágenes distópicas y frenéticas de los cuadros, encontramos otras obras de Brambora: grandes orejas de cerámica dorada. Estas esculturas evocan una profunda sensación de serenidad, quietud y meditación. En el agitado contexto de una feria de arte, invitan al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de las sensaciones y la receptividad.

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