Miart 2024, die 10 besten Stände auf der Mailänder Messe für zeitgenössische Kunst

Miart, die von der Messe Mailand organisierte internationale Messe für moderne und zeitgenössische Kunst, die in diesem Jahr ihre achtundzwanzigste Ausgabe erlebt und zum vierten Mal von Nicola Ricciardi geleitet wird, ist eröffnet worden. Vom 12. bis 14. April stellen 181 Galerien aus 28 Ländern in der Halle 3 des Kongresszentrums Allianz MiCo moderne Kunstwerke etablierter und aufstrebender zeitgenössischer Künstler aus. Die Miart 2024 steht unter dem Motto " no time no space", das darauf abzielt, ihre Grenzen sowohl geografisch als auch zeitlich immer weiter auszudehnen. Neben der Hauptsektion (etablierte Künstler) und der Sektion der aufstrebenden Künstler gibt es in diesem Jahr neu die bewusst anachronistische Sektion Portal, die die Zeit verwirren will, um von unserer Zeit zu sprechen, indem sie im sich ständig verändernden Fluss der unmittelbaren Aktualität das einfängt, was in der Kunst stabil und dauerhaft ist. Welches sind die zehn besten Stände der Miart 2024 nach Meinung unserer Redaktion? Wie immer haben wir die Messe in der Vorschau besucht und diejenigen ausgewählt, die unserer Meinung nach durch die Originalität des Vorschlags, die Neuartigkeit, die Sorgfalt der Gestaltung, die szenografische Wirkung und die Klarheit der Präsentation herausragen. Hier sind sie, in streng alphabetischer Reihenfolge.

1. 193 Galerie

Ein Stand... geteilt in drei Stände, der der Pariser Galerie 193. Den Anfang macht Thandiwe Muriu, eine 1990 geborene kenianische Künstlerin, die einen Hauch von Afrika zu miart bringt: Mit ihren Fotografien, die wie digitale Arbeiten aussehen, setzt sie sich mit dem Thema der Selbstwahrnehmung auseinander und versucht, die weibliche Identität durch die Wahl der Materialien, insbesondere der Stoffe und Stile, die von Afrika sprechen, neu zu definieren. Dem gegenüber steht der 37-jährige Neuseeländer Rob Tucker, ein Maler von Landschaften und Stillleben, die sich durch fast geometrische Formen, eine verspielte Farbpalette, Bezüge zur Welt des Designs und einen Blick, der sich beispielsweise der Malerei von David Hockney zuwendet, auszeichnen. Dazwischen wieder Afrika mit Sesse Elangwe, einem Kameruner aus dem Jahr 1994 (der allerdings in San Antonio, Texas, lebt), dessen Gemälde sich am Realismus, der Pop Art und dem Surrealismus orientieren, um das Schicksal der Schwarzen in der ganzen Welt darzustellen.

2. Andrew Kreps

Der amerikanische Künstler Andrew Kreps präsentiert einen unserer Meinung nach gelungenen Dialog zwischen den Werken zweier sehr junger Künstler: Henry Shum, 1998 in Hongkong geboren, und Isabella Costabile, eine 1991 in New York geborene Künstlerin aus der Maremma. Shum malt, indem er Bilder sammelt, denen er in physischen und digitalen Räumen begegnet, und thematische Verbindungen durch unterschiedliche Materialien entwickelt. Zweidimensionaler und dreidimensionaler Raum scheinen oft ineinander überzugehen und suggerieren die Existenz mehrerer Ebenen oder Virtualitäten innerhalb eines einzigen Werks. Diese Andeutung entspricht nicht Shums Wünschen, sondern spiegelt vielmehr eine spezifische Realität unserer Zeit wider: das unaufhörliche Manövrieren zwischen dem Kollektiv und dem Individuum, dem Historischen und dem Ahistorischen. Isabella Costabile geht bei ihren Recherchen von ausrangierten Gegenständen und Materialien aus, aus denen neue und einzigartige Objekte entstehen, die an die Kindheit und ihre Spiele erinnern, aber auch in der Lage sind, über die Möglichkeiten der Alltagssprache und die Zweideutigkeit der Formen nachzudenken.

3. Bel Ami

Der britische Künstler Alexis Soul-Gray, geboren 1980, ist der Star der Einzelausstellung in der Galerie Bel Ami in Los Angeles. Alexis Soul-Gray kombiniert Malerei, Zeichnung und Collage, um zu untersuchen, wie die Vorstellungskraft einen Weg durch Traurigkeit und Verlust erhellen kann und wie Neugier und Experimentierfreude verborgene Schichten zum Vorschein bringen, die das Gefühlsleben der Kindheit offenbaren und wie dies unsere Wahrnehmungen und Reaktionen im Erwachsenenalter beeinflusst. Soul-Gray verwendet Bilder aus der italienischen Renaissancemalerei und Werbeanzeigen, die das Familienleben idealisieren, aus populären britischen Magazinen. Er sucht Szenen mit Frauen und Kindern aus, die er wegen ihrer künstlichen Qualität auswählt, “wo Familie oft vorgetäuscht, aber auch irgendwie gefühlt wird”. Dann zeichnet er feinfühlig beunruhigende Momente, die unerwartet real erscheinen, wie zum Beispiel ein Blick zurück oder eine spielerische Geste. Um die Oberfläche dieser szenischen, stilisierten Kompositionen zu durchbrechen, radiert Soul-Gray die Fassade durch Reiben, Kratzen oder sogar mit ätzenden Chemikalien wie Bleichmittel aus. Er übermalt oder collagiert die Figuren in dem Versuch, ihre unstudierte, durchdringende Menschlichkeit wiederherzustellen. Wenn die verblichenen Bilder transparenter werden, scheint die beruhigende Textur von Leinwand, Leinen oder Papier durch. Durch leuchtende Schleier aus Blau und Gold tauchen Soul-Grays Kinder, die in einer Vision der Vergangenheit gefangen sind, plötzlich mit einem Ausbruch von realistischem Realismus an die Oberfläche. Für miart hat Soul-Gray eine neue Serie von sieben kleinen Frauen- und Kinderporträts gemalt, die er am Stand von Bel Ami ausstellt und die sich auf die zarte Verbindung zwischen der Madonna und dem Kind beziehen. Die Bilder hängen auch an kobaltblau gestrichenen Wänden, die die Reinheit der Renaissance-Malerei symbolisieren. Bei Alexis Soul-Gray wird das gleiche Blau zur Farbe der Trauerverarbeitung und des Ankommens an einem neuen Ort.

4. Eidos

Der Stand von Eidos ist einer der ungewöhnlichsten: Die Galerie hat einen Dialog zwischen zwei Künstlern, Mario Schifano und Nam June Paik, entwickelt, die beide in den 1970er Jahren tätig waren und sich mit dem Medium Fernsehen und dem unaufhörlichen Informations- und Bilderfluss auseinandersetzten, der uns ins Internetzeitalter geführt hat. Ihr visionärer Ansatz erlaubte es ihnen, die Ära, in der wir uns befinden, vorwegzunehmen. In den 1960er und 1970er Jahren lebte Schifano in einem Studio, das von Dutzenden von Fernsehern beherrscht wurde, die ständig eingeschaltet waren und einen ständigen Strom von Bildern in seinen visuellen Raum einspeisten. Mit der Serie “Televisors” war Schifano einer der ersten Künstler, der mit Medien experimentierte, um eine neue künstlerische Sprache zu schaffen, wobei er sich auf die Geschwindigkeit von Bildern und die Fähigkeit konzentrierte, Fragmente einzufangen, um neue Erzählungen zu konstruieren. Nam June Paik, der ebenfalls in dieser Zeit tätig war, widmete seine künstlerische Forschung hauptsächlich dem Fernsehen und dem Konzept des Informationsflusses. Er verstand Kunst als globale Kommunikation und versuchte, neue künstlerische Modelle außerhalb des traditionellen Kanons vorzuschlagen. In seinen Performances wurde das Fernsehen zu einem metaphysischen Objekt, das sowohl Behälter als auch Inhalt war und sich in eine Art Roboterskulptur verwandelte, die unmittelbar mit dem Betrachter interagierte.

5. Carlo Virgilio & C. Galerie

Der Vorschlag von Carlo Virgilio war ausgesprochen kurios, denn er stellte den gesamten Stand unter das Thema “Verwandtschaft”, und zwar durch eine Ausstellung mit dem Titel. ’Verwandtschaft. Sechs Familiengeschichten". Künstlerfamilien: Die Idee ist, von Gefühlen, Zuneigung, Gegensätzen, Freuden und Müdigkeit zu erzählen. Hier sind die Künstlerpaare: Adolfo Wildt und Francesco Wildt (Vater und Sohn), Giorgio De Chirico und Alberto Savinio (Brüder), Nino Bertoletti und Pasquarosa (Mann und Frau), Paola Consolo und Gigiotti Zanoni (Frau und Mann), Pasquale Di Fabio und Alberto Di Fabio (Vater und Sohn), Isabella Ducrot und Giuseppe Ducrot (Mutter und Sohn). Werke von Künstlern aus allen Epochen, vom frühen 20. Jahrhundert bis zur Gegenwart, mit Künstlern, die oft wiederentdeckt werden und noch zu erforschen sind (beginnend mit Francesco Wildt) und die zu den interessantesten Vorschlägen dieser Ausgabe von Miart gehören.

6. Galerie Franco Noero

Eine monografische Ausstellung von Anna Boghiguian ist der Vorschlag der Franco Noero Galerie, die das vielgestaltige künstlerische Universum der in Kairo geborenen Künstlerin durch... Skulpturen von Vögeln, die von der Decke hängen. Die Turiner Galerie ist Teil der Sektion Portal mit einem interessanten und intimen Stand, der einen vertieften Einblick in die jüngste Produktion der in Armenien geborenen Künstlerin bietet. Anna Boghiguian schafft einen universellen Dialog, indem sie Themen wie Migration, Identität und Erinnerung, Reflexionen eines wandernden Lebens, mit wirksamer Unmittelbarkeit anspricht.

7. Kaufmann Repetto

Von den Ständen, die sich mehr artikulierten Ausstellungen widmen, ist der von Kaufmann Repetto sicherlich einer der schönsten, allein schon wegen der riesigen Leinwände der Argentinierin Vivian Suter, die mit ihren intensiven Farben an die tropischen Wälder erinnern, in denen die Künstlerin lange Zeit gelebt hat, oder wegen der großen Blumen von Lily Van der Stokker, feminine und unbeschwerte Werke, die auch ziemlich zweideutig sind. Die Auswahl wird durch Oepres von Künstlern wie Adrian Paci, Elene Chantladze, Anthea Hamilton, Latifa Echakhch und einigen anderen vervollständigt.

8. Marcorossi

Die Galerie Marcorossi in Pietrasanta präsentiert eine einzige Ausstellung, die Giosetta Fioroni gewidmet ist: Nicht zu übersehen sind die Keramiktheater, die typisch für die Produktion einer Künstlerin sind, deren Werke von märchenhaften, magischen und phantastischen Atmosphären durchdrungen sind und dem Betrachter ein Gefühl des Staunens und der Verzauberung vermitteln können. Giosetta Fioroni, eine vielseitige Künstlerin, zeichnet sich durch ihre kontinuierliche expressive Forschung aus, die ein breites Spektrum an künstlerischen Medien umfasst. Seit ihren ersten Arbeiten mit Silberbesteck in den 1960er Jahren hat sie nach und nach neue künstlerische Wege beschritten, von der Malerei auf Leinwänden und Zeichnungen mit industriellen Emaillen und Farben bis hin zur Verwendung von Aluminium als Träger für ihre Werke. Die Keramik gehört zu seinen jüngsten Forschungen: ein Weg, den er seit 1993 verfolgt, mit einer Produktion, die in der berühmten Bottega Gatti in Faenza begann.

9. Paris-B

Der Stand von Paris-B besteht aus drei Künstlern, die sich gut ergänzen. Die 1988 in Frankreich geborene Laura Garcia Karras, die mit ihren gepflegten Pflanzen und einigen alten botanischen Schildern unterwegs ist, stellt Gemälde vor, die das Innere der Idee mit einer gleichzeitig weichen und gestischen Malerei enthüllen. Jacques Julien, ein 1967 geborener Franzose aus Lons le Saunier, verbindet in seinen Werken das Analytische und das Poetische auf humorvolle Weise. Für ihn ist die Bildhauerei ein Ausgangspunkt für das unsichtbare Double, den fehlenden Körper oder die leere Figur. Seit den 1990er Jahren hat er eine Reflexion über die Form entwickelt: ihre Ausarbeitung, Verwirklichung und Aufgabe. Ihre Arbeit dreht sich also um die Praxis der Bildhauerei im Atelier, wo die Zeit vergeht und sich in der Art und Weise des dort stattfindenden Lebens verliert, wo das Werk eine Reihe von empirischen Experimenten ist, die versuchen, eine Form der Autonomie zu finden, die im Einklang mit dem Territorium steht, das sie hervorgebracht hat, mit der Beziehung zum Raum, die im Zentrum ihrer Fragestellung bleibt. Und schließlich die 1989 in Paris geborene Léa Belooussovitch: In der Regel geht die Künstlerin von einem gewalttätigen Bild aus, das sie in den Medien gefunden hat und das aus aktuellen Ereignissen stammt, und macht daraus ein Double, eine Alternative, indem sie das ursprüngliche Bild einer Reihe von Transformationen unterzieht, die es endgültig dekonstruieren. Aus dem ursprünglichen klaren und mechanischen Bild wird so ein flauschiges, samtiges, fast staubiges Werk, das Farbwolken bildet, die ineinander übergehen, so dass man, ohne den Ursprung zu kennen, meinen könnte, man hätte es mit einem rein abstrakten Bild zu tun.

10. Ohne Titel

Ohne Titel präsentiert eine Einzelausstellung des deutschen Künstlers Robert Brambora, der 1984 geboren wurde. Die Ausstellung vereint zwei sich ergänzende Werkserien, die der Künstler im Laufe des letzten Jahres entwickelt hat. Zeitgenössische urbane Landschaften werden von Keramikskulpturen überlagert, die eine heitere und kontemplative Ausstrahlung haben. Die Werkreihe, die durch die Tapete im Hintergrund ergänzt wird, lädt zu einem Dialog über die Kontraste in der Welt außerhalb der Ausstellung ein. Inspiriert von Italo Calvinos Roman Unsichtbare Städte zeigt Bramboras Serie von Gemälden auf Holz urbane Landschaften in einem neoimpressionistischen Stil, der sich durch eine Kombination aus traditionellen und zeitgenössischen Techniken auszeichnet. In Smog gehüllte Städte erinnern an die Auswirkungen des Klimawandels, Brände, heftige Regenfälle und apokalyptische Szenen sorgen für eine Science-Fiction-Atmosphäre. Bramboras Gemälde evozieren eine höchst surreale Umgebung, während sie gleichzeitig ein Gefühl von Einsamkeit, Trostlosigkeit und Langeweile hervorrufen: Aspekte, die den Bewohnern der riesigen, unpersönlichen urbanen Landschaften der heutigen kapitalistischen Städte vertraut sind. Über einigen dieser gemalten Landschaften erscheinen Fragmente digitaler Texte und futuristischer Werbung, die von künstlicher Intelligenz generiert werden. Die Texte werden mit UV-Drucktechniken über die Gemälde gelegt und erzeugen einen besonderen visuellen Effekt, der das Industrielle mit dem Handgemachten, das Intellektuelle mit dem Zärtlichen verbindet. Die ebenfalls von Brambora entworfene Tapete zeigt ineinander verschlungene Zungen, die das Teuflische und den Tumult des urbanen Umfelds symbolisieren. In krassem Gegensatz zu den dystopischen und frenetischen Bildern der Gemälde stehen andere Werke von Brambora: große goldene Keramikohren. Diese Skulpturen evozieren ein tiefes Gefühl von Gelassenheit, Stille und Meditation. Im hektischen Kontext einer Kunstmesse laden sie den Betrachter dazu ein, über die Natur von Empfindungen und Empfänglichkeit nachzudenken.

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