Le cirque est fermé, mais les buffets reviendront-ils? Réflexions pour un modèle de progrès culturel... en passant par Carrare

Parmi les ouvrages que j’essaie d’avoir toujours à portée de main, il y a une pierre angulaire de la bibliographie sur les expositions, The Birth of Exhibitions de Francis Haskell: Passant en revue l’histoire des expositions d’art, l’historien de l’art anglais considère que les expositions organisées par Mammès-Claude Pahin de La Blancherie entre 1782 et 1783 ont été les premières à être animées par un “désir sincèrement intéressé d’honorer les auteurs (soigneusement sélectionnés) des œuvres exposées” et ont pu établir une rupture avec les expositions organisées dans le passé, qui étaient principalement motivées par trois raisons, selon Haskell: “la célébration, l’ostentation et le commerce”.

La célébration, l’ostentation et le commerce nous apparaissent encore aujourd’hui comme une sorte de code non écrit, valable pour la plupart des expositions d’art ancien et contemporain qui s’ouvrent chaque jour en Italie et dans le monde. Un code non écrit, mais qui se manifeste continuellement dans toute sa matérialité palpable, faite d’événements pompeux visant à célébrer les anniversaires des artistes (nous en avons tous eu la preuve l’année dernière avec l’anniversaire de Léonard, et cette année l’urgence sanitaire nous aura évité tant d’expositions insultantes sur Raphaël qui seront sûrement restées sur le papier), d’imposantes transmigrations d’œuvres d’art qui se déplacent d’un bout à l’autre de la planète, souvent pour des raisons qui dépassent celles de l’histoire de l’art en tant que matière fondée sur sa propre scientificité, ou, si l’on pense à l’art contemporain, de vains happenings peuplés pour la plupart d’une faune grouillante et bruyante qui court après les relations et les proseccos plutôt que le sens réel des œuvres exposées (à supposer qu’il y en ait un pour une grande partie de l’art exposé).

S’agit-il encore d’un modèle viable pour l’ère post-Covid? Peut-être que notre état d’esprit sera modifié par la pandémie en cours (et nous aborderons également ce sujet avec des experts en la matière dans ces pages prochainement), mais il est également possible de supposer le contraire, c’est-à-dire qu’une fois que le rigmarole infernal (maintenant certain) de la distanciation physique et de la couverture obligatoire du visage sera terminé, tout continuera selon la formule du business-as-usual. Les infatigables directeurs du cirque de l’art devront cependant compter avec la crise économique et la période de restriction à laquelle il faudra faire face même lorsque la maladie sera éradiquée et qu’il restera l’odieux souvenir d’une année à oublier: à ce moment-là, un nouveau paradigme pour les expositions et les événements ne sera plus un choix, mais une obligation sanctionnée par la rareté des moyens et, présageant un scénario sombre, par la disparition plus ou moins étendue de ceux qui seront contraints de fermer. Ce sera certainement une période de courte durée, car (l’histoire de l’économie nous l’enseigne) les crises économiques dues non pas à des raisons structurelles, mais à des agents extérieurs qui interviennent avec des bouleversements forts mais momentanés, sont toujours suivies de périodes de reprise tout aussi fulgurantes. Mais ce sera encore une période qui nous obligera (et qui, d’une certaine manière, nous oblige déjà) à réfléchir.

Le galeriste Nicola Ricci, qui fête lui aussi cette année ses 20 ans d’activité, m’a parlé il y a quelques jours de son nouveau projet, qui verra le jour à l’espace Vôtre de Carrare, lorsque nous pourrons enfin visiter à nouveau les musées et les galeries: Il s’agit d’une exposition photographique qui rassemblera quatre-vingts clichés en noir et blanc de la quatorzième Biennale internationale de sculpture de Carrare (“la dernière” parce que c’est la dernière qui a eu lieu avant que l’événement ne soit suspendu pour une durée indéterminée: c’était en 2010), réalisés par le photographe milanais Valerio Brambilla. Le vernissage est prévu en juin, probablement avant le 15, et sera ouvert jusqu’à la fin du mois de juillet (je joins ci-dessous un aperçu de quelques-unes des photographies qui seront exposées). Nicola, au téléphone, m’a expliqué que les objectifs de cette exposition sont essentiellement doubles, mais qu’ils sont inéluctablement liés. Le premier est de lancer une réflexion sur la façon dont nous étions (et, à son tour, sur la façon dont nous aurions pu continuer à être), et le second, au contraire, d’ouvrir une discussion sur la façon dont nous serons, et en particulier d’attirer l’attention de la communauté, des amateurs d’art et des institutions sur l’importance de réfléchir à une politique culturelle astucieuse et étendue qui évite la fragmentation inutile des ressources et des énergies, et évite la logique contre-productive de tout concentrer sur le grand nom (par exemple: à Carrare, rien qu’au cours des huit dernières années, il y a eu cinq expositions sur Canova, entre des expositions sérieuses et d’inutiles manigances), qui vise à donner une valeur adéquate à la qualité.

Vanessa Beecroft à la 14e Biennale internationale de sculpture de Carrare (2010). Ph. Valerio Brambilla

Kevin van Braak à la 14e Biennale internationale de sculpture de Carrare (2010). Ph. Valerio Brambilla

Antony Gormley à la XIVe Biennale internationale de sculpture de Carrare (2010). Ph. Valerio Brambilla

Terence Koh à la XIVe Biennale internationale de sculpture de Carrare (2010). Ph. Valerio Brambilla

Giorgio Andreotta Calò à la XIVe Biennale internationale de sculpture de Carrare (2010). Ph. Valerio Brambilla

Ce sont de bons principes qui ont été systématiquement ignorés ces dernières années, mais avec lesquels nous devrons apprendre à nous familiariser dans les mois (et peut-être les années) à venir, si nous ne voulons pas être confrontés à une désertification culturelle qui, d’une part, entraînera de grands et douloureux massacres d’espaces et de musées qui n’auront pas la force de survivre et, d’autre part, donnera une accélération notable au processus d’aplatissement culturel déjà en cours. Historiquement, les crises majeures ont toujours provoqué des changements dramatiques dans l’art également, qui, après un événement de grande envergure, a toujours été incité à mettre en œuvre des processus de réexamen critique de ce qui s’était passé auparavant. Aucune renaissance soudaine n’est à attendre de la peste, comme le répètent aujourd’hui ceux qui ont tendance à réduire l’histoire à un feuilleton caricatural: au contraire, les périodes d’incertitude ont presque toujours ravivé les relations avec la tradition, en particulier la tradition la plus élevée et la plus consolidée. En parlant avec Nicola de la Biennale di Scultura (dont il a lui-même été un animateur important avec sa galerie, en particulier lors des trois dernières éditions, amenant dans la ville des artistes tels que Mat Collishaw, Luigi Mainolfi, Italo Zuffi, Flavio Favelli et d’autres), j’ai pris le catalogue de l’édition précédente, celle de 2008, organisée par Francesco Poli, dont l’objectif était de “réaffirmer le sens d’une tradition historique qui lie étroitement la ville à la production sculpturale et qui, sur le plan culturel, est encore aujourd’hui un point fort notable”.

Poli écrit qu’une telle exposition, bien qu’enracinée dans la tradition, “pour jouer un rôle efficace sur la scène artistique” doit “concentrer l’attention sur les aspects les plus significatifs et novateurs de la recherche”, sans “courir après la nouveauté à tout prix, trop souvent conditionnée par l’effervescence superficielle des modes”, mais en cherchant à “réaliser [...] un projet d’exposition plus médité, qui contribue à une réflexion suffisamment approfondie et donc aussi à une vision plus précise de l’état actuel des valeurs dominantes actuelles”. En l’occurrence, quelque chose de ce genre est nécessaire pour l’avenir. Un modèle de progrès culturel (et non de simple développement) qui considère comme une erreur la boulimie d’événements, souvent désordonnés et organisés au mieux, qui concentre ses investissements sur la qualité et la croissance du territoire et de ses habitants, qui sait éviter les modes et parvient à fonder ses propositions sur des valeurs de fondement scientifique, d’utilité, de largeur d’esprit et de collaboration. Autant de ressources qui seront indispensables à la construction d’une culture post-virus. L’online sera certainement important: il ne sera pas une réponse, mais un outil qui doit nécessairement accompagner une planification culturelle sérieuse, ponctuelle, avec une vision stratégique, confiée à l’expertise et non à l’improvisation.

Il ne s’agit donc pas d’une " valorisation “ comme celle dont on parle souvent dans le secteur et au nom de laquelle on a justifié les déplacements d’œuvres d’art les plus odieux et les plus pernicieux, allant souvent jusqu’à penser que ”valoriser“ une œuvre signifie l’arracher à son contexte pour l’amener dans un conteneur où des milliers de personnes sont amenées à la voir parce que le besoin de voir cette exposition a été créé artificiellement. Ou, dans le meilleur des cas, penser que la ”valorisation“ consiste à organiser quelques cours de yoga ou de zumba pour rappeler à la plupart des gens qu’il existe un endroit appelé ”musée". Il s’agit plutôt d’une valorisation des énergies et des ressources culturelles locales (Ilaria Bonacossa en parlait il y a quelques jours dans ces pages, à propos des foires d’art), sans oublier que nous agirons toujours dans un contexte global: et dans ce sens, il est utile de souligner combien les problèmes et les défis des communautés individuelles sont en grande partie partagés (il suffit de penser au problème de la durabilité environnementale), combien la collaboration internationale est une ressource extraordinaire pour essayer de les surmonter, et combien une culture inclusive et ouverte peut continuellement fournir des réponses et des arguments. Un modèle culturel qui, en outre, se fonde sur l’amélioration continue des processus, sur la planification à long terme (et donc sur la capacité à planifier), sur la protection des œuvres et du travail, sur la recherche, sur la consolidation des résultats acquis, sur la revalorisation des potentialités territoriales. Un “système culturel qui s’avère être en phase avec l’esprit du temps et avec les nouveaux besoins de redessiner notre relation avec l’espace et le temps d’une manière plus douce”, comme le préconise Michele Trimarchi. La crise, au fond, n’a fait que réaffirmer la nécessité d’emprunter une voie déjà indiquée par beaucoup: il faudra voir si nous avons la volonté et le courage de la suivre. Sinon, il ne restera du passé que des photographies en noir et blanc.

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