Gucci et la prostitution de l'art

Une de nos lectrices, Ornella Spada, nous a envoyé une réponse à l’éditorial de Tomaso Montanari publié le 5 avril sur son blog Articolo 9: le sujet était le projet “Primavera di Boboli”, la restauration du Jardin rendue possible grâce à une donation de la maison de couture Gucci, qui organisera un défilé de mode au Palazzo Pitti le 29 mai. En tant que rédaction de Finestre sull’Arte, nous tenons à préciser que nous ne sommes pas d’accord avec le contenu de l’article et que nous nous en dissocions: toutefois, notre site, dans sa tradition d’accueil et de promotion du pluralisme, est notoirement ouvert à toutes les contributions de quiconque souhaite participer aux discussions sur l’état du patrimoine culturel dans notre pays. L’auteur de la contribution suivante, Ornella Spada, est diplômée de l’Université de Columbia et a travaillé au Guggenheim de New York et à la Gagosian Gallery.

Le projet Boboli Spring

Tomaso Montanari, historien de l’art, professeur d’histoire de l’art moderne à l’université de Naples Federico II et chroniqueur, commente sur le blog Articolo 9 de la Repubblica l’accord entre Gucci, la ville de Florence et les galeries Uffizi en parlant de “prostituée de Florence”. Le PDG de la célèbre maison de couture, Marco Bizzarri, ainsi que le directeur des Galeries des Offices, Eike Smidt, le maire Dario Nardella et le ministre Dario Franceschini, ont annoncé qu’ils avaient fait don de 2 millions d’euros au musée pour la restauration et la mise en valeur des jardins de Boboli. En échange de ce don, Gucci a obtenu la concession de la Galerie Palatine du Palazzo Pitti pour le défilé de mode qui aura lieu le 29 mai.

Tomaso Montanari critique amèrement l’attitude ouverte des institutions italiennes et défend celle de la Grèce face à la demande de la maison de couture d’utiliser le Parthénon pour le même événement. Le Conseil archéologique central de Grèce avait refusé de manière péremptoire la concession de l’Acropole d’Athènes à Gucci.

“Foutu” est aussi l’adjectif que l’historien de l’art utilise pour le palais Pitti, défini comme “le musée le plus foutu d’Italie, entre les enterrements de vie de garçon des millionnaires, les prêts imposés par la politique, les expositions de designers, ce n’est pas un projet culturel, mais de la prostitution, ”nous sommes ici face à de grandes multinationales qui utilisent les biens communs comme un lieu pour mieux vendre leurs produits".

La position plutôt romantique et agressive du professeur ne reconnaît pas certains aspects plus réalistes qui ont toujours appartenu au monde de l’art et qui l’ont toujours vu s’approcher du monde de l’économie et de la finance. Je vais essayer de démonter le discours de l’historien dans ses points les plus saillants.

Montanari appelle cela du muckraking, mais ce qui se passe à la Galerie Palatine est la direction que suivent tous les lieux de culture dans le monde, du Louvre à Paris au Met à New York. Les musées se transforment en entités liquides où l’art croise des initiatives culturelles et commerciales multiples et variées. Il y a plusieurs raisons à cela, dont l’une est économique: les musées d’autres pays ne bénéficient pas de financements publics (pas du tout comme en Amérique, ou très peu comme dans certains pays européens) et inventent depuis des années des systèmes d’autofinancement pour éviter de boucler leur budget dans le rouge et promouvoir l’innovation et la culture. D’où la promotion d’une forte politique de merchandising, d’image de marque et de relations publiques, avec la location d’espaces spéciaux pour des événements de gala et la collecte de fonds. Le fait que le bilan d’un musée soit positif et qu’il y ait des marges signifie qu’il peut y avoir des investissements: cela signifie par exemple la promotion de jeunes artistes, des investissements dans la technologie pour une meilleure appréciation, par exemple, des œuvres d’art avec des avantages éducatifs conséquents pour les visiteurs de tous âges, des enfants aux adultes, et surtout plus d’opportunités d’emploi pour les jeunes. Si le prix à payer pour tout cela est un défilé de mode Gucci, je pense que le problème est plutôt de ne pas y avoir pensé plus tôt, et de ne pas avoir essayé depuis longtemps de promouvoir une affiliation avec des maisons de mode italiennes pour obtenir tout cela, ces 56 millions naïvement refusés par la Grèce[ndlr: chiffre plus tard démenti par Gucci].

Le professeur poursuit: "Il s’agit d’une sorte d’autoglorification du présent, en grimpant sur les épaules du passé: une autopromotion bon marché, par le biais d’un faux historique. Et si nous retrouvons à Pitti les mêmes vêtements que ceux qui peuplent les vitrines des rues que nous avons empruntées pour arriver au musée, qu’avons-nous fait? Ce n’est pas la dignité de l’art qui est en jeu, mais notre capacité à changer le monde. Le patrimoine culturel est une fenêtre par laquelle nous pouvons comprendre qu’un passé différent a existé et que, par conséquent, un avenir différent sera également possible. Mais si nous en faisons un miroir de plus dans lequel se reflète notre présent réduit à une seule dimension, la dimension économique, nous avons rendu le médicament malade, nous avons empoisonné l’antidote. Et quel ’dialogue’ peut-il y avoir entre les vêtements de Gucci et les retables d’Andrea del Sarto ou les madones de Raphaël?

L’association “mode et musées”, qui semble si scandaleuse aux yeux du professeur, est une pratique courante dans les plus grands musées du monde. Elle se répète chaque saison entre Paris et New York, il suffit de citer le défilé de Proenza Schouler au Whitney Museum en février 2016 ou celui de Louis Vuitton au Louvre à Paris en mars dernier, pour ne citer que deux exemples. Dans la capitale française, le Palais Galliera deviendra en 2019 le premier musée permanent de la mode du pays grâce au soutien précieux de la Maison Chanel. La mode est non seulement l’une des sources de financement les plus lucratives pour les institutions culturelles depuis des temps immémoriaux (les créateurs les plus célèbres sont des collectionneurs et des philanthropes: il suffit de penser à Miuccia Prada, Yves Saint Laurent et Dries Van Noten), mais elle fait également l’objet de certains des projets curatoriaux les plus célèbres dans le domaine de l’art contemporain, tels que “Azzedine Alaïa: Couture/Sculpture” à la Galleria Borghese de Rome, ou celle en l’honneur du créateur de mode Alexander McQueen, “Savage Beauty”, qui s’est d’abord tenue au Met de New York avant d’être transférée au Victoria and Albert Museum de Londres. Dans la capitale britannique, l’exposition a vendu plus de 480 000 billets et a été l’une des plus populaires de l’histoire du musée, “contraint” de travailler 24 heures sur 24 pour satisfaire la forte demande du public.

Ce type de contamination, que Montanari appelle “muckraking”, est soutenu et encouragé par les thèses des conservateurs modernistes et contemporains les plus éminents. Alexander Dorner, Hans Ulrich Obrist et Okwui Enwezor sont quelques-uns des nombreux conservateurs qui soutiennent la théorie selon laquelle la technologie et la mondialisation ont annulé les distances entre les différents domaines de la connaissance, et le fait que l’art ne peut être distingué d’autres expressions créatives telles que le design, la mode, l’architecture et le cinéma, et que l’art vidéo, en revanche, en est la confirmation. L’idée du professeur selon laquelle le musée est un lieu poussiéreux où l’art est consacré comme vérité absolue pour comprendre un passé et un avenir différents est tout à fait inexacte. Tout d’abord, l’art ne serait pas de l’art s’il ne reflétait pas ce que nous sommes: en fait, la grande valeur de l’expression artistique réside dans la représentation de la condition humaine dans son essence (à la fois basse et haute). Deuxièmement, l’art a toujours eu une dimension économique. Les plus grandes œuvres d’art n’auraient jamais existé s’il n’y avait pas eu de mécénat pour promouvoir le talent artistique et financer la création d’œuvres d’art. Un exemple parmi d’autres est celui de Michel-Ange et du mécénat combatif de l’Église et de la censure de ses œuvres. Cet article ne suffirait pas à énumérer les cas où l’art a été associé à des personnalités du monde des affaires et de la finance, à des femmes riches et à des égéries de la mode. Que serait devenu l’expressionnisme abstrait s’il n’y avait pas eu Peggy Guggenheim, par exemple? L’économie mondiale d’aujourd’hui n’a changé que la forme et non le fond des choses: les grandes fortunes influencent la valeur des œuvres d’art et transforment les artistes en stars millionnaires. En effet, l’art est considéré par les experts financiers comme l’un des actifs les plus sûrs, dont la valeur augmente avec le temps, et ce n’est pas un hasard si les plus grands collectionneurs d’art sont des hommes d’affaires comme Steve Cohen, client fidèle et ami de Larry Gagosian.

Nier cela, c’est le sophisme historique que commet le professeur: présenter l’art comme une entité immobile et fixe revient à nier sa capacité intrinsèque à refléter la nature humaine. C’est un peu comme nier l’évidence que les vitrines des centres-villes ne présentent pas seulement des vêtements mais aussi des œuvres d’art. La reconnaissance de ces réalités historiques, culturelles et économiques est essentielle pour voir le lien entre les vêtements de Gucci et les retables d’Andrea del Sarto ou les madones de Raphaël que le professeur nie mais qui a toujours existé.

Ornella Spada

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