Des gens de musées et d'expositions? Peut-être vaudrait-il mieux parler de gens du fétichisme et de gens de l'art?

Avant-hier, un bel article est paru dans la Repubblica dans lequel Antonio Natali, directeur des Offices, écrit que les gens du musée et les gens de l’exposition semblent être deux entités différentes. À l’occasion de l’exposition sur le Pontormo et le Rosso Fiorentino au Palazzo Strozzi, les visiteurs des Offices bénéficient d’une réduction de moitié sur l’entrée à l’exposition. Dans son article, Natali donne quelques statistiques: sur les 680 000 visiteurs qui sont entrés aux Offices depuis l’ouverture de l’exposition au Palazzo Strozzi, seuls 2 850 d’entre eux sont allés voir le Rosso et le Pontormo. Selon Natali, c’est le signe d’intérêts différents entre les visiteurs des musées et ceux des expositions, et que “ce qui distingue les deux peuples, c’est la disposition idéologique”, en ce sens qu’il y aurait, de la part des visiteurs des musées, “l’empressement à fréquenter des lieux mythiques pour vénérer des fétiches” et, sur la barricade opposée, “la curiosité intellectuelle de connaître les lieux mythiques pour vénérer des fétiches”, “la curiosité intellectuelle de connaître de nouvelles œuvres et de nouveaux artistes afin d’élever sa conscience historique et d’aiguiser sa sensibilité”, sans exclure toutefois des exceptions, comme les adorateurs de la Jeune fille à la perle qui se sont rendus en masse à Bologne cet hiver pour voir le tableau de Vermeer exposé.

L’analyse de Natali est certainement intéressante et mérite une réflexion plus approfondie. En attendant, je propose de diviser les visiteurs des expositions et des musées plutôt entre le peuple des fétiches, celui magistralement décrit par Natali à propos des musées (il est vrai que, proportionnellement, ce peuple fréquente davantage les musées que les expositions, mais c’est Natali lui-même qui dit que désormais même les expositions ne sont plus à l’abri de ce phénomène), et le peuple de l’art: qui est celui qui fréquente aussi bien les expositions que les musées parce qu’il veut jouir des œuvres, parce qu’il a le désir de les voir vivre, d’apprendre et d’approfondir ses connaissances, ou même simplement parce qu’il veut être ému par les œuvres sans avoir à les adorer sans esprit critique. Mais attention: le concept de “peuple de l’art”, qui pourrait prêter à des accusations faciles d’élitisme, est en réalité très éloigné de toute conception d’un art réservé à quelques-uns. En effet, la condition fondamentale qui distingue le “peuple de l’art” n’est pas une connaissance approfondie et experte des œuvres d’art, mais plutôt la manière dont les personnes qui le composent abordent l’art: pour s’émouvoir mais aussi pour en savoir plus sur une œuvre ou un artiste, pour apprendre de nouvelles choses, pour s’enrichir et, comme le dit Natali, pour “développer leur conscience historique et aiguiser leur sensibilité”. Autant de choses que l’on peut faire aussi bien dans les musées que dans les expositions, et qui ne nécessitent pas la formation d’un expert en art. Nous disons toujours, après tout, que l’art est et doit appartenir à tout le monde.

File d’attente à l’entrée des Offices

Les gens de l’art ont cependant besoin d’être encouragés et soutenus. Au lieu de cela, il y a de plus en plus d’opérations qui s’adressent davantage aux fétichistes. Et lorsque c’est le ministère de la culture lui-même, avec des campagnes absurdes telles que"si vous ne le visitez pas, nous vous l’enlèverons", qui s’adresse aux fétichistes plutôt qu’aux amateurs d’art, cela signifie que quelque chose ne va pas. Cela signifie que le ministère vise davantage à faire du chiffre d’affaires qu’à éduquer les citoyens à une approche correcte de l’art, car le fétichisme n’est certainement pas la manière appropriée d’aborder les œuvres anciennes (et même contemporaines). Le fétiche est devenu tel parce que, en tant que fétiche, il est reconnu par les masses: ceux qui visitent la Galleria dell’Accademia à Florence (pour continuer avec l’exemple du David de Michel-Ange) quittent souvent le musée sans en savoir une virgule de plus sur le David qu’ils n’en savaient une fois entrés, ou les émotions qu’ils ressentent ne vont pas au-delà d’un selfie pris avec le héros biblique, étant donné que le ministère a maintenant également donné aux fétichistes la possibilité de se représenter dans des selfies improbables avec leurs idoles. Comme le souligne Natali.

Un renversement est donc nécessaire, mais si la tendance ultime est de libéraliser les selfies (et de continuer à empêcher ceux qui font une divulgation sérieuse et rigoureuse, mais qui gagnent aussi quelque chose avec, de publier des images d’œuvres d’art), le renversement sera lent à venir. Le ministère, en somme, se concentre davantage sur le marketing que sur la connaissance: mais on peut se demander dans quelle mesure les grands musées visités chaque jour par des centaines, voire des milliers de visiteurs, ont besoin d’initiatives de marketing. La liberté de prendre des selfies est une grande initiative de marketing qui peut être bonne pour les petits musées (bien que beaucoup d’entre eux, même avant la nouvelle mesure pro-selfie, n’interdisaient pas réellement la prise de photos à l’intérieur parce qu’ils considéraient les clichés du public comme un puissant véhicule promotionnel gratuit), mais nous devrions peut-être réfléchir au fait que dans les grands musées qui sont plus populaires auprès du public fétichiste, le risque est de créer une coexistence intenable entre ceux qui visitent les musées pour vénérer des idoles et ceux qui les visitent pour apprécier les œuvres.

Il est évident que nous ne sommes pas là pour dire au public comment il doit aborder les œuvres: chacun le fait à sa mesure. Mais il est vrai aussi que si le peuple des fétiches prend le dessus sur le peuple de l’art, les perdants seront tous ceux qui veulent que les musées, les institutions et les organisations puissent parler sérieusement et rigoureusement (et surtout clairement) aux amateurs d’art, qu’ils puissent organiser des expositions et mettre en place des parcours muséographiques selon des projets qui favorisent la qualité plutôt que la quantité, bref, qu’ils incarnent ce qui devrait être la mission d’un musée, c’est-à-dire produire de la culture. En second lieu, le perdant sera le système culturel lui-même: des opérations telles que “si vous ne le visitez pas, nous vous l’enlèverons” encouragent le public à se rendre en masse dans les musées habités par des idoles, tout en laissant les centres plus petits (ou les musées plus petits) presque dépeuplés. Pour se rendre compte des effets de ce raisonnement, il suffit de se rendre à Florence. Il y a un mois, pendant un week-end, nous étions à Florence: à trois heures de l’après-midi, la file d’attente pour entrer aux Offices avait déjà atteint sa durée habituelle d’une ou deux heures. Non loin de là, l’église Santi Michele e Gaetano, dont l’entrée est gratuite, contrairement à de nombreux autres lieux de culte florentins, était complètement vide. Pourtant, à l’intérieur de cette église se trouvent quelques-unes des peintures les plus importantes de la Florence du XVIIe siècle, toujours présentes dans le lieu pour lequel elles ont été conçues et réalisées. Sans parler du fait que les villes dites d ’art sont saturées à l’extrême et que les villes plus petites, mais non moins intéressantes, doivent faire des triples sauts périlleux pour attirer les visiteurs.

Plusieurs facteurs sont à l’origine de cette situation. L’incapacité (ou le manque de volonté) des institutions à diffuser de véritables connaissances. La tendance à considérer l’art comme un objet d’exploitation financière plutôt que comme un moyen d’enrichir le public. La rhétorique néfaste et désormais usée de la beauté a fait tant de dégâts, parce que nous tenons pour acquis que nous sommes entourés de belles choses et que nous ne nous en préoccupons pas. Mais la faute incombe aussi en partie aux musées eux-mêmes, qui sont souvent incapables de parler un langage compréhensible pour leur public, ce qui profite aux fétichistes. Souvent, ceux qui organisent des expositions le font en pensant à un public d’autres spécialistes, ou tout au plus à des amateurs compétents. Et ce raisonnement est totalement erroné: ils utilisent un lexique de cour même pour des panneaux didactiques, ils utilisent des technicités qu’une grande partie du public ne comprend pas, ils omettent des informations qu’un spécialiste ou un expert considère comme évidentes, mais aux yeux d’une personne ayant peu de connaissances sur le sujet, il s’agit d’une pratique préjudiciable car sa compréhension d’une œuvre ou d’un artiste en sera inexorablement mutilée. Les fétichistes ne s’en soucient guère: leurs idoles peuvent très bien n’avoir aucun panneau illustratif, aucun appareil didactique, et beaucoup ne s’en inquiètent pas. Les amateurs d’art, en revanche, risquent d’être désorientés dans des expositions peu compréhensibles, car ils comprennent que ceux qui établissent les parcours parlent une autre langue, ce qui n’aide certainement pas la cause.

Ce problème touche évidemment aussi les Offices: nous y étions la dernière fois cet hiver, à l’occasion de l’exposition sur la collection Molinari Pradelli (intitulée Les chambres des muses), toujours un week-end. A l’extérieur, la queue habituelle d’environ une heure pour entrer. A l’intérieur, la foule devant les œuvres les plus populaires, que je ne vais même pas énumérer car nous les connaissons tous de toute façon. Mais, dans les salles consacrées à l’exposition sur la collection Molinari Pradelli, le vide: n’est-ce pas que, peut-être, même les Offices ne font pas grand-chose pour attirer un public plus averti? A tel point qu’il est rare (pour ne pas dire “presque jamais”) de voir des Florentins à l’intérieur de la galerie. C’est dire que le musée a peu d’attrait pour les habitants de la ville dans laquelle il se trouve. Il est vrai qu’il y a, en amont, un problème de mauvaise éducation artistique (et par mauvaise éducation artistique, je le répète, je n’entends pas la connaissance du sujet tout court, mais plutôt la manière dont le public aborde les œuvres), mais il est vrai aussi que les musées communiquent souvent mal, n’attirent pas le public, ne rendent pas attractives leurs expositions, aussi merveilleuses et intéressantes soient-elles, comme celle sur la collection Molinari Pradelli.

Il faut donc une réflexion profonde, mais surtout du travail: d’une part pour une meilleure et plus grande éducation, et d’autre part pour une meilleure communication. Ce n’est qu’ainsi qu’il sera possible d’aider les gens de l’art à prendre le dessus sur les gens des fétiches. Ou, ce qui est peut-être encore mieux, de transformer une partie du peuple des fétiches en nouveaux membres du peuple de l’art.

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