Un parc d'œuvres réalisées avec des fleurs. Le jardin contemporain de la Fattoria Montellori

Certains jardins sont décrits comme des refuges, alors qu’ils sont des pièges. L’air doux du début du printemps qui souffle dans l’allée de pins de la Fattoria di Montellori fait tout pour démentir l’aphorisme de Ian Hamilton Finlay, poète écossais qui a joué un rôle pionnier dans l’invention du jardin d’artiste. Les bruits de la circulation sur la route régionale voisine arrivent étouffés, de temps en temps quelques rayons de soleil se frayent un chemin à travers la couverture nuageuse pour dessiner des géométries passagères sur les toits de Fucecchio, sur les façades de ses maisons, sur les clochers qui dominent d’en haut la Fattoria et son jardin. La même famille, les Nieri, possède la villa depuis 1895, et le jardin existait déjà à l’époque, embrassant de sa verdure le bâtiment néo-Renaissance sur lequel s’étend l’ombre des pins. La famille Nieri a entretenu le jardin au fil des décennies sans en modifier les formes originales. Les parterres, les allées, les buissons, le bosquet romantique à l’anglaise, tout est resté en l’état. C’est donc un refuge, pense-t-on immédiatement. Un refuge fleuri. Un doux refuge. Loin d’un piège.

Ainsi traduit, en essayant de saisir le sens littéral et de conserver le jeu de mots, l’aphorisme de Finlay semble avoir une lecture unique et univoque. En anglais, cependant, la phrase est plus nuancée, suscite des doutes et conserve une ambiguïté qu’il est difficile de rendre en italien sans perdre la juxtaposition spirituelle des termes : certains jardins sont décrits comme des retraites alors qu’il s’agit en réalité d’attaques. C’est un manifeste de l’œuvre de Finlay : rassurante et subversive à la fois, suspendue à la dialectique entre nature et culture. L’écho de sa pensée s’est répercuté des Highlands à la Toscane, et pas seulement parce qu’à la Fattoria di Celle se trouve l’une de ses œuvres, le Bois Virgilien. Mais parce que c’est ici, dans le paysage qui s’étend entre la plaine de Pistoia, l’Empolese et la Valdelsa, jusqu’aux falaises de Volterra, qu’a été produit l’humus idéal pour recueillir et développer les expériences de Finlay.

Terres fertiles, celles des plaines toscanes. Des terres luxuriantes, modelées au fil des siècles par l’action de l’homme qui les a travaillées, aplanies, domptées, caressées, et qui ont produit ces “paysages toscans” si célèbres, sculptés dans l’imaginaire commun, peints par les artistes au fil des siècles, chantés par les poètes, ces paysages qui attirent aujourd’hui les touristes du monde entier. Le respect du paysage, dans ces régions, est inscrit dans le code génétique des habitants. À Sienne, dès le XIVe siècle, la protection de la “belleça” était inscrite dans la loi du Costituto del Comune. Il est donc naturel que “le problème de l’art environnemental” soit né, comme l’a fait remarquer Enrico Crispolti, “précisément d’expériences mises en œuvre dans une large mesure en Toscane”. La Fattoria di Montellori est l’une des expériences d’art environnemental les plus récentes et en même temps les plus innovantes : ici, les œuvres changent chaque année, car elles sont faites de fleurs. Et il ne s’agit pas d’une métaphore : nous ne parlons pas, comme c’est le cas pour presque tous les parcs qui ont un minimum d’ordre et qui sont gérés avec soin, d’un jardin si enchanteur qu’il mérite d’être comparé à une œuvre d’art. Lorsqu’en 2008, Eva Perini et son mari Alessandro Nieri ont commencé à planifier le “jardin contemporain” de Montellori, transformant un champ qui s’étendait aux abords de la villa en une collection d’art en plein air, ils ont fait appel à des artistes italiens contemporains de renom et leur ont demandé d’imaginer des œuvres d’art composées de fleurs. “Des rencontres entre l’art et la nature, entre l’artiste et le mécène, avec des complicités et des partages qui rendent possibles des résultats surprenants et fascinants, des attentes et des renaissances qui, dans l’enchantement soudain, cyclique et éphémère des floraisons saisonnières, révèlent au spectateur l’idée, l’intuition, le geste poétique” : c’est ainsi qu’Eva Perini résume l’idée d’où est né le jardin contemporain. Pour elle, l’art est “construction du sens et expression de la pensée”, et elle a voulu que les artistes convoqués à Montellori tentent de donner corps à cette idée en utilisant les fleurs comme moyen d’expression.

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Montellori

Montellori

Le jardin contemporain de la Fattoria di Montellori est donc à la fois une retraite et une attaque. Dans ce cas, il s’agit d’une attaque au sens propre du terme, plutôt que d’un piège, car une collection entière de fleurs défie la perception commune d’une œuvre d’art. Il n’y a rien de tel en Toscane : à Montellori, les mêmes œuvres sont différentes chaque année, car c’est la nature qui décide de leur aspect, c’est la nature qui décide de leur floraison au même moment, c’est la nature qui décide du calendrier des ouvertures, c’est la nature qui décide si cette année la floraison sera luxuriante ou non, et c’est la nature qui décide si cette année la floraison sera luxuriante ou non.c’est la nature qui décide si cette année les fleurs seront luxuriantes et colorées ou si elles seront plus rabougries ou inexistantes, ce qui change complètement l’aspect du travail de l’artiste, qui doit donc se mesurer à une situation nouvelle pour lui, sans avoir un contrôle total sur le résultat final.

Lorsque, dans les années 1960, Nils-Udo réalise ses premières œuvres avec des plantes et des matériaux naturels, se hissant, comme Finlay, au rang de précurseur de l’art environnemental, ce dialogue avec la nature naît d’une prise de conscience, dit l’artiste allemand : “Je fais partie de la nature, j’y suis incorporé et j’y vis, il m’a donc semblé qu’agir en accord avec les lois de la nature était quelque chose d’évident et de nécessaire à la survie”. Préserver le caractère originel de la nature, son état intact, parce que c’est comme préserver l’air que je respire, la base de mon existence. L’idée de planter littéralement mon œuvre dans la nature, de l’intégrer à la nature, de la soumettre à la nature, à ses cycles et à ses rythmes, m’a rempli d’une part d’une profonde paix intérieure et d’autre part de nouvelles possibilités et d’opportunités apparemment inépuisables". Les œuvres du jardin de Montellori partent également des mêmes hypothèses, bien qu’elles aient été créées pour la plupart par des artistes qui n’avaient pas l’habitude de travailler avec les éléments de la nature.

Pour certains, il s’agissait d’une expérience totalement nouvelle. Daniela De Lorenzo me l’avoue devant son œuvre, Respiro, un labyrinthe crétois construit avec neuf cents bulbes de narcisses blancs. Vu d’en haut, sa forme ressemble à celle d’un cerveau humain. Un labyrinthe au sens strict : si le labyrinthe place ceux qui y entrent devant plusieurs possibilités pour atteindre le centre, le labyrinthe proprement dit a au contraire un chemin à sens unique, un seul parcours obligé. C’est un labyrinthe qui ne veut pas égarer ses visiteurs, même s’il peut être frustrant, lorsqu’on le parcourt, de croire qu’on est presque arrivé et de se retrouver face à une autre circonvolution, qui semble nous mener à l’extérieur, loin du centre. C’est une métaphore des obstacles que l’on rencontre lorsqu’on se cherche. Se trouver soi-même, donc.

À côté du Respiro de Daniela De Lorenzo se trouve l’autre œuvre présente dans le jardin contemporain de Montellori depuis sa création, Splendeur en jaune de Remo Salvadori, une traduction florale, avec mille deux cents jonquilles jaune d’or, choisies pour leur port élégant et leur capacité à le maintenir, de l’une des œuvres les plus connues de l’artiste toscan, Nel momento (Dans l’instant) : des formes géométriques qui rappellent la Renaissance et l’art de Piero della Francesca, des formes qui cherchent à introduire la dimension du temps dans l’œuvre d’art, la rencontre du ciel et de la terre, le travail original du métal qui se coupe et se plie comme s’il était en train de fleurir, de l’aveu même de l’artiste. L’œuvre a donc véritablement fleuri, et le temps est arrivé avec une force perturbatrice, car la Splendeur de Salvadori, comme toutes les œuvres de Montellori, est une œuvre transitoire, en devenir, jamais égale à elle-même.

Dans cette poésie de l’éphémère qu’est le jardin de Montellori, il peut arriver que l’on arrive à certaines périodes de l’année et que l’on ne voie pas les œuvres. Ce sont les rythmes de la nature qui l’imposent. Ainsi, au printemps, il n’est pas possible d’admirer le Convivio de Luca Vitone, un parterre inauguré en 2010 et composé de près de six cents bulbes de crocus sativus des iridacées, la plante du safran, une fleur pourpre précieuse et délicate qui fleurit au début de l’automne. Un parterre circulaire recouvert d’une fleur qui a longtemps assuré la subsistance de nombreux agriculteurs toscans, puisque le safran est encore cultivé habituellement non loin de Fucecchio, dans la campagne de San Gimignano, où la production de cette essence est historiquement attestée depuis le XIIIe siècle, tandis que, plus au nord, il est récolté le long des pentes qui couronnent la ville de Barga dans la vallée du Serchio, aux portes de la Garfagnana. L’œuvre de Vitone, dont l’idée première remonte à une exposition que l’artiste génois a lui-même présentée pour la première fois en 2000 à San Gimignano, se veut donc une invitation à préserver la mémoire de la culture paysanne de ces terres.

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Remodu jaune

Salvo

Depuis 2011, une longue bande rouge, soixante mètres de six cents tulipes, accompagne ceux qui se promènent dans l’allée de pins du jardin Montellori : avec son Solco rosso (Sillon rouge), Marco Bagnoli a traduit en fleurs un élément récurrent de sa pratique, la ligne rouge qui fait allusion à l’infini, à l’éternel, mais aussi à la dimension émotionnelle que l’expérience de l’art est capable de révéler. Comme toutes les œuvres créées à Montellori, Solco rosso di Bagnoli est né d’un partage avec Eva Perini et Alessandro Nieri, qui ont l’habitude d’entretenir des relations étroites avec les artistes qu’ils impliquent dans leurs projets, ils les fréquentent et apprennent à les connaître, ils apprécient leur compagnie et finissent par établir des relations durables. Beaucoup des artistes qui ont créé les œuvres dans le jardin se retrouvent, des années plus tard, à l’occasion de la floraison. Même l’inconfort est donc parfaitement souhaité, recherché, accueilli : une bande de tulipes le long d’une allée peut sembler une gêne, un élément qui introduit le désordre, qui rend le chemin fatigant, et si la bande est rouge, elle aura presque l’air d’une blessure. Mais c’est à partir de la blessure que s’ouvrent de nouvelles dimensions.

C’est un peu ce qui se passe avec l’œuvre de Stefano Arienti de l’autre côté du jardin : une grande main rouge émerge des buissons qui séparent le jardin de la cour de ferme et semble vouloir inviter le visiteur du jardin à la suivre, à se laisser guider avec elle dans la dimension de la nature, à vivre avec elle, à respirer avec elle, à faire partie d’elle, à faire partie du souffle universel qui la gouverne. Au départ, la main est née de la floraison de huit cents cyclamens rouges, qui lui ont donné une forme douce, séduisante, presque sensuelle. Puis, il a été décidé de changer de fleurs : des tulipes à la place des cyclamens, et cette main de fée qui semble devenir une griffe, la main griffue d’une sorcière des bois qui, au lieu de faire gentiment signe au visiteur, semble vouloir l’attraper, le traîner. Pour nous rappeler avec force, car nous ne le comprenons pas toujours, la bonté que nous devons à l’environnement.

Le dernier arrivé, en 2012, est Amare me de Salvo, une œuvre de dahlias roses qui fleurissent en été, avec laquelle l’artiste a reproposé l’inscription d’une de ses pierres tombales des années 1970, atomes d’une mythographie personnelle que Salvo avait créée.atomes d’une mythographie personnelle que Salvo avait commencé à construire dans ces années-là, des “signes auto-publicitaires”, comme les aurait définis Giorgio Di Genova, avec lesquels l’artiste sicilien avait commencé à envahir le milieu de l’art contemporain. Le marbre devient herbe, la gravure devient fleur, l’œuvre prend un nouveau sens. Qui dit “Amare me” ? Peut-être sont-ce les plantes elles-mêmes qui parlent à ceux qui visitent le jardin ?

Une image du Poème du Paradis de D’Annunzio me vient à l’esprit : celle des lauriers qui parlent, des lauriers qui entourent le jardin qui s’épanouit “comme un rêve du cœur s’élève / caressé par la pure mélodie / dans une lumière spirituelle inhabituelle / qui n’était pas du ciel mais sur le monde / effusée par la page immortelle”. Ici, à Montellori, la nature parle, bouge, respire, s’anime dans la rencontre avec l’art, dans le dialogue fécond avec le résultat de l’esprit humain qui imagine, crée, produit, tisse des formes, donne naissance, dit Eva Perini, à “des œuvres volontairement intransportables, inaliénables et non substantielles, presque comme des étendues de couleurs sur des toiles invisibles, profondes et légères comme de délicates notes de musique, qui par leur statut et leur mode de représentation expriment parfaitement les recherches et les motivations d’une contemporanéité qui réfléchit sur les conventions formelles et structurelles pour les désarticuler et les réinventer”. L’ordre et le désordre se rencontrent dans un jardin de fleurs de la campagne toscane, là où sont nées les expériences les plus audacieuses de l’art environnemental, là où tout a commencé avec l’expérience Volterra 73, là où Giuliano Gori a mis en évidence l’importance de l’environnement. où Giuliano Gori a montré la voie d’un art en totale fusion avec la nature, où les parcs et jardins d’artistes ont fleuri avec une concentration et une densité qui n’existent peut-être nulle part ailleurs dans le monde. Calme et agitation. Le calme bourgeois d’un jardin du XIXe siècle, l’originalité rebelle d’un art qui ne peut être vu que lorsque la nature l’impose. Refuge et piège. La retraite et l’attaque.

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