Un mois de novembre devant lequel mourir de mélancolie. Le chef-d'œuvre d'Antonio Fontanesi

Peu de moments de l’année sont aussi mélancoliques que la dernière semaine d’octobre, lorsque l’heure d’été prend fin et que l’obscurité tombe soudainement, voracement, comme un rideau rapide et lourd, éteignant presque soudainement les lumières rouges des couchers de soleil (les plus beaux de l’année, à cette saison), apportant un air de désolation et de tristesse, et répandant une longue ombre triste et froide qui anticipe l’approche de l’hiver. Tout l’hiver va rentrer monotone (le plus beau de l’année, en cette saison), apporte un air de désolation et de tristesse, et répand une longue ombre triste et froide qui anticipe l’approche de l’hiver. Tout l’hiver va rentrer dans mon être, disait Baudelaire dans la Chante d’automne d’octobre 1859. Guido Ceronetti en était conscient: “La fin de l’heure d’été m’attriste”, se lamente-t-il dans Ballata autunnale, une troisième page écrite pour La Stampa et réunie plus tard dans l’anthologie La vita apparente avec d’autres articles signés pour le quotidien turinois dans les années 1970. Ceronetti cite le Chant d’automne, reflet d’une terreur de l’hiver, “que Baudelaire détestait, reflet endeuillé de l’âme qui le subit”. C’était hier l’été, voici l’automne !

Le poète turinois avait dédié sa Ballade automnale à un chef-d’œuvre d’Antonio Fontanesi, aujourd’hui conservé à la Galleria d’Arte Moderna de Turin: une œuvre peu connue, mais difficile d’en trouver une plus apte à transmettre la poésie de la saison des brumes et de l’abondance, l’“amie intime du soleil mûr”, comme l’avait appelée John Keats. Il s’agit d’un tableau intitulé Novembre: Fontanesi l’a exécuté au début de l’année 1864, l’a exposé au Promotrice de Turin cette année-là avec deux autres tableaux, Aprile et Altacomba, et a été récompensé par son achat par Victor Emmanuel II pour les collections du Palais royal de Turin. L’œuvre n’est pas épargnée par la critique: une constante qui accompagne toute la carrière de Fontanesi, jusqu’à ses extrémités, passées dans la solitude et l’amertume. Des tableaux comme Novembre conduisent ses détracteurs à lui reprocher de n’être qu’un terne imitateur de Corot. Critique superficielle, qui s’arrête à l’aspect extérieur des tableaux (et peut-être même pas à cela), sans aller au fond de sa sensibilité, moins contemplative que celle de Corot, mais sans doute plus poignante. Et en effet, il y eut aussi ceux qui apprécièrent ce Novembre “devant lequel on pouvait mourir de mélancolie”, écrivit Ceronetti.

Antonio Fontanesi, Novembre (1864 ; huile sur toile, 103 x 153 cm ; Turin, GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea)

L’idée du paysage-état de l’âme qu’Amiel avait fixée dans son Journal intime était déjà bien présente dans l’esprit de certains peintres avant qu’elle ne soit popularisée, vers la fin du siècle: Fontanesi est de ceux-là. Son Novembre est une vue d’un paysage rural qui transfigure la donnée naturelle en recouvrant la campagne d’un voile de tristesse pensive. Il s’agit d’un paysage qui pourrait se trouver n’importe où: lorsque l’artiste travaillait à ce tableau, il se trouvait à Genève, comme nous l’apprend une lettre envoyée à son ami François-Auguste Ravier depuis les rives du lac Léman. Mais il n’y a pas de références précises dans le tableau, et Fontanesi, artiste voyageur par excellence, avait déjà exploré à cette époque les plaines de son Emilie natale, les falaises des Alpes suisses, la campagne du Dauphiné, les brumes de l’Angleterre et les douces collines de la Toscane. Il est vrai que Fontanesi, dans la lettre précitée à Ravier, parle d’un “motif Tortu”, précisant ainsi le nom de la localité, un village proche de Crémieu, près de Lyon, où l’artiste a passé l’un des séjours les plus fructueux de sa carrière: et il est probable que ce “motif Tortu” soit le novembre du GAM de Turin. Mais il est agréable de considérer ce mois de novembre comme une sorte de somme des paysages que Fontanesi, alors artiste confirmé de quarante-six ans, avait connus jusqu’alors, en attendant de nouveaux voyages qui le mèneraient jusqu’au Japon.

Plus qu’un paysage, un “enchantement”, selon Ceronetti. Dans l’abandon d’une campagne indéterminée, à la lisière d’une forêt dont les arbres ont déjà perdu presque toutes leurs feuilles et qui se perd au loin sur le flanc d’une colline, une paysanne, enveloppée dans ses vêtements de laine épaisse et rêche, le visage voûté et couvert d’un châle et d’un chapeau de paille, est assise, absorbée, sans prêter attention à ce qui l’entoure. Tout près, un agneau se dresse sur ses pattes pour brouter un arbuste. Un souffle de vent agite le feuillage, le paysage est habillé des couleurs terreuses typiques de la saison, le ciel bleu terne est voilé de nuages inoffensifs qui repoussent quelques monticules qui migrent au loin, laissant derrière eux le profil des collines qui entourent la toile de fond de la scène. Le tableau de Fontanesi, écrit Ceronetti, creuse comme un petit paradis [...], un Eden sans fleuves, de terre muette et triste rachetée par un pur sentiment de bonté, où est assise, immobile, méditative, une paysanne en chapeau de paille, une oreille de vie cruciale sur ce champ d’os végétaux, dans une humidité cosmique fumante, dans un silence absolu". Et cette paysanne ne fait pas peser sur les épaules du parent des fardeaux de souffrance: elle n’est pas la pitoyable paysanne d’un Millet, usée par les durs et ingrats travaux des champs, elle n’est pas le témoin d’une dénonciation inspirée par le réalisme. Le réalisme n’est pas absent de la peinture de Fontanesi, mais il s’agit ici d’une note paysagère, d’un détail qui accentue le sentiment de morosité et de mélancolie qui imprègne cette lande. Un détail qui introduit le dialogue fondamental que l’être humain tisse avec la nature, motif fondamental de la peinture lyrique de Fontanesi.

Une peinture lyrique: la nouveauté du Novembre de Fontanesi réside dans sa dimension sentimentale, dans la sagesse avec laquelle le peintre, peut-être le plus européen des Italiens de l’époque, en avance sur son temps, a su traduire le mois en un état d’esprit. Ce n’est pas un hasard si l’œuvre sera mieux appréciée vers la fin du siècle, au moment de la pleine affirmation de la poétique symboliste. Enrico Thovez, l’un des critiques les plus influents de son époque, a été séduit par Novembre de Fontanesi et a loué sa “caressante vaporisation argentine”: Il avait admiré le tableau lors de la quatrième Biennale de Venise, qui s’appelait à l’époque “Exposition internationale d’art de la ville de Venise”, et où Fontanesi a fait l’objet d’une rétrospective posthume qui comptait Novembre parmi les chefs-d’œuvre exposés. Selon Thovez, Fontanesi pouvait “aspirer au titre de poète de l’air et de la lumière” plus que Lorrain, plus que Turner, plus que Constable et plus que Corot, un poète “enthousiasmé par le dire de Léonard” qui, dans son célèbre Traité , avait déclaré que “la peinture est un poème qui se voit”. Giovanni Cena, lui aussi de retour de cette exposition fondamentale, avait reconnu en commun avec Corot sa capacité à transformer la réalité en “tempérament musical”. Fontanesi lui-même avait dit que s’il était né à nouveau, il aurait été musicien. Mieux vaut pour nous qu’il soit devenu peintre, pour nous qui pouvons aujourd’hui nous enchanter devant son “souffle poétique” et son “phrasé mélancolique”.pour reprendre deux expressions avec lesquelles Roberto Longhi, habituellement très peu généreux et méprisant à l’égard du XIXe siècle italien, a fixé les termes de l’art de Fontanesi, qui, parmi nos compatriotes du XIXe siècle, était l’un de ceux qu’il appréciait le plus.

C’est un hasard si Novembre se trouve encore aujourd’hui à Turin, car à un moment indéterminé il a quitté le Palazzo Reale pour retourner sur le marché des antiquités et se retrouver dans une collection privée. Il est revenu dans le Piémont en 1978, lorsqu’il est entré dans les collections du GAM avec l’héritage du collectionneur Ettore De Fornaris. Depuis lors, tout le monde peut se laisser caresser par la poésie automnale et mélancolique de Fontanesi.

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