Renoir, Van Gogh et Picasso: portraits de Détroit comparés

by Ilaria Baratta , published on 06/01/2016
Categories: Œuvres et artistes / Disclaimer

Si l’on s’imagine à côté de grands artistes comme Renoir, Van Gogh ou Picasso et qu’on leur demande comment ils s’apprêtent à peindre un portrait, on obtiendra certainement des considérations très différentes, voire antithétiques. En effet, en l’espace d’un siècle, c’est-à-dire de la seconde moitié du XIXe siècle au milieu du XXe siècle, se sont succédé différents courants et donc différentes manières de peindre, qui sont aujourd’hui très appréciées du grand public mais qui, au contraire, ont été peu acceptées en leur temps: On pense à l’impressionnisme et à l’émoi qu’il a suscité lorsque les canons traditionnels de l’art et de la “bonne peinture” ont été mis de côté au profit du sentiment de liberté que procure la peinture en plein air, avec le bruit du vent résonnant entre les houppiers et les brins d’herbe et le soleil éclatant qui réchauffe le visage et le corps du peintre. Il ne s’agit plus de peindre à l’intérieur des ateliers d’ artistes, mais directement dans le lieu qui fait l’objet de la peinture.

Cependant, les impressionnistes n’ont pas toujours représenté des paysages ou des personnages dans des paysages ; les scènes de la vie quotidienne étaient également très courantes, dans lesquelles les personnages représentés étaient pris dans des poses naturelles et décontractées, dans des actions quotidiennes et habituelles, donnant souvent à l’observateur l’impression qu’il ne se rendait pas compte qu’il était représenté, comme lorsque quelqu’un prend une photo de nous sans que nous nous en rendions compte: le résultat est d’un naturel et d’une spontanéité absolus. La Femme dans un fauteuil de Pierre Auguste Renoir, œuvre réalisée par l’artiste en 1874, année de la première exposition impressionniste, et conservée au Detroit Institute of Arts, en est un exemple. La femme aux cheveux bruns, dont une petite frange encadre le visage, apparaît dans une pose détendue, le dos complètement appuyé contre le fauteuil sur lequel elle est assise et les bras croisés sous ses seins prospères contenus par une blouse blanche qui laisse ses épaules découvertes. De son regard, elle semble pensive, absorbée dans ses pensées, ou bien elle semble écouter quelqu’un à côté d’elle: ses yeux ne regardent pas le spectateur ou l’artiste qui fait son portrait, mais vers sa gauche. La lumière qui éclaire son visage et son décolleté, ses joues légèrement rougies et ses vêtements suggèrent que le portrait a été peint par une chaude journée de printemps ou d’été.

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Pierre Auguste Renoir, Femme dans un fauteuil (1874 ; huile sur toile, 61 x 50,5 cm ; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Si nous avions demandé à Renoir comment il s’y prenait pour représenter un personnage, il nous aurait probablement répondu que son intention était de donner plus d’importance au sujet sur lequel il voulait attirer l’attention, en l’éclairant avec une lumière naturelle et en définissant plus précisément le trait, tandis que le fond était le résultat de coups de pinceau rapides et indéfinis, dans lesquels les couleurs se chevauchaient, se mélangeaient, sans contours précis, donnant une impression d’évanescence à ce qui entourait le sujet sur lequel l’observateur concentrait son regard.

Treize ans plus tard seulement, Vincent Van Gogh réalisera son célèbre Autoportrait, également conservé au Detroit Institute of Arts. C’est ce musée qui a eu l’honneur d’être le premier des musées américains à posséder un tableau de l’artiste: il s’agit de l’Autoportrait de 1887, que l’institut a acquis en 1922.

Extrait de la lettre de Van Gogh à Livens

À l’époque où l’œuvre a été achevée, Van Gogh s’était installé à Paris à l’invitation de son frère Théo, où il était entré en contact avec les impressionnistes: il admirait les nus de Degas et les paysages de Monet. Fasciné par ces artistes, il met l’accent sur la lumière et les couleurs dans ses tableaux, mais l’esprit n’est plus impressionniste: Van Gogh transmet dans ses autoportraits toute la souffrance qu’il ressent en raison de ses amours malheureuses et de ses conditions économiques défavorables. Selon une lettre écrite par Van Gogh lui-même au peintre anglais Horace Livens, qu’il avait rencontré à Anvers, faute d’argent pour payer des modèles de portraits, il se mit à réaliser de nombreux autoportraits et à peindre des fleurs: dans ces œuvres, l’artiste faisait une étude approfondie des couleurs. C’est ainsi que Van Gogh écrit, en anglais, à son ami: J’ai fait une série d’études de couleurs en peignant simplement des fleurs, des coquelicots rouges, des fleurs de maïs et des myosotys bleus, des roses blanches et roses, des chrysanthèmes jaunes - en cherchant les oppositions du bleu avec l’orange, le rouge et le vert, le jaune et le violet, en cherchant les tons rompus et neutres pour harmoniser les extrêmes brutaux ("J’ai fait une série d’études de couleurs en peignant simplement des fleurs, coquelicots rouges, bleuets et myosotis bleus, roses blanches et roses, chrysanthèmes jaunes - en cherchant les contrastes du bleu et de l’orange, du rouge et du vert, du jaune et du violet, en cherchant les tons rompus et neutres pour harmoniser les extrêmes brutaux").

Les tableaux de Van Gogh ne transmettent pas la joie de vivre impressionniste, mais sont emblématiques de son tourment et de sa solitude. Celui de 1887 est un autoportrait au miroir et son regard est fixe et interrogateur ; sur un fond indéfini, le jaune vif de son chapeau de paille et de sa barbe ressort et son visage semble sortir de la toile. Une lumière donnée donc par des couleurs vives appliquées par touches marquées et bien visibles: une particularité de la manière de peindre de Van Gogh, qui allait souvent jusqu’à presser la couleur du tube directement sur la toile.

Vincent Van Gogh, Autoportrait (1887 ; huile sur toile, 52 x 43 cm ; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Près d’un siècle après la Femme au fauteuil de Renoir, Pablo Picasso, âgé de près de 80 ans, réalise en 1960 Femme assise, aujourd’hui conservée, comme les deux tableaux précédents, au Detroit Institute of Arts. La manière de représenter et de peindre a considérablement changé: si dans le portrait impressionniste, la femme représentée était éclairée par la lumière du soleil et représentée exactement comme elle était dans la réalité, dans l’œuvre de Picasso, nous assistons à une autre révolution dans l’art ; nous sommes en plein cubisme: les formes du visage et du corps sont décomposées et recomposées de manière à pouvoir être vues en même temps sous plusieurs angles. La composition du visage de la femme dans le tableau de 1960 n’échappera à personne: pas moins de trois angles apparaissent côte à côte ! Mais aussi certaines parties, comme les mains, semblent irréelles, sensiblement disproportionnées par rapport au reste du corps.

Pablo Picasso, Femme assise (1960 ; huile sur toile, 146 x 114 cm ; Detroit, Detroit Institute of Arts)

Les couleurs utilisées par Picasso sont sensiblement différentes de celles de Renoir et de Van Gogh: alors que ces derniers privilégient les teintes claires et les couleurs vives, le premier préfère les couleurs sombres ou les tableaux presque entièrement en noir et blanc, comme dans le cas de sa Femme assise, où la seule exception est le rouge bourgogne de la robe. Les contours et les lignes sont également marqués, contrairement aux deux autres tableaux.

Des changements radicaux qui ont profondément marqué l’histoire de l’art en l’espace d’à peine un siècle. Les portraits de Renoir, Van Gogh et Picasso évoqués ici sont exposés jusqu’au 10 avril au Palazzo Ducale de Gênes dans le cadre de l’exposition “Des impressionnistes à Picasso. Chefs-d’œuvre du Detroit Institute of Arts”.

Les trois portraits en comparaison. Nous avons essayé de respecter les proportions réelles des tableaux.

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