Pourquoi voir "Van Gogh. Au seuil de l'éternité": un film pour comprendre l'extraordinaire force intérieure du peintre

"Ce film n’est pas une biographie, mais ma version de l’histoire. C’estun film sur la peinture, sur un peintre et sur leur relation", a déclaré le réalisateur Julian Schnabel lors de la 75e Mostra de Venise, où Van Gogh a été présenté en avant-première. Au seuil de l’éternité. C’est ce que l’on peut appeler le film événement de l’année, acclamé par la critique avant même sa sortie officielle en salles le 3 janvier 2019.

Julian Schnabel, le réalisateur connu pour avoir réalisé le film sur la courte vie de Basquiat il y a vingt-deux ans, est devenu le premier long métrage commercial sur un artiste réalisé par un peintre dans l’histoire du cinéma, puisque Schnabel est lui-même peintre. Cela est également évident dans l’approche avec laquelle il a décidé de faire le film sur Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890): Il ne s’agit pas d’une biographie servile qui suit littéralement la vie et les paroles de l’artiste, car un tel objectif “aurait été absurde”, étant donné la notoriété de la vie de l’artiste néerlandais, comme l’a déclaré Jean-Claude Carrière, qui a travaillé sur le scénario en collaboration avec Louise Kugelberg et Julian Schnabel, cité plus haut. Une histoire qui va de pair avec les biographies et les légendes qui entourent van Gogh et les lettres que l’artiste lui-même a écrites de son vivant à son frère Théo, avec lequel il entretenait une relation viscérale, comme tout le monde le sait et comme le film de Schnabel le laisse clairement percevoir. Du début à la fin du film, la forte passion et le dévouement de van Gogh pour la peinture sont ainsi analysés, malgré les différents déménagements de l’artiste et la maladie qui l’a frappé. Les scènes ont donc été construites sur une base évidente de réalité, mais il s’agit, comme indiqué, d’une nouvelle approche de la réalisation et du scénario d’un film sur un artiste: le spectateur verra des situations dans lesquelles van Gogh aurait pu se trouver et entendra des paroles qu’il aurait pu prononcer, mais dont il n’existe aucune trace historique.

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Le titre choisi, Au seuil de l’éternité, souligne l’état compliqué de l’artiste: Une vie consacrée à la peinture, mais confrontée à divers types de difficultés, allant des problèmes pour établir des relations interpersonnelles au désir de changer de lieu et de paysage, en passant par la dérision des autres, jusqu’à la maladie avec laquelle l’artiste s’est battu dans les dernières années de sa vie et qui l’a conduit à être admis dans un établissement psychiatrique. Une existence caractérisée par la fatigue et la passion qui ne sera récompensée qu’après la mort de l’artiste, lorsque son art commencera à être considéré et apprécié. Le final conçu par le réalisateur et les scénaristes est emblématique, dans lequel ce “seuil d’éternité” est bien énoncé d’un point de vue artistique et biographique, mais nous n’ajouterons rien d’autre pour ne pas anticiper la conclusion.

Et comme l’a dit Schnabel lui-même, le fait qu’un peintre soit derrière la caméra nous a permis de voir van Gogh d’un point de vue plus intime que dans d’autres films plus strictement biographiques: cela nous a permis de comprendre l’extraordinaire force intérieure, malgré la présence d’autres faiblesses, de l’artiste. Un dialogue sans fin entre ce dernier et l’art.

L’excellente compétence de ceux qui ont travaillé dans les coulisses du tournage du film se double d’un jeu tout aussi extraordinaire de la part des acteurs. La prestation de Willem Dafoe dans le rôle de Van Gogh est magistrale: l’acteur est célèbre pour avoir collaboré avec la plupart des plus grands réalisateurs du cinéma moderne et pour avoir participé à de nombreux projets et productions hollywoodiens ; il a également reçu trois nominations à l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle , des nominations au Golden Globe et de nombreuses récompenses cinématographiques. Pour son van Gogh, il a obtenu la Coppa Volpi du meilleur acteur à la 75e Mostra de Venise et est nommé aux Golden Globes 2019 du meilleur acteur dans un film dramatique. Dafoe était fortement souhaité par Schnabel pour ce rôle, car son physique, son imagination et sa curiosité à creuser le personnage à interpréter semblaient parfaits. Et en effet, en regardant le film, on a l’impression de se trouver devant van Gogh lui-même, tant ce rôle convient à l’acteur. La question se pose également de savoir si Dafoe a réellement peint les tableaux que l’on voit au cours du film: et oui, l’acteur a dû prendre des leçons de peinture auprès du réalisateur, car ce dernier voulait donner vie à quelque chose de concret et d’émotionnel à l’écran, une sensation qui aurait été nettement différente si, au lieu de peindre réellement, Dafoe s’était contenté d’imiter les mouvements du pinceau sur la toile.

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Le casting superlatif comprend également Rupert Friend dans le rôle de Theo Van Gogh, le frère de l’artiste, Oscar Isaac dans le rôle de Paul Gauguin, ainsi que Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Stella Schnabel, Mads Mikkelsen, Anne Consigny, Amira Casar, Vincent Perez, Lolita Chammah, Vladimir Consigny et Didier Jarre. Le film se concentre sur les dernières années de la vie de van Gogh, c’est-à-dire de 1888 à 1890, année de sa mort prématurée à l’âge de seulement trente-sept ans. En fait, le film prend comme point de départ la décision de l’artiste de quitter le climat froid et pluvieux de Paris, la ville où il s’était installé depuis février 1886 et où il vivait avec son frère Théo, pour s’installer dans le sud de la France, en Provence: l’artiste était à la recherche d’une nouvelle lumière. Là, il pourra créer des tableaux lumineux, peints à la lumière du soleil, et représenter la nature infinie qui caractérise ces lieux.

La nature est l’un des aspects les plus significatifs de la vie de l’artiste: sa ville natale, Zundert, était à l’époque une étendue inculte de marais et de landes, un hameau rural où l’agriculture était l’activité principale, et ce sont ces éléments naturalistes que van Gogh recherchait également dans ses voyages, car ils lui rappelaient ses origines et son enfance. À son arrivée à Paris, il s’était installé avec son frère à Montmartre, un quartier de la ville où l’on trouvait des petits terrains cultivés en potager et qui donnait à l’artiste un certain air de chez soi. Cependant, contre toute attente, lorsqu’il arrive en Provence, à Arles, il trouve un hiver rigoureux avec d’abondantes chutes de neige, mais le début du printemps a complètement changé le paysage: les vergers en fleurs et les vastes champs de blé ont réveillé chez van Gogh ce lien avec la nature qu’il attendait depuis si longtemps. Il fait de longues promenades à travers les champs, parmi les blés qui lui caressent le visage: il part à la recherche de points d’ observation pour s’arrêter et peindre directement sur la toile, harnaché de son chapeau de paille, de ses vêtements dépenaillés et de son matériel de peinture sur le dos ; en plus de son chevalet, il porte également un cadre de perspective. Significative dans le film est la scène où, après avoir marché inlassablement dans les champs de blé jaunes, le sourire aux lèvres et les bras tendus pour absorber toute cette nature, il s’allonge sur la terre et s’en souille le visage: une manière de ressentir pleinement son contact avec la terre.

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

Une image du film Van Gogh. Au seuil de l’éternité

En raison de ses attitudes et de son apparence plutôt étrange pour les habitants de cette partie de la France, Van Gogh est souvent moqué et ridiculisé (dans une scène même par une classe d’écoliers avec leur professeur) et les réactions de l’artiste semblent ne pas être entièrement contrôlées, à la limite de la folie. Des réactions qui lui vaudront d’être interné dans un établissement psychiatrique à Saint-Rémy-en-Provence. Celui qui se précipite pour le réconforter, comme il l’a fait tout au long de son existence, est son frère Théo, de quatre ans le cadet de l’artiste et figure fondamentale pour ce dernier: en plus d’avoir une relation très profonde et protectrice, il est parmi les rares personnes à encourager son art. Les lettres de l’artiste à Théo sont d’ailleurs célèbres, et l’on perçoit à quel point ce dernier est un véritable point de référence pour son frère. Très intense est la scène du film dans laquelle Théo arrive à l’hôpital psychiatrique où Vincent est admis, s’allonge à côté de lui dans son lit et le serre contre lui d’une manière extrêmement douce et protectrice.

Un autre personnage important dans sa vie est Paul Gauguin (Paris, 1848 - Hiva Oa, 1903), un artiste qui s’était laissé convaincre par Vincent, grâce également à la contribution de Theo, de le rejoindre à Arles: Theo verserait en effet à Gauguin 25 francs par mois tant qu’il resterait avec Vincent, en échange d’une peinture mensuelle. Gauguin arrive finalement en octobre 1888 et les deux artistes partagent l’espace de la célèbre Maison Jaune de la place Lamartine. Leur façon de peindre est différente, Gauguin recourant aux souvenirs et à l’imagination, tandis que Van Gogh part de modèles réels.

Dans les dialogues entre les deux artistes, cette différence d’ approche et de technique est abordée. Une scène du film dans laquelle Van Gogh et Gauguin se promènent parmi les arbres est consacrée à cette même dispute. Gauguin demande à son ami: “Pourquoi dois-tu toujours peindre la nature?” et l’autre répond: “Je me sens perdu si je n’ai rien à regarder. J’ai besoin de quelque chose à voir, il y a tant à voir”, répond van Gogh. Mais ce que tu peins, ce que tu fais t’appartient. Vous n’avez pas à copier quoi que ce soit“, rétorque Gauguin. Je ne copie pas. L’essence de la nature, c’est la beauté. Quand je regarde la nature, je vois clairement ce lien qui nous unit tous. Une énergie palpitante qui parle avec la voix de Dieu”, déclare Van Gogh, avant d’ajouter: "Je n’invente pas la peinture, je n’ai pas besoin de l’inventer, je la trouve dans la nature, il me suffit de la libérer. J’ai besoin d’aller dehors et de travailler pour m’oublier. Je veux perdre le contrôle, j’ai besoin de me sentir dans un état fébrile. Plus je peins vite, mieux je me sens [...] Les tableaux doivent être réalisés d’un seul geste clair. Les peintres que j’admire, Frans Hals, Goya, Velázquez, Véronèse, Delacroix, ont tous peint rapidement, d’un geste net à chaque coup de pinceau".

L’approche de Gauguin est différente: après avoir demandé à Van Gogh pourquoi il ne peignait pas ce qu’il avait en tête, ce que son cerveau voyait, il déclare: “Bientôt les peintres n’auront plus besoin de regarder des modèles, de s’asseoir et d’observer la nature, car la nature, c’est ce que nous voyons ici, dans notre tête, et rien d’autre. Sans nos yeux, il n’y a pas de nature et personne ne voit le monde de la même manière. On se souviendra des gens pour la façon dont vous les avez peints, pas pour ce qu’ils sont. Nous devons inverser la relation entre la peinture et ce que vous appelez la nature ; entre la peinture et la réalité parce qu’une réalité peinte est une réalité en soi. [...] On dirait que vous avez mis une couche d’argile sur la toile. C’est plus une sculpture qu’une peinture. Croyez-moi, il faut regarder à l’intérieur”. Le caractère difficile de Vincent incite cependant Gauguin à retourner à Paris: ils sont trop incompatibles. Face à cette décision, Van Gogh réagit en coupant une oreille pour l’offrir à son ami et le convaincre de rester avec lui. Une réaction de fou.

Cependant, même pendant la période de traitement qui suivra, il ne cessera jamais de peindre: la peinture est pour lui une sorte de thérapie. Les années sur lesquelles se concentre le film sont donc les plus riches cinématographiquement. Une succession de scènes chargées de pathos incite le spectateur à ne pas perdre le fil de la narration tout au long du film. Il s’agit d’uneœuvre cinématographique dramatique et émouvante qui se penche sur l’intériorité de l’artiste. Ce qui est peut-être le plus frappant, c’est le contraste créé entre les fragilités de van Gogh d’un point de vue humain et la grande force de l’artiste lui-même qui poursuit son art avec dévouement et passion, en dépit de l’adversité. Et je crois que c’est précisément ce que le réalisateur souhaitait transmettre à son public. "Je ne pense qu’à ma relation avec l’éternité. Mon cadeau au monde est ma peinture", a déclaré l’artiste presque à la fin de sa vie. Une prédiction qui est devenue réalité.

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