Les métamorphoses de la création et de la perception dans les nouvelles technologies de l'art

Ce texte traite du lien entre l’art et la technologie. Et je parle de la technologie qui permet véritablement la création artistique. La technologie en tant que protagoniste, compagnon et, en même temps, outil indispensable dans le processus créatif des artistes contemporains. Certaines œuvres d’art naissent de codes et de pixels, défiant l’observateur.

C’est ce dont j’ai parlé lors de la conférence que j’ai donnée en septembre dernier à Futura Seoul, une galerie d’art située à Séoul, en Corée du Sud. Dans les années 1960, Billy Klüver (Munich, 1927 - New Jersey, 2004), conservateur suédois et visionnaire, a créé Experiments in Art and Technology (EAT), un projet révolutionnaire qui réunissait des artistes, des scientifiques et des technologues. En collaborant avec les Laboratoires Bell du New Jersey, à l’avant-garde de leurs découvertes et inventions révolutionnaires, les artistes ont pu expérimenter des technologies jusqu’alors inaccessibles. Cela leur a permis d’élargir leur créativité.

J’ai rencontré Klüver pendant mes études et j’ai été influencé par son travail. Le concept était clair : si l’ingénieur avait réussi à créer l’EAT, nous pourrions développer quelque chose de similaire aujourd’hui. C’est de cette réflexion qu’est né le projet NEAT. En fait, l’idée est née après avoir assisté à une conférence inspirée par l’EAT, bien que les racines de mon intérêt se trouvent dans les écrits du sociologue Marshall McLuhan (Edmonton, 1911 - Toronto, 1980). Je cite notamment l’ouvrage de McLuhan intitulé Understanding Media (1964), dans lequel il souligne la capacité de l’art à anticiper les changements sociaux et technologiques. Selon le sociologue, l’art agit comme un système d’alerte, nous préparant aux transformations futures. L’art ne se contente pas d’être esthétique, il devient un entraînement perceptif essentiel. Toujours en 1964, l’artiste Nam June Paik (Séoul, 1932 - Miami, 2006) a construit le robot K-456, remettant en question l’idée traditionnelle de la télévision en tant que média passif. Paik a transformé la télévision en art et a utilisé les transmissions par satellite pour créer des œuvres qui relient les gens dans le monde entier. À la fin des années 1990 et au début des années 2000, j’ai rencontré Paik et ses paroles ont influencé ma pensée : Paik pensait que la technologie ne devait pas se limiter au divertissement, mais qu’elle devait devenir un outil permettant de libérer le potentiel poétique et de promouvoir le dialogue entre les cultures. Cette vision reste pertinente aujourd’hui, compte tenu des nouvelles perspectives offertes par l’internet, la blockchain, l’intelligence artificielle et la réalité augmentée. En outre, Paik a souvent souligné le potentiel de la technologie pour connecter les gens à un niveau plus profond, un objectif qui, selon lui, n’a pas encore été pleinement atteint.

Je pense que l’évolution constante de la technologie montre également que l’avenir découle souvent d’éléments hérités du passé. En 2000, j’ai organisé ma première exposition à Séoul, inspirée par Paik. À Séoul, j’ai été fasciné par les immenses écrans électroniques de la ville, une rareté à l’époque dans les métropoles européennes. En collaboration avec Paik et d’autres artistes tels que Christian Boltanski, Pipilotti Rist et Arthur Jafa, j’ai conçu une exposition qui utilisait de grands panneaux d’affichage éclectiques pour atteindre un public large et décontracté. Le résultat ? Une percée qui dépassait les limites des galeries traditionnelles. Ces années ont également été cruciales pour ma rencontre avec le scientifique Heinz von Foerster (Vienne, 1911 - Pescadero, 2002), alors déjà nonagénaire. Figure de proue de la cybernétique, von Foerster a été l’un des architectes des mouvements cybernétiques de second ordre. Sa carrière, commencée dans les années 1940, a culminé dans les années 1960 avec le développement du “second pouvoir de l’application automatique”. Un aspect clé de sa théorie est la vision de l’observateur comme élément essentiel du système, placé au centre de tout processus créatif et scientifique. Selon le scientifique, les êtres humains ne sont pas simplement des entités externes au système.

J’ai exploré ce thème dans de nombreuses expositions, mais en 2006, j’ai décidé de me concentrer davantage sur un seul institut. Auparavant, j’ai principalement travaillé avec le Musée d’Art Moderne de Paris en tant que conservateur itinérant. Depuis 2006, je suis codirectrice et directrice artistique de la Serpentine Gallery. C’est à partir de là que j’ai commencé à réfléchir à la manière d’intégrer plus profondément la technologie dans une institution artistique. Plus tard, j’ai donné une conférence TEDx à Marrakech sur le rôle de la technologie dans les musées. Après l’événement, j’ai eu une conversation avec John Nash, un expert en technologie qui s’est inquiété du manque d’intérêt des institutions culturelles pour la technologie et les musées. Cette discussion a mis en lumière une réalité claire et inquiétante : de nombreux musées n’ont pas de CTO (Chief Technology Officer), un rôle désormais indispensable dans toute organisation. Mais pourquoi ? Et quel est exactement le rôle d’un CTO au sein d’une organisation ?

Le Chief Technology Officer est chargé d’identifier, d’analyser et de présenter au conseil d’administration les technologies à intégrer dans l’entreprise, dans le but d’optimiser les processus commerciaux et de production. Comment se fait-il que toutes les entreprises disposent d’un directeur de la technologie, alors que les grands musées n’en ont pas ?

À l’époque, John faisait partie d’un groupe d’artistes, de critiques et de conservateurs à Londres : parmi eux se trouvait Ben Vickers, un technologue visionnaire, ainsi que d’autres artistes, écrivains et esprits brillants. Il est rapidement devenu évident que Vickers, avec sa solide expérience et son désir d’introduire la technologie dans les institutions, était la personne idéale pour le rôle de directeur technique. D’abord invité par moi à assumer le rôle de conservateur de la technologie, il a ensuite été nommé directeur de la technologie, avec pour mission de créer un département dédié.

Deux objectifs ont été fixés : le premier était d’avoir un directeur de la technologie. Le second objectif était de créer un département doté d’une autorité propre. Aujourd’hui, le département compte six membres, dont cinq conservateurs numériques, et une structure chargée d’organiser des expositions et des événements. Ma vision vise à une intégration harmonieuse de la technologie et de l’art, en évitant le cloisonnement. Chaque exposition incorpore des éléments numériques, comme en témoigne ma collaboration de dix ans avec l’artiste Refik Anadol (Istanbul, 1985), expert en intelligence artificielle. Aujourd’hui, les œuvres de divers artistes conceptuels transforment les galeries en écosystèmes immersifs. Les images naissent de l’activité cérébrale de personnes invitées à imaginer des scénarios spécifiques et sont continuellement remodelées par l’interaction avec les visiteurs. Dans ce contexte, contrairement aux expositions traditionnelles, où les objets restent statiques dans l’espace et manquent de dynamisme, les œuvres d’art deviennent des organismes vivants capables de répondre et de s’adapter au système contemporain. Depuis 2012, nous avons créé le département Art et Technologie à la Serpentine, qui emploie désormais cinq conservateurs. Cela nous permet de travailler et de montrer l’intelligence artificielle et de développer des jeux vidéo. Parmi les exemples récents, citons Gabriel Massan, sous la direction de Tamar Clark Brown, et The Call de Holly Herndon et Matt Dryhurst, sous la direction d’Eva Jager.

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