Les grands artistes se représentent eux-mêmes

Qu’est-ce que cela signifiait pour les grands artistes de faire un portrait d’eux-mêmes? Découvrez-le dans cet article publié dans Cultura Colectiva et écrit par Mariana Aguilar Tiquet. Ilaria l’a traduit pour vous ! Voici le lien vers l’article original.

Si nous devions essayer de définir ce qui rend l’être humain si spécial, nous pourrions dire la capacité créative ; tout ce qui a trait à l’art et qui restera comme un témoignage de l’humanité. La capacité d’observation et d’analyse, ainsi que la créativité et l’imagination, ont permis à l’homme de créer de grandes œuvres qui nous inspirent et nous motivent à exprimer notre moi intérieur, à transformer ces pensées qui nous tourmentent pendant la nuit ou qui nous font rêver et voler pendant la journée.

C’est pourquoi, au fil des ans, certains artistes ont utilisé le pinceau comme un outil pour voler. Les traits sur le papier deviennent le moyen d’extérioriser ce qui se trouve au plus profond de leur esprit et de leur cœur.

Pour de nombreux artistes, la peinture est devenue le moyen de trouver la paix, en particulier pour les grands génies qui n’ont pas été pleinement compris et dont la vie n’a pas été stable. C’est le cas de Frida Kahlo et de Van Gogh, qui ont cherché à se réfugier dans une toile blanche tout au long de leur vie pour y cacher leurs souffrances et leurs maux.

Pour s’analyser soi-même, l’autoportrait est un excellent exercice ; un exercice d’analyse profonde qui montre les aspects positifs d’une personne, mais révèle aussi ses côtés sombres, là où la lumière semble ne pas pénétrer. Au fil du temps, l’autoportrait a été réalisé par différents artistes comme un exercice intérieur et extérieur. Voici quelques-uns des autoportraits réalisés par de grands artistes.

Léonard de Vinci
Cet autoportrait réalisé vers 1512 est l’un des plus célèbres de tous les temps, ainsi que l’un des dessins les plus connus de Léonard de Vinci. Il est en sanguine et mesure 33 cm x 21,3 cm. Bien qu’il n’ait jamais été achevé, puisque certaines parties de la partie supérieure et d’autres de la barbe sont manquantes, les détails sont d’une grande finesse. De plus, on peut comprendre comment l’artiste se voyait: on peut presque la comparer à l’image d’un philosophe, qui à l’époque était représenté avec une longue barbe et des yeux révélant la sagesse sous d’épais sourcils. L’âge de Léonard (environ 60 ans) est également visible dans l’œuvre. Il s’agit du seul autoportrait de l’artiste, conservé à la Bibliothèque royale de Turin, en Italie.

Vincent van Gogh
S’il est un artiste qui s’est représenté plusieurs fois, c’est bien Vincent van Gogh: on dénombre 43 autoportraits, entre peintures et dessins, réalisés sur une dizaine d’années. Comme il l’a lui-même déclaré, il recherchait “une ressemblance plus profonde que celle obtenue par un photographe”. Dans cet autoportrait de 1889, Van Gogh s’est représenté vêtu d’une veste et non de sa blouse de travail habituelle. De plus, tout se concentre sur son visage ; les yeux sont émaciés et des cernes apparaissent en dessous, révélant un regard anxieux et pénétrant. Contrairement aux autoportraits réalisés à Arles entre 1888 et 1889, ce tableau de 1889 réalisé à Saint-Rémy montre son profil gauche et non son profil droit. Cet autoportrait, considéré comme le dernier de l’artiste, est conservé au musée d’Orsay à Paris.

Rembrandt
“On dit, et je le crois vraiment, qu’il est difficile de se connaître soi-même. En revanche, il est évident de se représenter. Les portraits de Rembrandt dépassent la réalité, ils frôlent la révélation”, disait van Gogh en parlant du peintre et de son autoportrait. Comme Vincent van Gogh, Rembrandt a réalisé un grand nombre d’autoportraits: une centaine de peintures et de dessins. Cette peinture à l’huile a été réalisée en 1652 et montre le peintre dans une position frontale, les mains sur les hanches, ce qui témoigne de sa confiance et de son assurance. Le tableau se trouve au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Frida Kahlo
Frida Kahlo est l’un des plus grands représentants de l’art mexicain. Avec plus de 200 œuvres, la peintre mexicaine a choisi le portrait comme forme d’expression de ses sentiments et de ses peines les plus profonds. L’œuvre Les deux Fridas a été créée en 1939 et montre les difficultés de son mariage avec Diego Rivera. Habillée en tehuana (ndt: originaire de Tehuantepec, Mexique), une Frida représente ses racines mexicaines, tandis que l’autre représente ses racines européennes. Les cœurs des deux femmes sont reliés par une veine, tandis que la partie européenne saigne. Cet autoportrait est la première œuvre de grande envergure de Kahlo.

Francisco Goya
Goyaassisté par le docteur Arrieta a été peint par Goya en 1820. Dans ce tableau, l’artiste évoque la maladie dont il a souffert en 1819 et qui a été traitée par le docteur Eugenio García Arrieta. On voit clairement l’agonie et la maladie de l’Espagnol ; derrière lui, le médecin lui offre de l’eau. À l’arrière-plan se trouvent des visages de femmes qui pourraient représenter les Parques. Le tableau montre également son admiration pour la science, caractéristique de la bourgeoisie du XIXe siècle. Il se trouve aujourd’hui à l’Art Institute of Minneapolis.

Diego Velázquez
Diego Velázquez est l’un des plus grands représentants de la peinture baroque espagnole. Nommé peintre du roi Philippe IV, il consacre la plupart de ses tableaux à la cour. Le buste de son autoportrait, réalisé vers 1640, avec celui de Las Meninas, est le seul autoportrait du peintre qui nous soit parvenu. Le tableau a été au centre d’un débat sur son authenticité, mais après sa dernière restauration en 1986, il a été conclu qu’il s’agissait d’un original. Il se trouve aujourd’hui au Museo de Bellas Artes à Valence.

Jan van Eyck
LePortrait d’un homme au turban est une peinture à l’huile réalisée en 1433 par le peintre flamand Jan van Eyck. Elle a conservé son cadre d’origine et la partie inférieure indique “JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC.33. 21. OCTOBRIS” (“Jan Van Eyck m’a fait le 21 octobre 1433”). Contrairement à ce que l’on pourrait croire, il ne porte pas de turban, mais une sorte de capuchon. Cette œuvre est considérée comme l’une des meilleures du peintre flamand et se trouve à la National Gallery de Londres depuis 1851.

Pablo Picasso
Le peintre et père du cubisme est considéré comme l’un des artistes les plus impliqués dans différents mouvements artistiques. Peu avant ses vingt ans, Picasso arrive à Paris, la ville qui l’inspire et où il commence à s’intégrer à la vie de bohème. Entre les prostituées et l’alcool, il façonne un environnement mélancolique avec des tons fantasmagoriques et des figures pâles. Nous sommes au début de la “période bleue”: cet autoportrait est l’une des premières œuvres de cette période. Réalisé en 1901, peu après le suicide de Carlos Casagemas (ndt: Casagemas était un peintre et poète, ami de Picasso, qui s’est suicidé par amour lors d’un séjour des deux artistes à Paris en 1901), le tableau montre le calme de l’homme représenté, l’austérité du travail et le style bohème de l’époque. Il se trouve au musée Picasso à Paris, en France.

Eugène Delacroix
L’Autoportrait au gilet vert est une huile sur toile peinte en 1837. On remarque la bonne utilisation de la couleur par l’artiste français, ainsi que la qualité du trait. Delacroix a déclaré qu’à travers la peinture, un pont est établi entre deux âmes: celle du personnage représenté et celle de l’artiste. Dans ce cas, il s’agirait d’une analyse de Delacroix lui-même, une manière d’extérioriser son intériorité.

Salvador Dalí
L’Autoportrait cubiste a été réalisé par Dalí en 1923. Il s’agit d’une huile et d’un collage sur carton collé sur bois. Au cours des années 1920, Dalí s’est plongé dans le cubisme, créant de grandes œuvres qui illustrent cette étape de sa vie. Dans cet autoportrait, le visage de Dalí est au centre du tableau, entre les lignes abstraites qui occupent une grande partie de l’œuvre. L’œuvre est conservée au musée Reina Sofía en Espagne depuis 1990.

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