La peinture de Nicola Bolla, des peintures pigmentaires aux peintures LP

Tout le monde connaît For the love of God, le crâne couvert de diamants que Damien Hirst a exécuté en 2007 et qui a été salué et acclamé dans le monde entier. Mais combien connaissent l’artiste qui l’a probablement inspiré ? Il faut se tourner vers le Piémont, où travaille Nicola Bolla, qui, avec son Skull de 1997, un crâne entièrement recouvert de cristaux Swarovski, a précédé Hirst d’exactement dix ans. Ceux qui veulent se plonger dans son art découvriront une production qui regorge de crânes, de squelettes et d’os scintillants qui rappellent à l’observateur la finitude de notre vie terrestre. Il s’agit de vanités qui trouvent leurs racines dans l’art des XVIe et XVIIe siècles, une source à laquelle l’œuvre de Nicola Bolla a toujours puisé: on pense immédiatement aux horribles memento mori de Jacopo Ligozzi, qui plaçait des têtes en décomposition sur des étagères remplies d’or et de bijoux. Bolla remplace les bijoux de Ligozzi par un autre symbole de l’éphémère, les strass Swarovski: le résultat est une vanité pop capable de parler à un public contemporain, à un public qui semble avoir écarté l’idée de la mort de son horizon idéal, et ce bien que nous soyons, paradoxalement, dans ce que le sociologue Michael Hviid Jacobsen a appelé “l’ère de la mort spectaculaire”, c’est-à-dire une ère où la mort est continuellement spectacularisée mais où il est difficile d’en parler de manière significative et profonde (selon les termes de Jacobsen, “la mort aujourd’hui semble être un spectacle, mais il est difficile d’en parler de manière significative et profonde”): “la mort semble aujourd’hui être un spectacle auquel nous assistons à bonne distance, mais sans jamais nous en approcher suffisamment pour nous familiariser avec elle”).

Les vanités sont parmi les œuvres les plus connues de Nicola Bolla qui, au fil des ans, a expérimenté les supports les plus divers, réussissant surtout avec les cartes à jouer, un autre matériau qui incarne l’idée de fragilité et avec lequel Bolla a continuellement produit des crânes, des animaux, des mandalas hypnotiques, introduisant dans son art l’idée de la sérialité inhérente au Pop Art, auquel il a contribué. inhérente au Pop Art, auquel l’œuvre de Bolla a été comparée, bien que les similitudes concernent surtout les outils et les modalités (notamment celle de l’ironie, qui imprègne toujours les œuvres de Bolla, souvent caractérisées par une attitude ludique à l’égard de la réalité, un aspect qui a déjà été exploré en détail dans ces pages). L’approche est cependant plus omnivore: Bolla ne se contente pas d’observer les symboles et les icônes de la société de consommation pour se les approprier, ni d’incorporer des éléments de la culture populaire dans son travail. D’autant que ce n’est pas toujours le cas: les sujets de ses œuvres puisent en effet dans le répertoire pop (pensez, par exemple, aux microphones du Rêve d’Orphée, l’œuvre qu’il a apportée au pavillon italien de la Biennale de Venise 2009), mais ils se tournent aussi vers l’art ancien, vers des cultures lointaines. On pourrait donc dire que Nicola Bolla a plutôt le regard curieux et ouvert du collectionneur du XVIIe siècle qui partait à la recherche des objets les plus étranges et les plus bizarres, pêchant dans l’univers de la nature ou parmi les artifices les plus insolites produits par le flair de l’être humain: lui-même, fasciné par l’ancienne Wunderkammer, est un collectionneur passionné d’objets antiques singuliers. Et sa production porte également de nombreuses traces de ces intérêts variés et multiformes.

Nicola Bolla a commencé très tôt sa carrière artistique, qu’il a poursuivie parallèlement à sa carrière médicale (il est non seulement un artiste à succès, mais aussi un ophtalmologue reconnu). Enfant de l’art, il s’est formé tout seul, en se nourrissant de ce qu’il voyait autour de lui: les œuvres de son père Piero (qui, toutefois, rappelle Nicola, ne lui a rien appris et ne lui a pas transmis les premiers rudiments techniques), les œuvres des artistes piémontais du povera (à commencer par Giuseppe Penone, une référence), les œuvres antiques qu’il admirait dans les expositions et les musées. Il commence à exposer au début des années 2000, partageant son temps entre l’Italie et New York, où ses œuvres avec des cristaux Swarovski sont très appréciées (sur les rives de l’Hudson, Bolla a réalisé quatre expositions personnelles et dix participations à des expositions collectives: qui sait si Hirst était dans le public). Entre 2007 et 2009, c’est la consécration définitive avec une série de succès consécutifs: d’abord l’exposition personnelle chez Sperone à New York, puis la participation à la 13e Biennale de sculpture à Carrare, et enfin, en 2009, la “convocation” pour le pavillon italien de la Biennale de Venise. Et toujours avec des cristaux: à New York, une cellule de prison brillante avec laquelle Bolla a invité le public à “réfléchir sur un monde construit autour de la beauté et de l’apparence des objets”, bien que “les bijoux cachent un profond sentiment de mélancolie” (comme l’a écrit Alberto Fiz à cette occasion). Alberto Fiz), à l’église Vanitas de Carrare, un crâne Swarovski coiffé d’un chapeau de cardinal, et à Venise, le Rêve d’Orphée déjà cité, les microphones qui deviendront par la suite ses œuvres les plus célèbres. Le début de la carrière de Nicola Bolla est cependant placé sous le signe de la peinture. Et c’est vers la peinture qu’il faut se tourner si l’on veut voir un Bolla plus renfermé et plus intime. Et aussi moins connu: contrairement à ses sculptures, ses peintures et papiers ont rarement été exposés, alors que l’artiste n’a jamais cessé de se consacrer à la peinture et que son œuvre sur toile, sur bois, sur papier (et ailleurs) a aujourd’hui atteint une taille considérable.

Nicola

Nicola Bolla,

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La peinture de Nicola Bolla conserve également des traces de ses réflexions sur la fugacité de l’existence. "La pensée de la fragilité, écrit Gabriella Serusi à propos de Vanitas Church, de l’impermanence de l’existence humaine, de la vanité insensée qui préside à de nombreuses actions et à la vie quotidienne dites “civilisées”, est réifiée et réduite à un objet tout court. Avec un décalage ironique, suivant à certains égards une logique paradoxale, Bolla confie précisément à l’œuvre d’art - porteuse naturelle des valeurs de beauté, de richesse, de vanité superflue - la tâche de rétablir un nouvel ordre moral, de dicter de nouveaux paramètres de jugement valables pour s’orienter dans l’univers des biens matériels et immatériels". Le raisonnement pourrait facilement s’appliquer aux peintures, en premier lieu les Pigments Paintings et les Pigments Papers, œuvres sur toile et sur papier avec lesquelles l’artiste travaille sur des images tirées du répertoire le plus quotidien et, si l’on veut, même le plus banal: l’image de départ, généralement une photographie, est une image qui n’a rien d’extraordinaire. Un couple assis sur un banc, un ananas, une fleur, un personnage de bande dessinée. Mais il y a aussi des têtes de cardinaux à la Bacon: dans l’univers de Bolla, il n’y a pas de hiérarchie, pas d’échelle de valeur. Tous les sujets ont la même valeur parce qu’ils appartiennent au même monde. Bolla commence alors à travailler son sujet par soustraction pour parvenir à la déconstruction, transformant l’image avec des couleurs vives, souvent violentes, la rendant de plus en plus méconnaissable: dans certaines œuvres de la série, le sujet est plus facilement perceptible, dans d’autres, il devient difficilement identifiable. Le même sujet est en effet souvent répété plusieurs fois: comme nous l’avons déjà dit, la sérialité est l’une des dimensions de l’art de Nicola Bolla (la répétition ne l’est pas: Bolla déteste se répéter, sa production est extrêmement variée). Il en résulte des fonds de pigments purs et de paillettes sur un sol neutre, qui permettent au spectateur d’ouvrir son regard sur un univers transfiguré, avec des objets humbles et banals qui perdent en partie le contact avec la réalité quotidienne dont ils sont issus et se transforment en élégies contemporaines nubiles, devenant des icônes ternes et lointaines de notre vie quotidienne, et en même temps des images semblables à celles des souvenirs. Plusieurs œuvres de la série, à commencer par celles sur les personnages de dessins animés pour enfants, nous ramènent à l’imaginaire de l’enfance: Bolla ne cache pas qu’il a manifesté son penchant pour l’art lorsque, enfant, il préférait fabriquer ses propres jouets.

Ceux qui ont le plaisir de parler avec Nicola Bolla de ses peintures au pigment parleront également avec un artiste très fier de la technique qu’il a mise au point pour garantir la durabilité et la résistance des images. L’exemple le plus immédiat est peut-être celui d’Yves Klein, qui a développé une nuance de bleu intrigante, son IKB (International Klein Blue), éblouissante et profonde, brillante et métaphysique, vibrante et excitante, un bleu qui lui a permis de s’exprimer avec une liberté qu’il n’aurait peut-être jamais trouvée autrement. L’aspect négatif du pigment breveté est cependant sa fragilité: les œuvres monochromes de Klein sont difficiles à conserver, car le liant avec lequel l’artiste fixait la couleur ne garantissait pas une protection optimale, et la finition opaque du pigment est très facile à rayer et à estomper. En d’autres termes, si vous frottez une peinture de Klein, même pas trop fort, il est possible que des traces de bleu restent sur vos mains. Pour s’en convaincre, il suffit de demander à n’importe quel restaurateur qui s’est occupé de ses œuvres. Mais ce problème n’est pas propre aux œuvres de Klein: il concerne tous les peintres qui travaillent avec des pigments purs. Au contraire, Bolla revendique l’invention d’un mélange qui évite l’abrasion indésirable: ses couleurs ont une durabilité extraordinaire. Même sur le plan technique, explique-t-il, il a toujours cherché à être original. “Je me suis toujours placé honnêtement par rapport à l’art”, me dit-il, et pour lui, cela a signifié “trouver une voie personnelle, autonome, indépendante”, y compris en termes de technique. C’est ainsi que sont nées les Pigment Paintings.

Les paillettes qui rendent les œuvres de la série séduisantes, rayonnantes et presque glamour renforcent la portée allégorique de ces œuvres: les paillettes des cosmétiques font allusion, par leur nature même, à la superficialité et au luxe, et les Pigments Paintings, sous ce ruissellement continu de poudre colorée, deviennent presque des avertissements qui nous rappellent la nature éphémère de nos vies. C’est d’ailleurs l’exact pendant pictural du cristal de Swarovski, non seulement en raison de l’imagerie qui lui est associée, mais aussi parce que, comme Swarovski, la paillette est une invention, un matériau artificiel (les cristaux de Swarovski ont été inventés par Daniel Swarovski en 1862, les paillettes par Henry Rushmann dans les années 1930 et 1940). Parfois, le memento mori est également mis au jour, car des squelettes se trouvent souvent parmi les sujets de la série. Il en résulte des projections du monde intérieur de l’artiste, qui ressent le besoin de transformer ses réflexions sur le monde extérieur, sur la réalité qui nous entoure, en objets. Dans les Pigment Paint ings, on trouve également des références aux artistes qui constituent le contexte dans lequel évolue l’art de Nicola Bolla: L’ironie substantielle qui n’abandonne jamais son travail trouve une consonance naturelle dans l’œuvre de l’artiste turinois Aldo Mondino (dont la production regorge de tableaux avec des figures qui se détachent sur des fonds plats comme ceux de Bolla), et il y a même parfois des références assez explicites aux Poveristi (l’étoile à cinq branches, trait distinctif de la recherche d’un autre grand artiste piémontais, Gilberto Zorio, revient dans les Pigment Paintings ), tandis que la procédure peut être comparée à celle des artistes américains du pop art. Dans la manière de travailler de Bolla, a écrit le philosophe Roberto Mastroianni, “il y a un geste héritier de la meilleure tradition pop italienne et américaine, qui, dans l’appropriation artistique d’éléments communs, quotidiens et banals, les transfigure et les projette dans une dimension supérieure, aliénante et parfois métaphysique”.

Dans ses peintures, Nicola Bolla poursuit cette opération de transfiguration du banal qui sous-tend sa production sculpturale et qui implique la construction d’un monde propre, un monde qui n’appartient qu’à lui. Une idée empruntée à une grande partie de l’art du XVIIIe siècle, un siècle au cours duquel de nombreux peintres ont eu tendance à construire des réalités parallèles tout en utilisant les mêmes éléments que la réalité réelle: pensons à l’art de Giambattista Tiepolo, qui avait l’habitude de créer des mondes fictifs sur les murs qu’il peignait à fresque pour ses clients, des mondes dans lesquels l’ironie devenait le moyen privilégié de faire allusion à ce qui restait inévitablement à l’extérieur du tableau. On retrouve donc dans les Pigment Paint ings la même veine désacralisante et ironique qui caractérise les sculptures de Nicola Bolla. Le même regard curieux et sournois qui anime les œuvres réalisées avec des cristaux Swarovski ou des cartes à jouer. Mais ses peintures sont également empreintes d’une dimension lyrique qu’il est difficile de trouver dans les sculptures, qui sont des présences solides et lumineuses, des objets dans l’espace. Les images peintes prennent l’aspect de visions oniriques, elles rappellent la forme indéfinie et évanescente de ce que l’on voit en rêve, elles sont fugaces et fluides comme les souvenirs, elles ont le caractère éblouissant et soudain des sensations lumineuses qui s’impriment sur la rétine pendant quelques secondes. Les vanités de Bolla, une fois sur toile et sur papier, deviennent des poèmes peints.

Nicola Bolla

Nicola Bolla,

Nicola Bolla, Sans titre (pigments

Nicola Bolla, Sans titre (pigmentssur papier)

aux pigments dans l’de Nicola Bolla

aux pigments dans l’atelier de Nicola

aux pigments dans l’atelier de Nicola

aux pigments dans l’atelier de Nicola

Détails desaux pigments de Nicola

desaux pigments de Nicola Bolla

Ce caractère évocateur se retrouve également dans les LPs peints, pochettes de disques 33 tours, tous au même format (le 30 par 30 qui était d’ailleurs cher à Andy Warhol qui, comme l’artiste piémontais, travaillait souvent sur des pochettes de vinyles), sur lesquels Nicola Bolla travaille depuis quelque temps pour transformer l’image de départ en une nouvelle vision qui efface souvent complètement le sujet de la pochette de l’album. Dans une pièce de son atelier s’entassent des dizaines, voire des centaines de disques sur lesquels l’artiste a travaillé en réécrivant leur pochette. Exit les titres, exit les noms des auteurs (tout ce qui est écrit est systématiquement effacé: seule l’image pure doit rester), exit souvent même ce qui figurait sur la pochette. L’idée est de réinventer non seulement l’œuvre de départ en créant une nouvelle couche, mais aussi de décontextualiser complètement l’objet: ceux qui le veulent en tireront peut-être une suggestion musicale différente (il est impossible, après tout, de comprendre qui était l’auteur à partir de la nouvelle image), ceux qui le veulent imagineront tranquillement une dimension de silence, de vide, de fragilité. Même avec ce procédé, avec un détournement typiquement situationniste dans ce cas, on en revient donc à la réflexion sur la vanité qui agit à travers l’oxymore déclenché par l’intervention de l’artiste.

Et si l’opération de réécriture d’une pochette d’album peut paraître simple, presque prévisible, la référence est très élevée: On pense aux Modifications d’Asger Jorn, ces interventions par lesquelles le grand artiste danois modifiait littéralement de vieilles peintures décoratives de la fin du 19ème ou du début du 20ème siècle qu’il achetait aux puces pour quelques centimes, pour créer une nouvelle réalité parallèle, désacralisante, pour ouvrir de nouvelles possibilités esthétiques basées sur la spontanéité, tout comme les œuvres de Nicola Bolla sur les pochettes de vinyles sont spontanées et immédiates. Les Modifications d’Asger Jorn, écrit Daniele Panucci dans ces pages, sont “une addition virtuose, dont la puissance est amplifiée par le double registre et le niveau de peinture tantôt harmonieux, tantôt dissonant, et certainement pas une opération de désacralisation de l’image elle-même ou de son créateur (souvent) anonyme ou inconnu: la critique ne s’adresse qu’à la société, aux institutions, à la bourgeoisie et au regard qu’ils portent sur l’art et son marché”. Il en va de même pour les disques de Nicola Bolla. Les vinyles ne sont pas enlevés: ils font partie de l’œuvre. Il y a des œuvres d’artistes célèbres, et il y a des œuvres de musiciens inconnus de la plupart des gens, ou qui n’ont vécu qu’une saison: l’action de Nicola Bolla, en ce sens, ne nie pas l’objet de l’intervention, tout comme les ratures d’Emilio Isgrò ne nient pas les mots sur lesquels elles pleuvent. Au contraire, l’image de Nicola Bolla est comme un germe, c’est la vie qui jaillit d’une autre œuvre, dont la valeur est peut-être même soulignée, bien que l’artiste se désintéresse du contenu musical. De plus, c’est une façon de voir l’œuvre d’un autre point de vue: Bolla aime comparer sa façon de voir la réalité à celle des musiciens qui avaient l’habitude d’enregistrer sur la face A la chanson la plus commerciale, le tube que tout le monde écoutait, et laissaient sur la face B la chanson la plus difficile, mais la plus sincère, la plus intéressante. Transformer les images signifie, pour Nicola Bolla, suivre la face B des choses, la face la moins visible mais, selon lui, la plus significative en termes de pensée créative.

Selon Nicola Bolla, un bon artiste est celui qui est capable de donner à ceux qui l’entourent sa vision du monde, en soulignant qu’il existe de nombreux points de vue différents, même en regardant la même image. Ses œuvres picturales doivent être lues sur la base de cette hypothèse, qui a toujours accompagné l’artiste depuis qu’il a commencé à peindre. Aujourd’hui, Nicola Bolla est surtout connu pour ses sculptures, mais il se souvient lui-même qu’il a commencé à peindre bien plus tôt (ses premières peintures datent de 1984) et qu’il est devenu sculpteur presque par hasard, parce qu’un designer de Turin l’a invité à une exposition de sculptures et l’a mis au défi de faire de la sculpture. Mais sa vocation première est restée, et reste peut-être encore, celle d’un peintre: ses débuts ont été marqués par de petites œuvres sur carton, d’abord inspirées par les bandes dessinées (en particulier les comics Marvel, pour lesquels Bolla a toujours nourri une forte passion), puis élargissant son regard à l’ensemble de la réalité qui entourait l’artiste. Ces petites bandes dessinées caractérisent toute la carrière de Bolla ; ce sont des œuvres intimes, avec lesquelles l’artiste se mesure à l’invention et pas seulement au sujet. Une sorte d’exercice, non standardisé, qui au fil des années a donné lieu à une longue histoire: les petits formats de Bolla sont autant de fragments de la mosaïque de sa vie.

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Nicola Bolla

Nicola Bolla

Nicola Bolla,

Nicola Bolla

de Nicola Bolla

Œuvres sur cartonNicola Bolla

Œuvres sur cartonNicola Bolla

Œuvres sur cartonNicola Bolla

Travaux sur cartonNicola Bolla

Une mosaïque qui n’a cependant jamais quitté son atelier dans son intégralité. Le public, on l’a dit, connaît surtout l’œuvre sculpturale de Nicola Bolla. Son œuvre picturale, en revanche, est toujours restée en marge, mais le rêve de l’artiste est d’organiser, tôt ou tard, une grande exposition réunissant l’ensemble de sa production picturale, une exposition au cours de laquelle il sera possible de dérouler le fil de quarante ans de peinture, une exposition à partir de laquelle il sera possible de percevoir quel a été le “processus d’évolution”, comme l’appelle Bolla lui-même, qui a soutenu son art. Un fil que l’on ne peut actuellement voir qu’à l’intérieur de son atelier, à la périphérie de Turin. Mais Nicola Bolla a toujours cru en sa peinture, parce qu’elle est une partie essentielle de son parcours artistique. En effet, c’est la partie la plus intime et peut-être aussi la plus sincère de son œuvre. Bien entendu, l’artiste n’a pas de scrupules à l’égard de sa sculpture, notamment parce que son approche de cet art a toujours tenu compte de la peinture: il s’agit d’une sculpture “peinte”, pourrait-on dire, avec des solutions techniques qui tentent de franchir les frontières entre l’un et l’autre art. Il a été mentionné plus haut, par exemple, que les paillettes dans la peinture sont le pendant du Swarovski dans la sculpture, mais même les figures qui émergent des fonds plats conservent une évidence monumentale qui rappelle les œuvres sculpturales, alors que si l’on pense aux sculptures avec des cartes à jouer, le point de départ est toujours un support bidimensionnel, plat comme une peinture. La sculpture, elle, conserve une malia différente: elle est plus séduisante, plus proche du goût du public, peut-être parce qu’elle est plus spectaculaire, plus théâtrale. C’est ainsi qu’elle a atteint les honneurs de la célébrité avec une immédiateté que la peinture n’a pas eue. Mais Nicola Bolla n’a jamais abandonné la peinture. Et tôt ou tard, il sortira de son atelier avec conviction.

En visitant son atelier, Nicola Bolla me dit qu’à son avis, l’intimité crée parfois des problèmes d’interprétation: il n’est pas sûr que l’intériorité de l’artiste corresponde à celle du collectionneur, il n’est pas sûr que le public se retrouve dans ce que l’artiste pense et exprime à travers ses tableaux. La conséquence de ce décalage, pourrions-nous dire, réside dans le comportement du public: ce n’est pas un mystère que les personnes qui achètent des œuvres d’art recherchent souvent des peintures d’intérieur. Nombreux sont ceux qui achètent des œuvres d’art comme s’ils achetaient un rideau, comme si les œuvres faisaient partie de la tapisserie. Il n’y a rien de mal, bien sûr, à rechercher une peinture plus décorative. Selon Nicola Bolla, la fonction d’une œuvre d’art est cependant différente. L’œuvre est le moyen par lequel l’artiste exprime sa vision du monde. Et selon Nicola Bolla, il y a encore beaucoup à dire, surtout en peinture. Même si beaucoup de peintres disent que tout a déjà été inventé et que tout a déjà été fait“, avoue-t-il, ”je pense qu’il y a encore beaucoup d’espace pour l’expression artistique. Même la peinture peut encore avoir des espaces d’innovation. Le problème principal est autre: il faut avoir quelque chose à dire. Il ne s’agit pas tant d’inventer de nouvelles technologies, mais d’être capable de dire quelque chose: tel devrait être le point de recherche de tout artiste".

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