La peinture de Matteo Pannocchia, entre lenteur et légèreté

Selon la vision bouddhiste, la loi fondamentale de l’univers trouve sa manifestation dans chaque être vivant. “Toutes les formes de vie”, dit Daisaku Ikeda, qui compte parmi les maîtres bouddhistes les plus influents de notre époque, “ne sont pas des éléments isolés, mais sont intégrées à la force vitale cosmique. En d’autres termes, la partie est le tout et le tout est la partie. Les êtres humains et la nature non humaine font partie intégrante de la même force vitale cosmique. Ils sont uniques dans leurs caractéristiques individuelles et forment un tout en termes de symbiose. Ils sont inséparablement liés”. L’écho des philosophies et des spiritualités orientales se répercute dans la production picturale de Matteo Pannocchia, un jeune artiste de Leghorn qui a mûri une vision, une reconnaissance et une conscience de ses propres moyens à l’âge de trente ans, au terme d’un parcours erratique et tortueux, consacré à l’expérimentation, mais cohérent dans son absence apparente de linéarité. Pannocchia, né en 1990, a suivi une formation à l’Institut d’art de Pise, où il a étudié le graphisme, puis s’est tourné vers la peinture, avant de la mettre de côté, d’y revenir et de l’étudier en profondeur à l’Académie des beaux-arts de Carrara.Académie des Beaux-Arts de Carrare d’abord, puis de Bologne, puis il se remet à faire autre chose, décide de développer en parallèle des projets ouverts sur des fronts complètement différents (il est aussi musicien, et avec son alter ego De Skape Studio produit des beats qui s’inspirent du hip hop, de la soul et de l’ambient music : Inutile de dire que ses morceaux sonnent comme des traductions de ses peintures en notes). La flamme de la peinture, cependant, continue de brûler. On ne peut pas l’apprivoiser, on ne peut pas l’éteindre. C’est ce qui arrive à tout vrai peintre. Et depuis au moins deux ou trois ans, l’artiste livournais connaît une période de productivité abondante et brillante.

Matteo Pannocchia fait remonter les origines de sa peinture à Notorious B.I.G. : la musique rap a toujours fait partie de ses auditeurs et il a donc choisi de dédier le premier tableau de sa carrière à l’un des rappeurs les plus importants de l’histoire, au maître de la scène hip-hop de la côte est des années 1990, qui a été tué alors qu’il avait encore 27 ans. La petite toile à partir de laquelle tout a commencé se trouve toujours dans le studio de Cobweb, quelque peu cachée : il s’agit d’un portrait basé sur ce qui est peut-être la photographie la plus célèbre de Notorious B.I.G., le cliché de Barron Claiborne qui le saisit de face, quelques mois avant sa mort, le regard sombre mais terne, la chaîne en or autour du cou, sur la tête la couronne placée “sur ses vingt-trois ans”, comme on l’aurait dit il y a quelques décennies. Pannocchia adoucit les tons de la photographie, nettoie, estompe, dilue tout, répandant sur l’image du rappeur une patine opaque qui le fait apparaître à la fois plus humain et plus lointain, une sorte de fantôme. C’est le premier travail déclaré de Matteo Pannocchia, une répétition, un test, peut-être réalisé sans même y avoir réfléchi : Pourtant, on peut déjà entrevoir l’évolution de sa peinture, faite de tons opaques et tamisés, de compositions évanescentes et nébuleuses, de signes déliés et légers, presque graphiques (la peinture de Pannocchia, il faut le souligner, s’appuie sur une abondante production graphique, les tableaux naissent souvent de dessins, eux aussi très élaborés) : le jeune artiste toscan porte en lui toute la tradition de sa région d’origine).

Dès lors, il s’agit d’une expérimentation continue avant d’arriver à ce qui est aujourd’hui sa peinture, une peinture à l’huile obtenue avec des rythmes de travail lents : cela peut sembler une contradiction par rapport à un art qui semble plutôt instinctif et gestuel, mais sans la lenteur, les peintures de Matteo Pannocchia n’existeraient pas. “La lenteur, explique-t-il, je l’entends comme un rythme et un processus. Pas ”lente“ dans le sens d’être enfermé dans sa zone de confort : dans mon expérience personnelle, il s’agit de croissance, de patience et de suivi de son propre chemin”. Et il ajoute une phrase qu’il a épinglée sur son téléphone portable : “Semer et arroser, pour le meilleur ou pour le pire, puis quelque chose surgit”. Dans son cas, la récolte a commencé il y a déjà un certain temps à porter des fruits mûrs. On peut prendre comme exemple, parmi les premiers signes de cette maturation, un tableau intitulé Better to stay outside: une scène apparemment banale, une fille assise dans le jardin de sa maison, son chien sur l’herbe marchant vers le bâtiment à l’arrière-plan, un arbre au-delà de la clôture des voisins, apparaît imprégnée de toute l’agitation qui se cache derrière le quotidien le plus résigné. Le regard de la jeune fille se perd dans le vide, le jardin ressemble à un lac acide, le ciel est teinté de violet, la maison a des proportions irréelles, l’arbre ressemble à un squelette. Pannocchia intervient sur les formes et les couleurs pour transmettre à l’observateur ce sentiment d’aliénation qui est typique de sa génération, de notre génération. Parfois, il y a aussi un air de suspension qui semble provenir d’une réflexion profonde sur certains arts américains, d’Edward Hopper à Richard Diebenkorn : Don’t worry too much est peut-être le tableau qui se rapproche le plus de l’imagerie hopperienne, avec cette chambre nue et humble où reviennent la fille et le chien, et où une ouverture indéfinie laisse passer une lumière dorée, irréelle, métaphysique. Des images concrètes, des souvenirs, des motifs issus de l’inconscient de l’artiste, pour qui la peinture, me dit-il, est aussi une sorte d’auto-analyse, une investigation introspective, se mêlent à la surface de la toile : c’est aussi pour cette raison que son matériel semble rappeler la dimension du rêve et du souvenir plutôt que celle de la réalité.

Il n’y a pourtant pas de recherche méditée sur les sujets dans la peinture de Matteo Pannocchia. L’artiste livournais se laisse guider par l’inspiration du moment. Il peut s’agir d’un moment de la vie quotidienne, d’un souvenir, d’une vidéo regardée sur Instagram ou YouTube, voire d’une chanson. Le départ, cependant, est presque toujours le dessin. L’arrivée est une scène fondée sur un sens marqué de la figure et sur une structure compositionnelle solide et méditée, et qui cherche néanmoins une médiation entre figuration et abstraction, tout en penchant vers la première et en prenant presque toujours l’apparence du mirage, du souvenir, de l’hallucination. Le résultat est obtenu par un travail rigoureux sur la couleur et la forme. Les couleurs sont froides, délicates, impalpables, toujours irréalistes. Et aux formes, Pannocchia applique un processus de soustraction et d’aplatissement constant : il en résulte des figures qui frôlent la bidimensionnalité des estampes japonaises ukiyo-e, une autre de ses références, souvent aussi pour les plans fortement raccourcis et obliques. “Matteo prépare sa narration particulière à travers l’image”, écrit Jacopo Suggi, “en s’appuyant sur des coupes et des cadrages photographiques et sur une palette particulière composée de couleurs claires et brumeuses, parfois habituellement par des figures seules, rendues encore plus solitaires par une épuration des détails, une soustraction de l’image à la lumière et à l’obscurité.épuration des détails, soustrayant tout ce qui n’est pas considéré comme nécessaire à la transmission d’un message, justifiant le désir du peintre de confier au public des œuvres d’une grande immédiateté et intelligibilité, sens souvent renforcé par la présence d’inscriptions et de slogans”. Il arrive aussi que la source d’inspiration du tableau soit explicitée : il n’est pas rare que Pannocchia remplisse ses tableaux de phrases tirées de la littérature, du cinéma, de la musique. Je suis un homme étrange, qui ne voit que toi, embrasse-moi“ : le couplet d’une chanson de Piero Ciampi recouvre l’image légère, éthérée et incorporelle d’une petite voiture sur laquelle est assis un couple d’amoureux et qui est tirée par un cheval : La scène d’antan transporte le spectateur sur le front de mer d’une Livourne du début du XXe siècle qui semble tout droit sortie d’un tableau de Guglielmo Micheli ou de Renato Natali, baignée dans le rose acide d’un coucher de soleil qui revient souvent dans l’œuvre de Pannocchia. Un rose qui dérive de la leçon de Philip Guston et que l’artiste de Leghorn a fait sien dans le but de donner de la légèreté à ses tableaux. La recherche de la légèreté est en effet l’une des principales préoccupations de son art. Un peu par calcul pratique : il s’agit toujours d’un objet que l’on met chez soi, me dit-il. Et il n’est pas facile de trouver un artiste qui accepte de considérer le produit de son talent également pour ce qu’il sera pour ceux qui l’achèteront : un meuble. Et comme peu de gens ont envie d’accrocher un tableau oppressant à leur mur, il vaut mieux rester léger. Mais la légèreté que recherche Pannocchia est aussi le reflet de sa conception de la vie. Il ne s’agit pas d’une ”perception superficielle de la vie“, explique-t-il, ”mais plutôt d’une conséquence d’un travail intérieur personnel. Il s’agit d’une manière de vivre confiante et optimiste, d’une sorte de conscience de sa propre valeur et de son propre potentiel, et du fait que tout, même les moments les plus difficiles de la vie, peut être transformé en quelque chose de positif“. Légèreté” est peut-être le substantif qui revient le plus souvent lorsqu’il me montre les toiles dans son atelier, un petit espace ouvert sur la rue qui ressemble un peu à une galerie miniature et un peu à un pied-à-terre, en plein Livourne juive, juste derrière le Fosso Reale où la légende veut que Modigliani ait jeté sa propre tête, au cœur d’un quartier qui a toujours été fréquenté par la communauté juive.Un quartier qui a toujours été fréquenté par les artistes au cours des deux cents dernières années, un quartier de la ville où l’on peut entendre cette légèreté dans le bruit des rues, la voir dans les gens, la respirer dans le vent, en faire l’expérience même si l’on n’est jamais venu ici auparavant, parce que c’est ainsi que l’on vit ici. Lentement. Avec cette légèreté fraîche, jeune et aussi légèrement mélancolique que Giorgio Caproni, loin de sa Livourne, essayait de retrouver loin de chez lui dans ses Versi livornesi, cette légèreté qu’il essayait d’évoquer, vers laquelle il voulait retourner (“Mia mano, fatti piuma : / fatti vela ; e leggera / muovendoti sulla tastiera, / sii cauta. Et prenez garde, avant / d’arrêter la rime, / que vous écrivez sur quelqu’un / qui était vivant et qui était vrai. // Vous savez que ma prière / est brutale, et que l’erreur / est prête à détourner le cœur. / Ayez de l’esprit et de l’attention : soyez pieux. / Et si tu ne veux pas trahir / sa simple gloire, / sois fin et populaire / comme elle l’était - sois audacieux / et tremblant, toute l’histoire / douce, sans ambition”).

Certaines œuvres de Matteo Pannocchia semblent évoquer ce sentiment de légèreté plus immédiatement que d’autres, notamment en raison de l’utilisation de l’inachevé qui est présente dans presque toutes ses œuvres récentes. Par exemple, Close to the sea, une sorte d’autoportrait dans un club du front de mer de Livourne. Sa ville, celle qui, cet été encore, l’a élu meilleur artiste lors d’une manifestation impromptue organisée sur la place Garibaldi et réunissant plusieurs jeunes artistes de la région. Ou encore certains tableaux situés sur des plages qui évoquent un peu la Toscane, un peu la Californie (même si les palmiers, on peut en être sûr, ne sont pas ceux d’Ocean Boulevard à Long Beach, mais ceux de Viale Italia à Livourne, dans la zone de Terrazza Mascagni). Et puis des piscines, des courts de tennis, des avenues bordées d’arbres, des intérieurs domestiques, des parcs aquatiques, l’image d’une Livourne contemporaine rêvée et fanée. L’œuvre de Matteo Pannocchia, c’est aussi une légèreté existentielle, une façon de répondre à l’angoisse du quotidien, l’angoisse typique d’une génération, celle née entre les années 1980 et 1990, qui a affronté les crises économiques, les crises immobilières, une pandémie, la révolution des mass media, la réapparition de scénarios de guerre au milieu de l’Europe, la guerre au milieu de l’Europe, la guerre au milieu de l’Europe, la guerre au milieu de l’Europe, la guerre au milieu de l’Europe, la guerre au milieu de l’Europe. de guerre au milieu de l’Europe, l’effondrement du système de valeurs qui s’était construit dans l’après-guerre, qui frappe aujourd’hui des jeunes trentenaires qui, comme aucune autre génération avant ou après eux, ont vécu des changements aussi forts, aussi radicaux, aussi imprévisibles, à une telle vitesse. Un journaliste américain, Michael Hobbes, dans un longform publié en 2023 dans le Huffington Post, animé par des graphiques dans le style des premiers jeux vidéo, a écrit que les millennials sont aujourd’hui “confrontés à l’avenir financier le plus effrayant de toutes les générations depuis la Grande Dépression” : une génération qui se sent acculée, submergée, presque anéantie. En un mot : une génération qui se sent foutue. La légèreté devient alors une nécessité.

Accrochée au mur de l’atelier de Matteo Pannocchia, une peinture récente, Early Morning, représente un garçon allongé sur un lit avec son chien, avec un raccourci fort et audacieux, une sorte de Christ mort de Mantegna à l’envers, vu de la tête. Au fond, la salle s’ouvre sur l’extérieur, sur une projection où l’on peut voir un soldat avec une trompette (un “brigadier”, dit l’artiste). Pannocchia ne peut pas vraiment expliquer la signification de ce tableau, mais cela n’a pas d’importance : un artiste n’est pas obligé de donner une explication à son œuvre. Et celui qui demande une explication à un artiste ne cherche pas à comprendre, à lire ce qu’il a sous les yeux, à l’interpréter, mais veut simplement qu’on lui raconte une histoire. Ce qui est certain, c’est que Pannocchia veut en faire une œuvre sur la désobéissance, mais le thème de la guerre n’a pas grand-chose à voir avec elle : nous pourrions la lire comme une désobéissance à n’importe quel appel aux armes, à n’importe quelle attente. Un désir d’être le seul à disposer de sa vie comme il l’entend. Peut-être “une communion avec les animaux”, comme le note Jacopo Suggi dans son essai accompagnant l’exposition Arterie dans laquelle Matteo Pannocchia a exposé ses œuvres en 2023 à la galerie Extra Factory de Livourne.

Nous revenons donc à notre point de départ : cette légèreté, dans l’art de Matteo Pannocchia, n’implique pas seulement des êtres humains, c’est une légèreté qui anime un flux d’énergie. Le chien, présence tantôt concrète, tantôt plus immatérielle, mystique, spirituelle (comme semble l’être le chien de Stretched dog, c’est le chien que l’artiste a eu dans son enfance, me dit-il, et qui revient donc se manifester dans une œuvre récente après un souvenir), semble presque s’élever au rang d’animal symbole de cette force vitale qui se manifeste dans tous les êtres vivants. Si une société a perdu ses repères, si une génération n’a plus rien dans quoi se reconnaître, alors pour Matteo Pannocchia le moyen de reconstruire une relation avec soi-même et avec tout ce qui l’entoure ne peut être qu’un retour à la nature, à une énergie primordiale, à un état d’être qui n’est pas seulement une question de vie, mais aussi de vie tout court.Il s’agit d’un retour à une énergie primordiale, à un état de légèreté totale, à une forme de libération qui s’appuie sur un retour à une simplicité consciente et pleine, vers laquelle tendre par une réflexion profonde sur soi-même, médiatisée ou non par le recours à une discipline philosophique ou spirituelle. Au-delà de la surface de nombreuses toiles de Matteo Pannocchia, il semble se dégager un climat, une température proche du mysticisme.

Je crois que nous sommes des gens ordinaires", dit-il en me parlant de Scorciatoia (Raccourci), un tableau nostalgique, un instantané d’une voiture roulant sur une route secondaire, une route provinciale, au coucher du soleil, sous un ciel rose, sur une route rose, ce rose que nous associons aujourd’hui au souvenir des années 1980 pour on ne sait quelle raison, puisqu’il n’y a pas de route. Pour quelle raison, puisqu’il n’y avait pas tant de rose à l’époque (peut-être à cause des néons, peut-être à cause des couleurs des vêtements, peut-être à cause des premiers jeux vidéo qui n’envoyaient que des images en cyan et magenta, peut-être à cause des teintes des cartes postales délavées). C’est un tableau dans lequel on semble lire une sorte de résumé de la carrière encore jeune de Matteo Pannocchia : un parcours qui, malgré le nom du tableau, n’a rien de direct, de linéaire, de rapide. Bien au contraire, il s’agit d’un itinéraire sinueux, plein de courbes, à parcourir cependant lentement et avec la conscience du voyage. Observer le paysage. Comprendre qu’il n’y a souvent pas d’autoroute pour arriver à destination. Penser à la destination, oui, mais en sachant qu’une fois arrivé, il faudra peut-être recommencer, car on découvre que l’itinéraire n’est pas encore terminé.

Et aujourd’hui, ayant atteint une maturité artistique assez bien définie, Matteo Pannocchia peut facilement être comparé à cette nouvelle jeune figuration italienne qui regroupe un noyau hétérogène d’artistes nés entre les années 1980 et 1990 (nous pouvons inclure, à titre d’exemple, des peintres comme Francesca Bancozzi, née dans les années 1980 et 1990).Nous pouvons citer, à titre d’exemple, des peintres comme Francesca Banchelli, Romina Bassu, Fabrizio Cotognini, Rudy Cremonini, Alice Faloretti, Andrea Fontanari, Patrizio Di Massimo, Diego Gualandris, Davide Serpetti) capables de se mouvoir entre la réalité et le rêve, entre l’impression et l’expression, entre le rêve et la réalité. et le rêve, entre l’impression et l’expression, des peintres qui regardent souvent vers l’Amérique (parfois peut-être même trop) mais qui comprennent que rester lié à la tradition de notre pays est la seule façon d’émerger, des artistes qui ouvrent (ou plutôt, on peut dire qu’ils ont déjà ouvert) une nouvelle saison, importante et fructueuse, pour la peinture italienne. Certains d’entre eux ont déjà une carrière bien établie et ont déjà exposé dans des contextes nationaux et internationaux, tandis que d’autres commencent à peine à faire leur marque ; c’est un mouvement à soutenir et à encourager. Pour Matteo Pannocchia, ce voyage lent, incertain et plein de courbes qui émerge de ses tableaux ne fait que commencer.

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