La peau comme paysage. L'expression corporelle de Joan Semmel

Dans le vaste panorama de l’art contemporain, des figures émergent qui remettent en question les conventions et nous invitent à réfléchir à des concepts fondamentaux tels que l’identité, la corporalité et la perception. Pourtant, peu de noms sont aussi audacieux et visuellement puissants que Joan Semmel, une icône de l’art figuratif qui a plongé profondément dans les nuances de l’expérience humaine, illuminant la complexité et la beauté du corps humain sous toutes ses formes. Au cours d’une carrière qui s’étend sur six décennies, Semmel a enchanté et interpellé le public par sa représentation révolutionnaire de la nudité et de la sexualité.

Née en 1932 à New York et formée à l’expressionnisme abstrait dans les années 1950, Semmel a commencé sa carrière de peintre en Espagne et en Amérique du Sud, avant de s’installer à New York dans les années 1970, période de fervents changements sociaux et culturels aux États-Unis : elle a été témoin et a participé au mouvement féministe naissant, qui a mis en avant les voix et les perspectives des femmes artistes, souvent négligées ou marginalisées par l’histoire de l’art dominante. Au cours de ces années, l’art féminin a connu une phase d’expansion et de révolution sans précédent, avec un profond engagement politique et social dans la transmission de messages d’émancipation, de critique culturelle et de lutte pour l’égalité des sexes.

L’un des principaux thèmes abordés a été la représentation du corps féminin et sa politisation: à travers des œuvres provocantes et iconoclastes, de nombreuses artistes féminines ont remis en question les stéréotypes de genre et les conventions esthétiques dominantes. Des artistes telles que Judy Chicago et Carolee Schneemann ont utilisé leur art pour explorer la sexualité féminine et reprendre le contrôle de leur propre corps, remettant ouvertement en question le patriarcat et l’objectivation des femmes. Dans le sillage de ces tendances, Joan Semmel a commencé à exposer des œuvres provocantes et engageantes aux images sexuellement explicites lors d’une exposition solo en 1973, avec un groupe de peintures intitulé Erotic Series. Un an plus tard, Semmel présente au public la série Self-Images, dans laquelle ses peintures choquent et redirigent le regard du spectateur vers le nu féminin.

À propos de ce scénario artistique, Semmel a déclaré que “le monde de l’art du début des années 1970 n’était guère préparé à une attaque aussi ouverte contre ses sensibilités raffinées, surtout à partir de la terre sacrée de la peinture, et encore plus si c’était fait par une femme”. (“Le monde de l’art du début des années 1970 n’était guère préparé à une attaque aussi ouverte contre ses sensibilités raffinées, en particulier de la part de la terre sacrée de la peinture, et encore plus si elle était faite par une femme”).

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Semmel a réalisé de grandes peintures à l’huile représentant des partenaires nus en train de faire l’amour, dont les corps sont rendus dans des couleurs vives et néo-expressionnistes telles que le rouge, le violet, le jaune et un vert acide ou bleuté qui émane d’une lueur presque fantomatique. La perspective des œuvres était subjective, rapprochée et délibérément oblique, exigeant un effort de concentration de la part du spectateur pour composer les membres, les fesses, les seins et les organes sexuels en images reconnaissables d’hommes et de femmes.

Ces peintures ont été suivies plus tard par celles qui documentent le propre corps nu de Semmel, vieilli au fil des décennies. L’espace et la surface de ces œuvres représentent des corps pleinement immergés dans leur existence, à la fois physique et sexuelle, et constituent un terrain psychologique tangible. Et si les créations de l’expressionnisme abstrait sont considérées comme des paysages de la psyché, les œuvres de Semmel fusionnent l’abstraction avec la nudité, la transformant en une réalité tangible.

La série des Mannequins (1996-2001) est emblématique : des versions idéalisées du corps féminin servent d’alter ego pour l’exploration de l’isolement et de l’anomie de l’objectivation et de la fétichisation. Une réflexion sur la façon dont les femmes ont très souvent été appréciées pour leur jeunesse et leur beauté, puis rejetées à un âge avancé comme étant impuissantes et non viables.

Ce qui rend l’art de Semmel si extraordinairement pertinent, c’est son point de vue unique sur le corps humain. Alors que de nombreux artistes dépeignent le corps comme un objet de désir ou de perfection esthétique, Semmel se concentre sur sa réalité tangible et sa physicalité : ses œuvres ne dissimulent pas les rides, les imperfections ou les cicatrices ; au contraire, elles les célèbrent comme des marques de l’expérience humaine.

Le graphisme à la fois matériel et presque pornographique qui caractérise son art pourrait être considéré comme allant de soi, mais ce n’est pas le cas. Et même aujourd’hui, ses peintures conservent la capacité de choquer les observateurs. En effet, les provocations de l’artiste ne visent pas le simple sensationnalisme, mais naissent de son intention de contrer les canons traditionnels, tant dans l’art que dans la culture populaire, qui relèguent les femmes à des rôles passifs ou au simple objet du désir masculin.

Un aspect singulier de l’art de Semmel réside dans son interprétation du nu féminin. Dans ses œuvres les plus significatives, l’artiste se peint elle-même ou peint d’autres femmes dans des poses suggestives, explorant la sphère de leur sexualité et renversant les stéréotypes de beauté socialement acceptés. Il en résulte une nouvelle frontière artistique, car il existe peu de représentations de nus féminins de femmes mûres dans l’histoire de l’art, et encore moins d’autoportraits. La sensualité de la chair imprègne ces peintures, une sensualité qui ne se limite pas à la jeunesse.

Bien que son travail se soit développé par séries, le fil conducteur à travers les décennies est une perspective unique : être dans l’expérience de la féminité et se l’approprier culturellement. L’artiste a souvent utilisé des éléments tels que le miroir et l’appareil photo comme stratégies pour déstabiliser le point de vue et impliquer le spectateur en tant que participant.

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Avec l’aimable autorisation d’S)

À propos de son travail, Semmel a déclaré: “ Pour moi, la raison de l’utilisation du nu était de traiter de la sensualité, et aussi de l’image de soi sous une forme plus basique. C’est pourquoi j’ai voulu le nu, et aussi parce que le nu est un genre qui traverse toute l’histoire de l’art. [...] Quand on se regarde, on ne regarde pas le corps en entier, on le voit par fragments. Je m’intéressais à la façon dont on vit le corps plutôt qu’à l’image d’un idéal - donc à l’expérience du corps. Je me peins moi-même et j’ai quatre-vingt-quatre ans. Dans ce cas, comment pourrais-je nier l’âge ? La culture nie totalement le processus de vieillissement des femmes et il y a un besoin énorme de valider cette expérience, ainsi que la peur que les gens ont d’être vieux” (“Pour moi, la raison pour laquelle j’ai utilisé le nu était de traiter de la sensualité et aussi de l’image de soi sous une forme plus élémentaire. C’est pourquoi j’ai voulu le nu, et aussi pourquoi le nu est un genre qui traverse l’histoire de l’art. [Lorsque nous nous regardons, nous ne regardons pas le corps entier, nous le voyons par fragments. Je m’intéressais à la manière dont nous vivons le corps plutôt qu’à l’image d’un idéal. Je me peins moi-même et j’ai quatre-vingt-quatre ans. Dès lors, comment pourrais-je nier l’âge ? La culture nie totalement le processus de vieillissement des femmes et il y a un besoin énorme de valider cette expérience, ainsi que la peur que les gens ont de vieillir”).

Nier la réalité, c’est, pour l’artiste, nier l’existence de la vulnérabilité. C’est une présence indéniable, un élément incontournable de la vie, et nous ne pouvons pas ignorer le fait que notre force physique n’est plus ce qu’elle était. En tant que femme âgée, confrontée au rejet dans de multiples contextes, elle tente d’affronter et de reconnaître cette vérité, les aspects multiples et inévitables de la vieillesse, une réalité qui exige compréhension et adaptation.

Les œuvres de Semmel nous confrontent à une question : comment créons-nous notre réalité ? Les multiples façons dont nous visualisons les images de nous-mêmes et des autres créent une réalité alternative, que nous avons tendance à accepter comme réelle et vraie, alors qu’elle n’est en fait qu’un fac-similé qui nous déconnecte encore plus de la vie réelle. À une époque où le désir de jeunesse éternelle est de plus en plus martelé et où des concepts tels que la superficialité, l’apparence et l’artificialité esthétique ont pris le dessus, l’art de Semmel est une invitation à regarder au-delà de la superficialité, de la vulnérabilité et à regarder le monde réel. L’art de Semmel est une invitation à dépasser la superficialité, la vulnérabilité et à regarder le monde réel. Il nous invite à dépasser la superficialité, la vulnérabilité et à embrasser notre authenticité la plus profonde, la vraie beauté qui réside dans la complexité de la réalité physique et, par-dessus tout, dans l’expression honnête de soi.

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