La lune dans l'histoire de l'art: 14 œuvres importantes représentant notre satellite

Le 20 juillet 1969, à 22h17 (heure italienne), l’astronaute américain Neil Armstrong, à la tête de la mission Apollo 11 (l’équipage du vaisseau spatial était complété par Edwin Aldrin et Michael Collins), a commencé à marcher sur la Lune. Pour célébrer cet événement important, cinquante ans après exactement, nous avons rassemblé une galerie d’œuvres mettant en scène la lune, conquise par les artistes bien avant les astronautes. conquise bien avant les astronautes !

1. Galilée, Astronomie. Observations des phases lunaires, novembre-décembre 1609 (1609 ; manuscrit autographe sur papier, dessins à l’aquarelle sur papier, 33 x 23 x 1,7 cm ; Florence, Biblioteca Nazionale Centrale, ms. Galileiano 48
Commençons par une feuille qui n’est pas vraiment une œuvre d’art, puisqu’elle contient les dessins des phases de la lune réalisés par Galileo Galilei (Pise, 1564 - Arcetri, 1642) au cours de ses observations astronomiques de l’automne 1609: il s’agit néanmoins de la première représentation graphique de la lune telle que nous la connaissons aujourd’hui (avec ses cratères, ses mers, ses dépressions). Avant que Galilée ne découvre que la lune avait une surface rugueuse et irrégulière, la croyance commune, alimentée par la religion, était que la lune était un corps parfait. De plus, Galilée avait une grande passion pour l’art et était ami avec l’un des plus grands artistes de l’époque, Ludovico Cardi dit Cigoli, un Toscan comme lui. En nous offrant la première représentation réaliste de la lune, le grand savant pisan a fait preuve d’une main de dessinateur expert: en effet, savoir dessiner était presque une condition sine qua non à l’époque pour être un excellent scientifique.

Galileo Galilei, Astronomie. Observations des phases de la lune, novembre-décembre 1609

2. Adam Elsheimer, Fuite en Égypte (1609 ; huile sur cuivre, 31 x 41 cm ; Munich, Alte Pinakothek)
Dans ce tableau du peintre allemand Adam Elsheimer (Francfort-sur-le-Main, 1578 - Rome, 1610), le rôle de l’épisode, la fuite en Égypte, est presque marginal: l’œuvre est en effet entrée dans l’histoire de l’art non pas tant pour son contenu religieux que pour son contenu... céleste. On constate en effet que, dans cet admirable nocturne, Elsheimer a représenté une cascade d’étoiles qui prennent l’aspect de la Voie lactée: Certains chercheurs (dont Anna Ottani Cavina) ont émis l’hypothèse que l’artiste de Francfort connaissait les études de Galilée sur le sujet, bien qu’il faille rappeler que le Sidereus nuncius, le traité astronomique dans lequel la surface de la lune est également mentionnée, a été publié en 1610 (mais il n’est pas exclu qu’Elsheimer ait retouché l’œuvre cette année-là). Mais le ciel d’Elsheimer pourrait aussi être le résultat d’observations directes des étoiles, ensuite réélaborées dans une tonalité “artistique”, car il y a plusieurs incohérences, à commencer par le grand protagoniste, la lune: si en réalité le ciel était si nuageux, les étoiles (du moins celles qui sont proches) seraient à peine visibles. La lune est néanmoins le grand protagoniste de l’œuvre et illumine l’étang dans lequel elle se reflète (même si son reflet semble un peu irréaliste, même s’il est suggestif).

Adam Elsheimer, Escape to Egypt

3. Ludovico Cardi dit Cigoli, Assomption de la Vierge ou Immaculée Conception (1610-1612 ; fresque ; Rome, Santa Maggiore, chapelle Pauline)
Comme nous l’avons vu plus haut, Ludovico Cardi dit Cigoli (Cigoli di San Miniato, 1559 - Rome, 1613), qui avait presque le même âge que Galilée, était un grand ami du savant, et tout comme ce dernier était passionné d’art, Cigoli était passionné d’astronomie. Et c’est grâce à son amitié avec Galilée que l’artiste de San Miniato nous a laissé la première représentation réaliste de la lune dans une œuvre d’art: il s’agit de la fresque de la Vierge (interprétée alternativement comme une Assomption de la Vierge et comme une Immaculée Conception) commandée par le pape Paul V pour la chapelle Pauline de la basilique Sainte-Marie-Majeure à Rome. L’Église pensait donc que la lune était un corps pur, lisse, parfait, sans aspérités. Pourtant, Cigoli n’est pas censuré: les autorités ecclésiastiques préfèrent rester prudentes. Nous avons discuté de cette œuvre et de cette histoire en détail dans un article que vous pouvez trouver à ce lien.

Ludovic Cardi dit Cigoli, Assomption de la Vierge ou Immaculée Conception

4. Guercino, Endymion (1647 ; huile sur toile, 125 x 105 cm ; Rome, Galleria Doria Pamphilj)
Selon la mythologie grecque (ou du moins, selon la version la plus populaire du mythe), Endymion était un jeune et beau berger dont Séléné, la déesse de la lune, tomba éperdument amoureuse. Séléné était si amoureuse de lui qu’elle demanda à Zeus la possibilité de lui donner une jeunesse éternelle et un état de sommeil éternel, afin que la déesse puisse le fréquenter éternellement: Séléné était en effet tourmentée par l’idée que la condition mortelle d’Endymion puisse tôt ou tard la priver de lui. De nombreux artistes se sont essayés à la représentation du mythe, et l’une des plus belles interprétations est celle du Guercino (Giovanni Francesco Barbieri ; Cento, 1591 - Bologne, 1666) qui, conformément à l’iconographie typique, a représenté Endymion assoupi, sous le regard de la lune (que l’on voit dans le ciel). Cette œuvre présente un détail très intéressant: la présence du télescope posé sur les genoux du jeune homme, un télescope qui a la forme et la taille des télescopes “galiléens”. Selon une interprétation récente de l’érudit Pierluigi Carofano, l’œuvre pourrait être une commande des Médicis et pourrait prendre la forme d’une tentative des Médicis de réhabiliter la mémoire du savant après la censure ecclésiastique. Curieusement, selon certaines versions anciennes du mythe, Endymion aurait été lui-même astronome. Quelle que soit la signification de la présence de la lorgnette, l’image de Guercino traduit bien le climat de l’époque, car dans la Florence des Médicis, surtout après la mort de Galilée, l’intérêt pour ses études et ses découvertes était fort.

Guercino, Endymion

5. Maria Clara Eimmart, Phases lunaires (fin du XVIIe siècle ; pastel sur carton bleu, 64 x 52 cm ; Bologne, Université de Bologne, Museo della Specola)
Maria Clara Eimmart (Nuremberg, 1676 - 1707) fut l’une des premières femmes astronomes de l’histoire et, comme Galilée, une excellente dessinatrice, notamment parce qu’elle était une enfant de l’art: son père Georg Christoph était en effet peintre (il fut également directeur de l’Académie des beaux-arts de Nuremberg au début du XVIIIe siècle), et s’adonnait également à l’astronomie. La malheureuse jeune femme (elle mourut en couches à l’âge de 31 ans, un an seulement après avoir épousé le professeur de mathématiques Johann Heinrich Müller) démontra son grand talent, tant d’astronome que de dessinatrice, dans une série de dessins au pastel, dont certains se trouvent aujourd’hui au musée de la Specola à Bologne. Ces dessins, nés d’observations minutieuses au télescope, ont été réunis par Maria Clara dans une série intitulée Micrographia stellarum phases lunae ultra 300 (“Plus de 300 micrographies d’étoiles et de phases de la lune”). Les plaques bolonaises ont été remises à Luigi Ferdinando Marsili (Bologne, 1658 - 1730), grand scientifique et ami de Georg Christoph, qui les a apportées à Emilia. Beaucoup d’autres, cependant, ont été perdues, principalement à cause d’un incendie qui a dévasté la bibliothèque du collège où se trouvait le manuscrit, qui comprenait plusieurs de ses planches (qui ont été conservées par son mari après sa disparition). Celles qui ont survécu sont toutefois surprenantes par leur grande précision et constituent une preuve supplémentaire du grand développement qu’a connu l’astronomie entre le XVIIe et le XVIIIe siècle.

Maria Clara Eimmart, Phases lunaires

6. Donato Creti, Observations astronomiques. Lune (1711 ; huile sur toile, 51 x 35 cm ; Cité du Vatican, Musées du Vatican)
Luigi Ferdinando Marsili, comme vous l’avez peut-être deviné, bien qu’il ait été principalement actif dans le domaine des sciences naturelles, a nourri un vif intérêt pour l’astronomie. C’est ainsi qu’en 1711, il confie à l’un des plus grands peintres de l’époque, Donato Creti (Crémone, 1671 - Bologne, 1749), une série de peintures à l’huile sur toile: chacune d’entre elles doit représenter l’observation astronomique d’un corps céleste différent. La lune ne pouvait évidemment pas être absente, et Creti en a donné une représentation très fidèle: une présence qui s’impose aux deux astronomes qui, dans la lumière d’une nuit claire, l’observent à l’aide de leur télescope. La taille de la lune n’est peut-être pas exacte, mais peu importe: l’objectif de Marsili était de convaincre les autorités ecclésiastiques de la nécessité d’étudier les étoiles. C’est pourquoi le noble bolonais, bien introduit dans les milieux romains (Bologne faisait partie des États pontificaux et Marsili était une sorte de héros de guerre: avant de se consacrer à la science, il a combattu les Turcs, a même été capturé et a ensuite occupé des postes diplomatiques pour le compte de l’Empire), en a fait don au pape Clément XI. Un don qui devait peut-être s’avérer convaincant, puisque, sur ordre du Sénat bolonais, entre 1712 et 1726, la Torre della Specola fut construite au Palazzo Poggi, précisément dans l’intention d’en faire un observatoire astronomique (ce fut le premier observatoire public d’Italie). Marsili voit ainsi son rêve couronné, et nous aimons à penser que l’art n’y est pas pour rien.

Donato Creti, Observations astronomiques. Lune

7. Canaletto, La veille de Santa Marta (vers 1760 ; huile sur toile, 119 x 187 cm ; Berlin, Gemäldgalerie)
Dans la production de Giovanni Antonio Canal, dit Canaletto (Venise, 1697 - 1768), les nocturnes au clair de lune, splendides et précis, ne manquent pas: l’artiste aimait peindre sa Venise de nuit à l’occasion de festivités. Parmi celles-ci, la veille de Santa Marta, une célébration de la sainte accompagnée d’une fête populaire. La sainte était la patronne du quartier de la ville du même nom, et le 29 juillet, en plein été, elle était célébrée par une fête populaire. Au clair de lune, les Vénitiens se pressent sur les berges, illuminées pour l’occasion de lumières artificielles, avec des échoppes et des tentes installées pour la fête, tandis que quelques bateaux sillonnent la mer. Il fait nuit, mais la pleine lune, par son éclat, illumine la mer et les silhouettes des figurines qui bordent les rives de la ville.

Canaletto, La veille de Santa Marta

8. Caspar David Friedrich, Deux hommes contemplant la lune (1819-1820 ; huile sur toile, 20,35 x 44,5 cm ; Dresde, Galerie Neue Meister)
Les Deux hommes contemplant la lune est l’un des paysages romantiques les plus représentatifs de l’art de Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresde, 1840), où le satellite est souvent le protagoniste principal, avec des vues de mers solitaires au clair de lune, ou avec des personnages qui, comme dans ce cas, se promènent dans une forêt dense et s’arrêtent pour l’admirer. Dans cette peinture réalisée à Dresde, le clair de lune et la forme du ciel suggèrent que la nuit se termine et que l’aube approche. Un sentiment d’inquiétude et de mélancolie, renforcé par les branches dénudées des arbres et les rochers arides, enveloppe l’ensemble de la composition: tension mystico-spirituelle, conscience du fait que l’homme est minuscule par rapport au cosmos, peur et en même temps attirance pour la puissance de la nature (typique de l’esthétique du sublime) sont quelques-uns des éléments que l’on peut déduire de ce paysage, dont Friedrich a réalisé plus tard d’autres versions (dont une avec un couple formé d’un homme et d’une femme). On ne sait pas qui sont les deux hommes absorbés dans la contemplation de la lune, mais il est probable que l’un d’eux soit Friedrich lui-même. Une interprétation politique de l’œuvre a également été donnée, ironiquement suggérée par Friedrich lui-même: lorsque le poète Karl Förster rendit visite à l’artiste en 1820 et observa l’œuvre, le peintre lui dit que les deux personnages “complotent quelque intrigue démagogique”. L’Allemagne vit alors une période très troublée et, en 1819, les délibérations dites de Karlsbad sont publiées. Il s’agit d’une série de décrets introduisant des mesures de surveillance sur les activités des universités et de la presse, dans le but de supprimer toute dissidence libérale dans la Confédération germanique établie à la suite du Congrès de Vienne. Des mesures très critiquées par les intellectuels de l’époque (et peut-être aussi dans ce tableau de Friedrich).

Caspar David Friedrich, Deux hommes contemplant la lune

9. Salvatore Fergola, Nocturne à Capri (vers 1843 ; huile sur toile, 106 × 131 cm ; Naples, Museo e Real Bosco di Capodimonte)
L’une des plus belles peintures nocturnes du romantisme italien, Notturno a Capri de Salvatore Fergola (Naples, 1799 - 1874) représente une vue de la baie de Naples devant la Marina Piccola, avec en toile de fond les rochers Faraglioni, comme le chantent les chansons populaires napolitaines, avec la mer sur laquelle “brille l’étoile d’argent”, la lune qui illumine le ciel et les bateaux des pêcheurs de Capri amarrés à une courte distance du rivage, avec leurs voiles encore hissées pour sécher. L’œuvre est aujourd’hui conservée au Musée national de Capodimonte, où elle est arrivée en 1967 comme héritage de la collection de Nicola Santangelo, ministre de l’Intérieur du roi Ferdinand II de Bourbon: Santangelo avait une grande prédilection pour les nocturnes de Fergola. Les nocturnes de Fergola sont les premiers produits de l’école romantique napolitaine: l’artiste s’est inspiré des peintures françaises en vogue à l’époque et a été le premier à répandre le goût pour ce type de vues dans la région napolitaine.

Salvatore Fergola, Nocturne à Capri

10. Vincent van Gogh, Nuit étoilée (1889 ; huile sur toile, 72 x 92 cm ; New York, Museum of Modern Art)
La Nuit étoilée(De sterrennacht en néerlandais) est l’une des œuvres les plus emblématiques de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), ainsi que l’une des plus représentatives de la dernière partie de sa carrière. Le tableau date de 1889 et a été peint à Saint-Rémy-de-Provence, où il était alors admis dans une clinique psychiatrique. C’est au cours de ce séjour que l’art de van Gogh connaît un tournant qui le conduit vers un style plus “expressionniste” qu’“impressionniste”, et la toile devient bientôt le lieu où l’artiste de Zundert dépeint les paysages tels qu’il les voit en lui-même, une réponse de son imagination à la nature. Ce matin“, écrit Vincent dans une lettre à son frère Théo le 6 juin 1889, ”j’ai regardé la campagne de ma fenêtre bien avant que le soleil ne se lève, sans rien d’autre que l’étoile du matin, qui avait l’air vraiment grande“. Daubigny et Rousseau ont déjà peint ce sujet, en exprimant toute l’intimité, la paix et la majesté, et en y ajoutant un sentiment si fort et si personnel. Je ne regrette pas ces émotions. J’éprouve encore d’énormes remords en pensant à mon travail, si peu en harmonie avec ce que je voudrais. J’espère qu’à la longue je pourrai faire mieux, mais je n’en suis pas encore là”. Van Gogh a donc réalisé son paysage à coups de pinceaux denses et moelleux, représentant un paysage en partie réel, mais aussi en partie inventé (l’église à la haute flèche évoque les édifices religieux de la campagne hollandaise où l’artiste a grandi). Il ne s’agit donc pas d’un paysage réel, mais plutôt d’une vision intérieure de l’artiste, une sorte de rêve qui manifeste les émotions du peintre à ce moment-là.

Vincent van Gogh, Nuit étoilée

11. Osvaldo Licini, Amalassunta sur fond bleu (1951 ; huile sur toile, 25,5 x 34 cm ; collection privée)
Le grand peintre Osvaldo Licini (Monte Vidon Corrado, 1894 - 1958) était très attaché à la lune, qu’il appelait “Amalassunta”: dans une lettre au critique Giuseppe Marchiori, datée du 21 mai 1950, Licini écrit qu’Amalassunta est “notre belle lune, garantie d’argent pour l’éternité, personnifiée en quelques mots, l’amie de tous les cœurs un peu fatigués”. La lune devient un objet de contemplation sereine, souvent surréaliste, capable de donner lieu à d’extraordinaires visions oniriques où le satellite prend un visage humain et interagit de temps à autre avec les personnages que Licini fait revivre. Nous ne savons pas exactement pourquoi Licini a décidé d’appeler la lune “Amalassunta”: Dans une interview donnée à l’occasion de la Biennale de Venise de 1958, le peintre s’est dit fasciné par le nom d’une princesse de Ravenne, Amalasunta, qui vécut entre le cinquième et le sixième siècle de notre ère. Récemment, Lorenzo Licini, le neveu de l’artiste, a associé le nom “Amalassunta” à deux anagrammes (“la sainte muse” et “Malus, Satan”), rapprochant ainsi les œuvres de l’artiste des poèmes de Baudelaire, qu’il affectionnait particulièrement.

Osvaldo Licini, Amalassunta sur fond bleu

12. Giulio Turcato, Surface lunaire (1968 ; huile et techniques mixtes sur caoutchouc mousse, diamètre 90 cm ; collection privée)
Parmi les artistes italiens des années 1960, l’un des plus sensibles au thème du voyage lunaire est Giulio Turcato (Mantoue, 1912 - Rome, 1995), qui consacre à la lune un pan entier de sa production, les Surfaces lunaires. L’intention du grand artiste était de construire l’image de la lune en utilisant des matériaux de tous les jours, en particulier du caoutchouc mousse. La conquête de l’espace et la course à la lune sont ainsi devenues des éléments concrets de l’art de Turcato, qui porte un regard optimiste sur les progrès technologiques et scientifiques de ces années-là. “J’utilise le caoutchouc”, déclarait Turcato lui-même en 1971, “parce que sa croûte rugueuse est pleine de nouveaux avertissements et de merveilles”. Et en effet, en agissant sur la mousse de caoutchouc, Turcato recrée la surface de la lune avec une étonnante vraisemblance.

Giulio Turcato, Surface lunaire

13. Andy Warhol, Moonwalk (1980 ; sérigraphie ; divers endroits)
Témoin important de son époque, Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - New York, 1987) ne pouvait manquer de rendre hommage à Neil Armstrong posant pour la première fois le pied sur la lune. Ainsi, la célèbre photographie représentant l’astronaute américain à côté du drapeau des États-Unis est également devenue une icône du pop art, certes pas l’une des plus connues, mais néanmoins présente.

Andy Warhol, Moonwalk

14. Anish Kapoor, Moon Mirror (2014 ; acier inoxydable et laque, diamètre 114 cm ; Collection privée).
Parmi les artistes contemporains, Anish Kapoor (Bombay, 1954) est l’un de ceux qui s’intéressent le plus aux thèmes astronomiques et il existe plusieurs de ses œuvres sur le sujet. Il est également un grand admirateur de Galilée, et le scientifique semble avoir reçu deux hommages dans le Miroir lunaire, un volet réussi de la production de Kapoor. La forme et les inserts en laque rappellent le corps céleste, tandis que le miroir est un hommage aux instruments utilisés par les astronomes pour observer le satellite (et les étoiles en général).

Anish Kapoor, Miroir lunaire. Avec l’autorisation de la galerie Massimo Minini

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