La Galerie nationale de Prague, le charme d'une capitale éclectique à travers ses chefs-d'œuvre

Prague, parmi les capitales européennes, est peut-être la ville qui a le plus d’âmes: au cours de sa très longue histoire, elle a été le centre administratif et politique du royaume de Bohême et du Saint Empire romain germanique, le “Mittel-Européen florissant” (pour reprendre une heureuse définition de Franco Cardini) sous la domination des Habsbourg, puis plus tard une tentative de synthèse entre le socialisme et l’Occident, et bien d’autres choses encore. Ici, où l’éthique protestante et la morale jésuite ont coexisté, et où une communauté juive prospère s’est développée, des caractères slaves se sont également greffés. Dans la ville, les contrastes semblent trouver un compromis entre les aspirations nationalistes et les ambitions internationales : théâtre du surréalisme de Kafka et du rationalisme cubiste de Kupka, nichée entre l’Est et l’Ouest et le Nord et le Sud, racontée dans des millions de mots d’encre, mélodisée par les plus grands compositeurs, Prague est aussi multiple et brillante qu’un cristal de Bohême.

Cette complexité est en partie rendue par la Národní Galerie (Galerie nationale), un musée d’art organisé en plusieurs lieux disséminés dans le vaste centre urbain de la capitale tchèque, une institution qui, par sa taille et sa qualité, a le droit de se classer parmi les plus grands musées européens, même si elle ne jouit pas de la même renommée.

La richesse et la puissance de Prague au cours du long Moyen Âge se reflètent dans les œuvres exposées au couvent de Sainte-Agnès, dans la vieille ville. L’ancien monastère a été fondé par Agnès de Bohême, la plus jeune fille d’Ottokar Ier, le premier roi de Bohême : dans les plans de son père, elle devait être mariée à l’empereur Frédéric II, mais a préféré prononcer des vœux (elle a été canonisée en 1989). L’espace d’exposition se déploie à côté de l’église gothique monumentale et atmosphérique, où la sainte et certains membres de la dynastie royale des Přemyslides reposent sous des voûtes ogivales. On y trouve des œuvres datant de 1200 à 1550, témoins muets de l’histoire complexe du Royaume, faite de changements de dynasties et de fortunes diverses, qui a certainement trouvé son apogée dans la seconde moitié du XIVe siècle avec Charles IV de Luxembourg, le souverain qui a effectivement déplacé la capitale du Saint-Empire romain germanique à Prague, transformant la ville avec la construction du célèbre pont Charles, de la cathédrale et de l’une des premières universités d’Europe. Homme de culture, en contact avec les grands de son temps, comme Pétrarque, le souverain s’est entouré d’artistes qui ont su allier les traditions locales aux innovations venues d’Italie.

L’une des plus intéressantes est la figure bizarre et mystérieuse de Maître Théodoric, peintre de la cour, dont on connaît peu d’œuvres, quelques miniatures, ainsi que le cycle décoratif de la chapelle de la Sainte-Croix du château de Karlštejn, où étaient conservés le trésor impérial et les reliques de la Passion. Pour ce lieu, le peintre a réalisé 133 panneaux peints au milieu du XIVe siècle, avec des tours d’anges, de saints et de prophètes, organisés selon une hiérarchie complexe. Plusieurs panneaux de cet imposant chantier sont conservés au musée. Il s’agit d’œuvres d’une grande force expressive, où les saints occupent monumentalement tout l’espace disponible, envahissant même partiellement les cadres, et présentant une typification physionomique qui semble révéler une connaissance de la production de Vitale da Bologna et de Tomaso da Modena, qui se seraient rencontrés lors d’un voyage en Italie dans la suite de Charles IV.

Les modèles italiens semblent avoir été remplacés par des exemples de gothique français dans la statuaire, comme le montre une charmante sculpture connue sous le nom de Madone de Michle, œuvre d’un auteur inconnu à qui l’on attribue un petit groupe de sculptures. Le groupe de la Vierge à l’Enfant sculpté dans du bois de poirier est peut-être l’exemple le plus significatif du style rythmique linéaire en Bohême, dérivé des sculptures en pierre du centre de la France. Tandis que le panneau beaucoup plus tardif avec la Mort de la Vierge de l’autel de Saint-Georges, beaucoup plus tardif, trahit des dérivations de l’école hollandaise, constituant, comme l’a écrit le critique Jaroslav Pešinam, l’une des “premières et suprêmes manifestations de la nouvelle esthétique stylistique sur le sol tchèque”.

En poursuivant le parcours, se dessine le panorama de l’art bohémien, capable de combiner des thèmes et des formes puisés dans un héritage européen commun avec des accents créatifs autonomes de grande qualité.La Bohême se caractérise par un certain goût morbide pour le grotesque et les morts, peut-être un héritage des longues périodes de guerres hussites, et par une grande attention aux détails domestiques, comme en témoignent des tableaux tels que Sainte Agnès soignant un malade, où une habitation de l’époque et son mobilier sont minutieusement décrits.

Le musée contient de nombreux autres chefs-d’œuvre, mis en valeur par un cadre d’une rare beauté qui, grâce à l’utilisation de panneaux et de finitions en pierre, en métal et en béton, parvient à restituer l’atmosphère typique des salles sacrées pour lesquelles les objets exposés ont été conçus à l’origine. Les deux collections de maîtres anciens dégagent une intensité artistique non moins grande, bien que le rôle des artistes locaux soit réduit à un mince filet. Elles sont abritées dans deux somptueux bâtiments qui se font face et encadrent la place où se trouve l’entrée de l’imposant Château de Prague.

Le palais Schwarzenberg , de style Renaissance, abrite les noms, œuvres et auteurs les plus distingués qui ont fait l’objet de l’intérêt collectionneur de Rodolphe II, l’empereur qui, monté sur le trône, décida au bout de quelques années de rapatrier la cour et donc la capitale à Prague. Il est entré sans ménagement dans l’histoire comme le souverain qui a dilapidé son pouvoir et son héritage pour se consacrer à plein temps à la collection et à l’étude de l’occultisme. De grands protagonistes de la culture tels que Tycho Brahe, Kepler, Giordano Bruno, Arcimboldo et bien d’autres ont été ses protégés.

Il encouragea la floraison du maniérisme et constitua une gigantesque collection, dont une grande partie fut ensuite détruite et démembrée par ses héritiers et par les différentes guerres. Parmi les achats de l’empereur conservés au musée de Prague figure un chef-d’œuvre d’Albrecht Dürer, La fête du Rosaire. Il s’agit d’une grande toile commandée à l’artiste par la communauté allemande de Venise, pour l’église San Bartolomeo a Rialto, dans la cité lagunaire. L’œuvre est largement acclamée par ses contemporains, dont Giovanni Bellini et le doge Leonardo Loredan, qui propose à cette occasion à l’Allemand le rôle de peintre de la Sérénissime, qu’il décline.

Le tableau, fondé sur une palette de couleurs vives, présente une composition majestueuse et chargée, où les spectateurs du moment sacré se présentent comme des sages du grand portrait, dont le pape Sixte IV et l’empereur Maximilien Ier, ainsi qu’un autoportrait de Dürer lui-même. Le bronze d’un cheval d’Adriaen de Vries provient également du célèbre Wunderkammer de l’empereur. Dans sa pose de marche, il témoigne de la recherche naturaliste de figures involuées dans des mouvements dynamiques et libres, typiques des œuvres de Giambologna. Le Suicide de Lucrèce, peint par Hans von Aachen, est probablement aussi une commande de l’empereur. Ce nu au modelé élégant et à la sprezzatura désinvolte est teinté d’une charge érotique convaincante et présente les caractéristiques du maniérisme développé sous Rodolphe.

Le musée compte également de nombreux chefs-d’œuvre, provenant en partie de la collection de l’archiduc Francesco Ferdinando d’Este et d’aristocrates, dont d’importantes œuvres de Bronzino, comme lePortrait de Cosimo I et celui de son épouse Eleonora di Toledo, un somptueux polyptyque d’Antonio Vivarini, plusieurs fascinantes peintures de l’école allemande, notamment de Hans Holbein l’Ancien et de Lucas Cranach, une toile représentant un Christ d’une humanité rare et distincte du Greco.

La section baroque est également extraordinairement riche : parmi les œuvres, un Suicide de Lucrèce de Simon Vouet provenant de la collection du cardinal Mazarin, l’un des sommets picturaux de l’expérience italienne du Français à l’époque, fortement influencé par Guido Reni, et un portrait de grande qualité d’un érudit en costume moyen-oriental de Rembrandt, la seule œuvre du Néerlandais dans les collections publiques tchèques. Cette précieuse collection témoigne des goûts de collectionneurs de l’aristocratie bohémienne cultivée, qui a fait de Prague l’un des centres du développement des périodes baroque et rococo. De nombreux artistes locaux ont repris la leçon de Rubens (également présent dans le musée), connue grâce à un certain nombre d’œuvres créées pour les églises de la capitale tchèque, une tendance menée par des peintres de premier plan tels que Karel Škréta, Petr Brandl et le sculpteur Mathias Bernard Braun.

La collection de maîtres anciens II se poursuit dans le palais baroque Sternberg, où le visiteur est accueilli par l’impressionnante peinture de Lorenzo Costa représentant l’investiture de Federico Gonzaga en tant que capitaine de l’Église, pillée au XVIIe siècle au palais San Sebastiano de Mantoue. La longue salle abritant une collection d’icônes chrétiennes russes et la plus grande collection de primitifs italiens conservée hors d’Italie, que l’on doit notamment à l’archiduc François-Ferdinand d’Autriche, est époustouflante. Dans ce vaste défilé de panneaux dorés, qui débordent de tous les côtés de la salle, on trouve des noms importants de protagonistes actifs à Sienne, Florence, Venise ou Padoue, deLorenzetti à Lorenzo Monaco, en passant par Andrea di Giusto, Vivarini et bien d’autres encore. D’autres peintures de grande qualité sont également conservées au musée, comme un Dosso Dossi, Alessandro Allori, Jacopo Bassano et Jusepe Ribera, ainsi que des peintures flamandes et hollandaises, dont Pieter Brueghel le Jeune, Anthony van Dyck et Frans Hals. Parmi les pièces les plus remarquables figure le grand retable du cycle de la Passion du Christ peint par Hans Raphon. L’œuvre signée de la date de 1499 comportait à l’origine 41 panneaux et avait été réalisée pour une église de Göttingen, en Basse-Saxe. Pendant la guerre de Trente Ans, pour la sauver des troupes suédoises, elle a été transportée à Prague, où sont aujourd’hui conservés 13 panneaux, répartis entre ceux qui représentent la vie du Christ et les épisodes survenus après sa mort, tous représentés de manière vivante et efficace.

Mais le véritable joyau de la couronne de la Galerie nationale est l’immense collection d’art moderne et contemporain abritée par le Palais de la Foire, un gigantesque bâtiment, joyau de l’architecture fonctionnaliste tchèque, situé dans la partie nord de la ville, à l’écart du centre historique. Le bâtiment en béton armé date des années 1920, époque à laquelle il a été construit pour abriter des foires commerciales et des salons. À l’intérieur, il s’étend sur huit étages articulés autour d’un atrium central sur lequel se greffent des galeries scéniques et des balcons. La collection elle-même est divisée en de nombreux thèmes et expositions qui ont le mérite de ne pas adopter des critères purement chronologiques ou par écoles, mais de présenter continuellement l’art tchèque en comparaison avec l’art international.

La première section offre un aperçu de la statuaire publique en République tchèque, en montrant des sculptures et des esquisses qui ont accompagné des réalisations monumentales, présentant un amalgame de formes néoclassiques, Art nouveau, véristes, cubistes et rationalistes. Elle est suivie de l’exposition permanente 1796-1918 : L’art du long siècle, qui permet de suivre non seulement les vicissitudes de l’art local et international, mais aussi le goût des collectionneurs qui a conduit à la muséalisation de certaines œuvres. Les dates marquant cette partition renvoient, au début, à la fondation de laSociété des amis patriotiques des arts de Prague, qui a donné une impulsion considérable au développement des arts dans les pays tchèques, en fondant le musée et en même temps l’Académie des beaux-arts, et, à la fin, à l’indépendance de l’État par rapport à l’Empire austro-hongrois.

Le milieu artistique et culturel pragois est resté pendant longtemps clairement lié à celui de Vienne, et en partie à celui de Munich, jusqu’à la dissolution de l’Empire après la Première Guerre mondiale : avec la naissance de la République tchécoslovaque, ces terres ont cessé d’aspirer à des modèles pro-autrichiens et ont choisi Paris comme principale référence, et le musée a commencé à être rempli de tableaux clés des principaux protagonistes de l’art français.

Depuis le triomphe de l’historicisme patriotique, en passant par les accents lyriques et romantiques de Delacroix (présent dans le musée avec quelques tableaux éblouissants), le vérisme et l’impressionnisme, jusqu’au symbolisme expressionniste de Franz von Stuck (dont il existe de nombreux tableaux), à l’intersection des caractéristiques stylistiques du Jugendstil, de l’Art nouveau et de la Sécession, et enfin aux recherches avant-gardistes du cubisme, du fauve et de l’abstraction. Ce kaléidoscope de formes et de couleurs déborde de toutes les parties du musée, et c’est presque la même trajectoire que František Kupka, le peintre tchèque qui a expérimenté dans toutes les directions et dont les œuvres sont conservées au musée, semble avoir parcouru avec son art.

Il reste cependant difficile de tenter de décrire une exposition organisée comme autant de contenus hypertextes autour de nombreux thèmes qui confrontent des artistes très différents.

La section des portraits place des peintres académiques aux côtés d’œuvres absolues de l’histoire de l’art international comme le Portrait de Joachim Gasquet par Paul Cézanne, biographe de l’artiste, critique et philosophe français, rendu avec une grande force plastique sans recours au clair-obscur.

Suivent un portrait très délicat d’Antonin Proust par Édouard Manet, un autoportrait de Pablo Picasso peint la même année que Les demoiselles d’Avignon , et l’extraordinaire I, portrait-peinture du douanier Rousseau, qui témoigne d’une nouvelle maturité de l’art, capable de s’affranchir de toutes les règles de la représentation pour une plus grande efficacité expressive. Aux côtés de ces monstres sacrés figurent, sans gêne, quelques artistes tchèques, Bohumil Kubišta, Emil Filla, Kupka déjà cité et bien d’autres peintres de talent.

La section 1796-1918: L’art du long siècle présente d’autres chefs-d’œuvre, des portraits hallucinés d’Oskar Kokoschka à la décadence des chairs et des formes sous le pinceau d’Egon Schiele, en passant par les dénonciations sociales d’Honoré Daumier et les recherches permanentes de Picasso qui, avec le Nu assis , annonce les aboutissements stylistiques du retour à l’ordre et à la peinture méditerranéenne des années 1796-1918.Le retour à l’ordre et à la peinture méditerranéenne des années suivantes, l’explosion coloriste et existentielle de la Vierge de Gustav Klimt, jusqu’à l’aventure parisienne de l’Art nouveau d’Alfred Mucha ou le refuge dans le primitivisme de Paul Gauguin, sont autant d’aboutissements stylistiques du retour à l’ordre et à la peinture méditerranéenne des années 1796 à 1918.

Poursuivant son parcours dans les étages, l’exposition Première République tchécoslovaque présente la production de l’État tchécoslovaque de 1918 à 1938. Le parcours divise les espaces, immergeant le visiteur dans les lieux d’exposition de l’époque où, à côté des artistes locaux, les grands noms internationaux tels que Matisse, Van Gogh et Renoir sont à nouveau présents. Les salles sont agencées de manière à restituer le climat visuel et créatif des différents centres culturels répartis par ville, et les œuvres d’art, qui ne se limitent pas à la peinture et à la sculpture, mais incluent également le livre, le design, le graphisme et le théâtre, ne sont pas présentées comme des artefacts isolés, mais comme des éléments d’un système complexe de relations sociales et institutionnelles, reconstituant ainsi une scène artistique stratifiée.

Les deux autres sections permanentes Fin de l’ère noire et blanche et 1956-1989 : Architecture pour tous complètent la visite. La première présente une longue réflexion en proposant les œuvres d’art comme un témoignage de l’époque, un ensemble de forces non seulement purement auteuristes, mais aussi sociales, politiques et économiques. Les œuvres reflètent la succession d’événements, les commandes publiques du régime communiste, l’isolement de la scène internationale, les aspirations libertaires qui ont accompagné la révolution de velours et bien d’autres choses encore. La dernière exposition, quant à elle, étudie le phénomène de l’architecture d’une réalité industrielle à une réalité postindustrielle, les nouveaux concepts d’occupation de l’espace et les projets de vie collectifs du socialisme. De nombreuses expositions temporaires complètent le parcours.

À travers des lieux multiples et des collections éclatées, dont une entièrement consacrée à l’art asiatique, la Galerie nationale de Prague offre un univers artistique varié, où l’art n’est pas présenté, comme le veut la tradition, sous la forme d’une parabole sans cesse renouvelée de mouvements et d’auteurs, mais est restitué dans sa complexité.L’analyse du contexte, des interrelations entre l’époque et la société, redonne à l’art sa polyvalence de valeurs qui ne se limitent pas à une simple expérience esthétique, mais qui en font un artefact, un témoignage vivant d’une communauté avec ses propres préoccupations et ses propres aspirations.

L’offre est enrichie par une pluralité de lieux de grande valeur architecturale et de design, qui abritent non seulement de nombreuses expositions temporaires (ce qui rend l’itinéraire en constante évolution), mais aussi des jardins et de beaux espaces de détente. En visitant la Národní galerie, on se souvient des paroles d’Angelo Maria Ripellino dans son célèbre livre Prague Magic, lorsqu’il écrit : “Il n’y aura pas de fin à la fascination, à la vie de Prague”.

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