L'être humain est organique et artificiel et vit avec ces deux aspects. L'art de Paolo Grassino

Paolo Grassino, l’un des sculpteurs italiens contemporains les plus intéressants, propose une recherche à fort impact, qui utilise les matériaux les plus variés, du ciment au polystyrène, du bois au caoutchouc, en explorant des thèmes tels que la précarité de notre monde, les dérives de la société contemporaine, notre fragilité. Grassino est né à Turin en 1967 : son père Alfredo l’oriente dès l’enfance vers des disciplines artistiques. En 1984, il s’inscrit à l’école d’art où il rencontre et commence à fréquenter les ateliers d’artistes italiens tels que Marco Gastini, Luigi Mainolfi, Gilberto Zorio, Michelangelo Pistoletto et Sergio Ragalzi. Depuis 1988, il expose en solo et en groupe et, depuis 1991, il poursuit ses études à l’Accademia Albertina de Turin avec Luisa Rabbia, Saverio Todaro et Domenico Borrelli, avec lesquels il crée un groupe de travail et partage ses premiers ateliers. En 2000, le GAM de Turin lui consacre une exposition personnelle qui fait connaître sa recherche artistique aux galeries et institutions nationales et internationales. En 2008, il participe à la XVe Quadriennale d’Arte à Rome. En 2011, Luca Massimo Barbero lui consacre une salle solo au MACRO de Rome et, la même année, il participe à la 4e Biennale de Moscou. En 2012, ses œuvres sont exposées dans des musées tels que le Frost Art Museum à Miami et le Loft Project ETAGI à Saint-Pétersbourg. Phillip Van den Bossche l’invite à la Triennale 2012 Beaufort 04 d’art contemporain au bord de la mer à Ostende et, en 2013, l’IIC Madrid lui consacre une exposition personnelle. En 2013, un volume publié par Skira rassemble ses œuvres les plus significatives de 1992 à 2012 et est présenté à l’occasion de son exposition personnelle “Percorso in tre atti” au Centre d’art contemporain Luigi Pecci de Milan. Au cours de ces années, il a commencé sa carrière d’enseignant en tant que chargé de cours de sculpture et de plastique ornemental aux académies des beaux-arts de Carrara, de Palerme, puis de Brera et de Turin. En 2019, il organise une grande exposition personnelle dans les salles historiques du Palazzo Saluzzo Paesana à Turin. En 2021, il participe à l’exposition itinérante “La route de la soie. Art et artistes contemporains d’Italie” organisée par la Farnesina avec des arrêts dans les musées de Kiev, Ankara, Tbilissi, Tachkent, Pékin et Xi’an. En 2023, il a été invité par la ville de Pinerolo à la troisième Biennale Diffusa et a organisé une exposition personnelle intitulée “Incursions”, sous la direction de Franco Fanelli, dans l’historique Cavallerizza Caprilli et dans les lieux les plus significatifs de la ville. Grassino parle de son art dans cette conversation avec Gabriele Landi.

GL. Paolo, il arrive souvent que l’œuvre d’un artiste s’enracine dans l’âge mythique de l’enfance : en est-il de même pour vous ?

PG. Mon père Alfredo, peintre autodidacte, m’a initié aux pratiques artistiques dès mon enfance. Je passais des après-midi entières avec lui à dessiner et à peindre. J’aimais le recueillement que procure l’exercice créatif dès le début. Je dois beaucoup à mon père et cet aspect de l’existence est peut-être la chose la plus précieuse qu’il m’ait donnée.

Avez-vous eu un “premier amour” artistique ?

J’ai eu de nombreuses amours artistiques. Chaque étape de mon développement créatif personnel s’est accompagnée d’un “exemple” à suivre. Aujourd’hui, non, je n’en ressens pas le besoin. Peut-être ne s’agit-il que d’amours nécessaires pendant la formation.

Quelles études avez-vous faites ?

J’ai fréquenté le Primo Liceo Artistico et l’Accademia Albertina de Turin, où j’enseigne aujourd’hui.

Vous avez travaillé comme assistant de Luigi Mainolfi : qu’avez-vous retenu de cette expérience ?

Luigi est un maître de la sculpture italienne et je pense que j’ai eu la chance de le rencontrer sur mon chemin à l’âge de seize ans. J’ai travaillé dans son atelier en même temps que mes études secondaires et académiques. Lorsque ma formation didactique a pris fin, mon apprentissage auprès de lui s’est achevé. Luigi est resté un ami très cher, comme d’autres compagnons de route de cette époque.

Outre la rencontre avec Mainolfi, y a-t-il eu d’autres rencontres qui vous ont marqué ?

Au lycée, j’ai rencontré Sergio Ragalzi et nous avons passé de nombreuses années ensemble. Il est décédé cette année et sa mort a laissé un vide à Turin. Je pense que Sergio était l’un des artistes les plus intéressants et les plus autonomes des années qui ont suivi l’Arte Povera en Italie.

Le dessin est-il une pratique que vous fréquentez ? Quelle importance et quel rôle joue-t-il dans ce que vous faites ?

Il faut d’abord comprendre ce que l’on entend par dessin. Pour mes œuvres, je fais de petits traits de crayon qui, souvent, ne sont pas suivis. Parallèlement aux sculptures et aux installations, je crée des œuvres à l’encre sur papier qui sont restées privées et rarement publiques pendant de nombreuses années. L’année prochaine, j’organiserai une exposition personnelle avec ce type d’œuvres.

J’aimerais vous interroger sur votre conception du temps et de l’espace et sur l’idée de transformation qui revient souvent dans ce que vous faites ?

Bien sûr, pour ceux qui font de la sculpture, l’espace est fondamental. La sculpture, par sa présence physique, crée une extension qui n’existait pas auparavant. Le temps absorbe l’œuvre, la transforme, l’achève non seulement objectivement, et si elle ne convient pas, il l’efface.

L’idée de mise en scène a-t-elle une importance dans ce que vous faites ?

Je cherche une température, des silences, des indices qui mènent à des contextes qui ne sont pas toujours clairs ou équilibrés. Cet aspect relève de la dramaturgie, de la mise en scène qui conduit vers des visions appartenant à l’incertain.

Pouvez-vous nous parler de la relation entre votre travail et le public qui vient le voir ?

Parfois, le public qui observe mon travail utilise le mot “déstabilisant”. Il y a peut-être aussi cet aspect dans mon travail, mais je pense qu’il n’appartient qu’à la surface.

Dans votre travail, outre la présence humaine suggérée ou manifeste, les cerfs, les chiens... quelle est votre idée de la nature ?

Les cerfs et les chiens véhiculent le conflit. Ce que je voudrais mettre en évidence, c’est la divergence entre les parties. Depuis l’Antiquité, le cerf est un symbole de sacrifice, tandis que le chien est une arme dressée pour la chasse, pour la guerre.

Vous intéressez-vous au mélange de l’organique et de l’artificiel ?

Beaucoup de mes œuvres soulignent cette dualité qui, dans certains cas, est une recherche constructive et, dans d’autres, une destruction endeuillée. L’homme contient ces deux aspects et vit avec eux.

Comment choisissez-vous les matériaux avec lesquels vous travaillez ?

C’est le sujet qui choisit ce avec quoi il s’exprime. Chaque sujet a son propre objet ou matériau qui attend qu’il s’additionne en un seul acte.

Dans votre travail, quel rôle joue l’aspect dérangeant des images que vous mettez en scène ?

Je veux que le spectateur se pose des questions. C’est à l’art qu’incombe cette tâche et il est responsable du contexte dans lequel il s’inscrit. La question est nécessaire pour commencer à construire des réponses.

La dimension imaginative de votre travail est-elle également liée à un aspect narratif ?

La narration est contenue dans mes œuvres, mais elle est déformée, ambiguë, ouverte à de multiples interprétations, de sorte qu’elle n’est pas totalement saisissable.

Y a-t-il aussi un côté ironique dans ce que vous faites ?

Je ne pense jamais à l’ironie dans mon travail, cet aspect émerge probablement spontanément.

Quelle importance les titres des œuvres ont-ils pour vous ?

Un titre n’est pas toujours nécessaire. Parfois, les titres précèdent l’œuvre, parfois l’œuvre n’est contenue que dans le titre. Le titre indique une clé mais ne révèle pas toujours quelque chose, c’est un leurre ou une autre interprétation.

Y a-t-il une tension spirituelle dans votre travail ?

Toute recherche est spirituelle parce qu’elle tente de trouver des réponses.

Quelle est votre conception de la mort et quel rapport entretenez-vous avec elle ?

L’arc de la vie est une parenthèse entre le néant et la non-existence.

Où vous situez-vous par rapport à votre travail ?

J’aime mon travail. Je me sens à l’aise sur mon lieu de travail. Lorsque je suis dans mon atelier, je ne pense qu’à ce qui se passe en dehors de cet espace protégé et privilégié.

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