L'art portugais au Museu Nacional de Arte Antiga de Lisbonne entre les influences flamandes et italiennes

Parmi les grands musées européens, le Museu Nacional de Arte Antiga de Lisbonne joue le rôle de Cendrillon: peu connu, il n’est certainement pas l’une des destinations les plus prisées des touristes internationaux de passage dans la capitale portugaise. Pourtant, à l’intérieur, il renferme de merveilleux chefs-d’œuvre et offre d’innombrables raisons de le visiter. Il a été créé en 1884 pour rassembler les nombreux trésors artistiques des guildes religieuses supprimées en 1834. Le succès de l’exposition rétrospective de l’art portugais et de l’art ornemental espagnol, organisée en 1881 au South Kensington Museum de Londres, aujourd’hui Victoria & Albert Museum, a été décisif pour l’ouverture du musée.

Le musée était situé dans une résidence aristocratique, construite à la fin du XVIIe siècle, appelée Palais Alvor Pombal, du nom de son premier propriétaire, le comte d’Alvor et frère du marquis de Pombal (l’architecte de la reconstruction de Lisbonne après le terrible tremblement de terre de 1774), qui l’avait achetée en 1759. Le palais, qui se trouve sur les rives du Tage , a été agrandi grâce à l’acquisition du couvent périphérique das Albertas, où l’ordre des carmélites déchaussées qui y vivait s’était éteint entre-temps.

À l’intérieur, il est possible d’admirer tout le développement de l’art portugais, ce qui n’est malheureusement pas si facile à faire dans les églises de Lisbonne, appauvries de la plupart des preuves les plus anciennes après le tremblement de terre destructeur de 1774. Mais le MNAA abrite également de remarquables chefs-d’œuvre de l’art européen, commandés par des guildes religieuses, ou appartenant à des nobles et à des collections royales.

Il n’est pas surprenant que, dans une nation profondément catholique comme le Portugal, la plupart des œuvres les plus précieuses aient longtemps été liées à des commandes religieuses. D’autre part, les artistes portugais disposaient d’une plus grande liberté de composition et de décoration dans les arts appliqués, où les influences baroques et néoclassiques européennes se mêlent à une verve coloristique vivante, toute portugaise, que l’on peut admirer ici.

Intérieur du musée

Intérieur du musée

Le jardin du musée avec vue sur le Tage

Le jardin du musée avec vue sur le Tage

Salle avec tapisserie et robe

Salle Antenor Patiño

Salle du baroque portugais

Le grand musée s’étend sur trois étages, divisés en 70 salles d’exposition. Le rez-de-chaussée et les mezzanines sont consacrés aux expositions temporaires, ainsi qu’à des salles fonctionnelles telles que l’auditorium, la bibliothèque et le cabinet des dessins et des estampes, qui sert également à exposer des œuvres par roulement. En montant au premier étage, on découvre certains des chefs-d’œuvre les plus importants du musée. Ici, les peintures et les sculptures sont regroupées par ordre chronologique ou parfois par écoles, tandis que dans d’autres salles, le critère esthétique semble prédominer.

C’est le cas de la grande salle où se trouve la tapisserie célébrant la découverte des Indes par les Portugais conduits par le capitaine Vasco da Gama en 1498, un épisode célébré de manière propagandiste dans de nombreuses tapisseries de l’époque commandées par le roi Manuel Ier. L’extraordinaire tapisserie représente de manière saisissante les nombreuses curiosités chargées sur les bateaux qui arrivaient de cette terre mystérieuse et lointaine, dont une licorne légendaire parmi les différents animaux. Dans la même salle, on trouve de belles peintures de Della Robbia et une sculpture polychrome de saint Léonard d’Andrea delle Robbia, ainsi qu’un très beau bas-relief de Sansovino. Plusieurs salles sont dominées par de majestueux triptyques ou retables, qui ont connu une grande fortune dans la péninsule ibérique, en particulier ceux des maîtres flamands.

Les couleurs précieuses et éblouissantes mettent en valeur les scènes religieuses douloureuses, où la douleur est rendue avec beaucoup de pathos et de soin, comme dans le triptyque de la Déposition de Croix de Pieter Coecke van Aelst où un Christ sans vie et décharné est descendu avec difficulté de la croix. Le triptyque de Notre-Dame de la Miséricorde de Jan Provoost est également extrêmement raffiné et brillant.

Parmi ces merveilleuses machines de dévotion, la plus célèbre est le triptyque troublant de Hieronymus Bosch avec les Tentations de saint Antoine. Les trois scènes sont peuplées d’un univers grouillant de monstres, de démons et d’autres terreurs avec lesquels le saint jongle. Dans le panneau de gauche, on voit le saint à la merci des démons qui le retiennent en vol, et après sa chute, il est soutenu par quelques hommes pour traverser un pont, lui aussi refuge du mal. Dans le panneau de droite et dans le panneau central, saint Antoine s’extirpe de ces créatures corrompues d’abord par la méditation, puis par la prière.

Hieronymus Bosch, Triptyque des tentations de saint Antoine (vers 1501 ; huile sur panneau, 131 x 238 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Anonyme flamand, Vierge à l’enfant avec perroquet (1510-1520 environ ; huile sur panneau ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Lucas Cranach l’Ancien, Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste (vers 1510 ; huile sur panneau, 61 x 49,5 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Albrecht Dürer, Saint Jérôme dans son cabinet de travail (1521 ; huile sur panneau, 60 x 48 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Piero della Francesca, Saint Augustin (1465 ; tempera sur panneau, 133 x 60 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Parmi les autres œuvres extraordinaires provenant du nord de l’Europe, il convient de mentionner celles de Quentin Metsys, le brillant précurseur de l’école d’Anvers, un peintre actif dans les trois premières décennies du XVIe siècle, très recherché par les nombreux mécènes portugais qui avaient d’importants intérêts commerciaux dans le port belge. Lui et son atelier ont été chargés de peindre le polyptyque des Sept Douleurs de Marie pour le couvent de la Mère de Dieu à Lisbonne, qui a été démembré plus récemment et est en grande partie conservé dans le musée portugais. La virtuosité picturale typiquement flamande pour les rendus matériels et les surfaces brillantes est combinée par Metsys avec un rendu plus monumental de la figure humaine, probablement dérivé de l’art italien. Dans l’extraordinaire panneau central, une imposante Madone en deuil, immergée dans un paysage vivant analysé avec un regard géologique, rappelle de près le contemporain Léonard de Vinci. Parmi les autres œuvres, citons une belle Madone de Hans Memling et un Saint Luc massif de Hugo van der Goes, ainsi qu’une exquise Madone à l’enfant d’un artiste anonyme, où l’enfant joue avec un perroquet de Macao, typique de l’Amérique du Sud, ce qui montre que l’art a été immédiatement réceptif aux nouveaux développements du nouveau continent.

Les artistes allemands sont également représentés: dans le Saint Jérôme d’Albrecht Dürer, le docteur de l’église est comprimé dans une composition massive et synthétique, ce qui renforce l’essentialité de la scène, où le saint s’adresse au spectateur, tandis qu’une diagonale souligne la relation entre le crucifix suspendu derrière lui et le crâne, symbole de méditation sur le caractère éphémère de l’existence. L’œuvre a été créée par l’Allemand lors d’un de ses voyages aux Pays-Bas, il en a fait des dessins et des variations et a pris pour modèle un homme de quatre-vingt-treize ans. L’artiste a offert le tableau à un légat de la station commerciale portugaise d’Anvers, qui a emporté l’œuvre au Portugal quelques décennies plus tard, après quoi elle est passée entre les mains de propriétaires nobles avant d’arriver au musée de Lisbonne.

Le tableau de Salomé avec la tête du Baptiste de Lucas Cranach est également célèbre. Quelques années plus tard, Lucas Cranach a reproduit le sujet avec un rendu très différent dans une œuvre conservée à Budapest. L’œuvre portugaise de 1510 marque le début de la peinture de l’univers féminin de l’Allemand, où les femmes deviennent des emblèmes de pouvoir et de ruse (des scènes avec Judith, Dalila, Lucrèce suivront) et où le contraste entre la sensualité érotique et la glaçante malice féminine domine les sujets représentés.

Les artistes italiens sont également bien représentés: le Saint Augustin de Piero della Francesca, qui fait partie d’un polyptyque réalisé par le maître toscan pour l’église Santa Chiara de San Sepolcro, sa ville natale, vaut à lui seul le (maigre) prix du billet. Le saint est conçu comme une statue de marbre massif placée dans sa niche et, dans une clarté formelle magistrale, il est animé par des scènes avec des saints et des épisodes de la vie de Jésus, que le peintre a historiés sur la chasuble et la mitre portées par le docteur de l’Église avec une incroyable maîtrise de la perspective.

Valerio Castello, Le Christ et la femme adultère (vers 1650 ; huile sur toile ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Alessandro Allori, Repos pendant la fuite en Égypte (1602 ; huile sur toile, 148 x 114 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Les Apôtres de Francisco de Zurbarán et son atelier (1633)

Gustave Courbet, Paysage d’hiver (1868 ; huile sur toile, 68 x 96 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Ensuite, un panneau de prédelle peint par Raphaël, des tableaux de Pontormo, Bronzino, Alessandro Magnasco, Luca Giordano et bien d’autres. On remarque également un noyau d’œuvres d’artistes caravagesques, bien adaptés à la passion religieuse du clergé et de l’aristocratie portugaise, comme José Ribera, Mattia Preti et l’extraordinaire cycle d’apôtres peint par Francisco de Zurbarán à la demande du roi Philippe IV de Portugal pour le monastère de São Vicente de Fora, à Lisbonne. Une peinture dogmatique fille de la Contre-Réforme, où la plasticité des figures est renforcée par les prodigieuses valeurs picturales de la lumière.

Un étage entier est ensuite consacré aux objets précieux que les marins et les marchands portugais ont rapportés des nombreuses routes commerciales et des royaumes lointains, souvent pillés, que la grande puissance navale du Portugal avait atteints: porcelaines chinoises qui s’influencent mutuellement avec les majoliques portugaises, ivoires, meubles, tapis des colonies de l’Est et de l’Afrique.

Le musée de Lisbonne possède également la plus riche collection d’art portugais au monde, des sculptures romanes polychromes massives aux sculptures sur bois gothiques, en passant par des œuvres qui témoignent de l’influence de longue date de l’art flamand sur l’art portugais, dont ils appréciaient l’éclat des couleurs et le rendu réaliste. Les relations commerciales étroites entre les Pays-Bas et le Portugal ont également influencé les échanges artistiques, de nombreux artistes portugais faisant leur apprentissage en Flandre et des maîtres flamands s’installant au Portugal. Ce dernier cas concerne des peintres tels que Frei Carlos et Francisco Henriques qui se sont installés au Portugal.

La pièce maîtresse de la collection portugaise est constituée par les six gigantesques panneaux du polyptyque de São Vicente de Fora, attribués à l’artiste du XVe siècle Nuno Gonçalves. D’une grande importance symbolique pour la culture portugaise, ce magistral portrait collectif de style flamand met en scène cinquante-huit personnages représentant la Cour et les différentes strates de la société portugaise.

Cette assemblée solennelle est un incroyable témoignage des coutumes de l’époque, “des panneaux qui délimitent l’humanité portugaise ligne par ligne”, a écrit le prix Nobel de littérature José Saramago dans son célèbre livre Voyage au Portugal.

Nuno Gonçalves, Polyptyque de Sao Vicente (vers 1470 ; six panneaux de 207,2 x 64,2, 207 x 60, 206,4 x 128, 206,6 x 60,4 et 206,5 x 63,1 cm).

Le polyptyque de Sao Vicente en cours de restauration

Anonyme portugais, Inferno (1510-1520 ; huile sur panneau, 119 x 217,5 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Quelques peintures de Frey Carlos

Frey Carlos, Triptyque du Calvaire (1520-1530 ; huile sur panneau ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Gregório Lopes, Retable avec des saints, vers 1540-45 ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Gregório Lopes, Martyre de saint Sébastien (1536-1539 ; huile sur panneau, 119 x 244 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

Domingos Sequeira, Adoration des Mages (1828 ; huile sur toile, 100 x 140 cm ; Lisbonne, Museu nacional de arte antiga)

La peinture très personnelle de l’un des plus grands protagonistes de la Renaissance portugaise, Grão Vasco (ou Vasco Fernandes), avec un dessin plus prononcé, plus proche de l’art italien que de l’art flamand, est également très intéressante. Lentement, la peinture portugaise s’est détachée de la peinture flamande, et la césure est devenue claire avec la Contre-Réforme, lorsque les artistes portugais se sont tournés vers l’Espagne et, indirectement, vers l’Italie. La saison baroque est également redevable à l’art italien, mais renonce au traitement naturaliste et à certains effets dramatiques au profit de couleurs précieuses et d’une exubérance décorative. Le plus important peintre néoclassique portugais, Domingo António de Sequeira, a également été formé à Rome.

La visite du musée est enrichie par la chapelle Saint-Albert qui appartenait au couvent, un joyau de couleurs parmi les stucs et les bois dorés et les bleus chatoyants des azulejos; la salle Patiño, nommée d’après le diplomate bolivien qui en a fait donun salon de style rococo conçu à l’origine pour l’archiduchesse d’Autriche, Marie-Antoinette ; et le magnifique jardin surélevé, qui surplombe le Tage et le port de Lisbonne, avec un restaurant, une cafétéria et un espace d’étude attenants.

Le splendide musée, outre son étonnante collection d’œuvres d’art, est aussi un authentique refuge dans le chaos festif de la capitale portugaise et, bien qu’il n’ait pas la réputation des grands musées européens, il en conserve suffisamment pour rassasier les appétits de la capitale et offrir plus d’une aventure, comme l’a affirmé Saramago.

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