L'Arcadie en peinture. La fable pastorale de Donato Creti à la Pinacothèque de Bologne

Renato Roli écrivait dans sa monographie sur Donato Creti, publiée en 1967, que la Scène arcadienne du peintre émilien, aujourd’hui conservée à la Pinacoteca Nazionale de Bologne, valait plus que toutes ses autres œuvres pour lui valoir “l’appellation flatteuse de ”Watteau bolonais“”. À la différence fondamentale, pourrait-on ajouter, que le très mesuré Creti parvenait néanmoins à être moins prude et encore moins conventionnel que l’illustre peintre français auquel il était souvent comparé. Il ne serait peut-être pas osé de considérer Creti, l’élève le plus célèbre de ce Lorenzo Pasinelli, qui avait lui-même étudié avec Simone Cantarini, le plus tempétueux et le plus agité des élèves de Guido Reni, comme une sorte de Guido Reni redivivus, capable d’actualiser le classicisme du grand maître en l’adaptant au goût et aux nouveautés de la peinture du début du XVIIIe siècle. Un art limpide, celui de Donato Creti, basé sur un dessin très précis, capable d’aborder des thèmes à la page pour satisfaire les besoins de sa clientèle, mais aussi doté d’une lucidité avisée, capable de répondre, comme l’écrit Luisa Vertova, “à la faveur des Lumières et des néoclassiques ainsi qu’au goût d’aujourd’hui, habitué aux formes géométriques et aux teintes minérales”.

La Scène arcadienne devient alors un résumé raffiné du meilleur de la peinture de Donato Creti. Dans un paysage d’invention, un paysage verdoyant et luxuriant, nous assistons à la fable pastorale inventée par le peintre bolonais: Nous sommes en Arcadie, l’ancienne région du Péloponnèse que les mythes antiques avaient élue terre de douceur, de sérénité et d’insouciance, terre d’escarmouches amoureuses entre nymphes et bergers, terre de forêts infinies, de lacs et de rivières limpides, de fruits abondants, où le temps s’écoule joyeusement entre jeux, amours, fêtes et idylles campagnardes. À la fin du XVIIe siècle, quelqu’un avait eu l’idée de faire revivre ce mythe, et à Rome, un groupe d’une douzaine d’hommes de lettres, dirigé par Gian Vincenzo Gravina et Giovan Mario Crescimbeni, avait fondé en 1690 l’Accademia dell’Arcadia: une sodalité littéraire qui se réunissait au nom de Christine de Suède et dont les membres (qui s’appelaient eux-mêmes, à juste titre, “bergers”) publiaient des rimes motivées par le désir de réagir à la complexité, aux artifices et aux excès de la littérature baroque, par le biais d’une poésie fondée sur une rigueur classique et rationnelle, et consacrée principalement à des thèmes bucoliques qui renvoyaient au lyrisme antique. Bientôt, la mode passe de la littérature aux arts visuels, et la Scena d’Arcadia de Donato Creti offre une traduction iconique des idéaux arcadiens par l’image.

Donatoadie

L’Arcadie de Creti, comme nous l’avons dit, correspond exactement à cette terre chaude à laquelle aspiraient les lettrés du début du XVIIIe siècle: un paysage idyllique au bord de la mer où, sous le feuillage de quelques chênes, nous assistons aux vicissitudes de l’important groupe de personnages que le peintre place au premier plan et à l’arrière-plan. À gauche, deux femmes en costume d’époque sont assises sur un rocher et se passent une rose: la belle fleur est au centre de la narration. Nous la trouvons au centre de la scène: elle est le symbole de l’amour et nous devons donc imaginer que c’est le thème que Creti a voulu aborder avec son tableau. Une troisième femme, assise sous l’arbre qui s’élève le long de l’axe vertical de la composition, tient quelques fleurs sur ses genoux et observe une quatrième compagne qui s’efforce d’arracher une brindille au putto visqueux qui tend les mains vers elle. À ses côtés, à contre-jour, un berger qui a posé sa flûte au sol parle à son chien, tandis que plus loin, on assiste à des jeux entre deux nymphes devant un autre putto et, à droite, à un couple d’amoureux dialoguant entre les arbres. Derrière, des sommets montagneux se découpent sur un ciel bleu, animé par des nuages blancs et des nuages plus sombres qui s’amoncellent au-dessus, dans le feuillage des arbres.

L’œuvre de Creti donne corps à des images fréquentes dans les rimes des poètes arcadiens. A titre d’exemple, on peut citer quelques vers du poète ferrarais Giuseppe Antonio Fiorentini Vaccari Gioia, publié à Bologne en 1718, qui, comme beaucoup de ses confrères, exerçait un métier différent (il était médecin), mais s’adonnait à la poésie à ses heures perdues: mort en 1717, il était très estimé dans le milieu, et certaines de ses compositions ont été incluses par Crescimbeni lui-même dans les anthologies de l’Accademia dell’Arcadia. Creti n’était pas étranger à ce milieu: il faut rappeler qu’il connaissait personnellement l’astronome Eustache Manfredi, lui aussi poète arcadien pour le plaisir, qui collabora avec Creti lorsque le peintre peignit ses célèbres Observations astronomiques , aujourd’hui conservées à la Pinacothèque vaticane. Pour revenir à Gioia, dans l’un de ses poèmes, nous retrouvons le topos des femmes qui, dans les bois, cueillent des roses et des violettes: la rose est la “regina de i fior vezzosa”, la plus belle de la vaste gamme de fleurs, à entrelacer en guirlandes avec les violettes et les lauriers sous la bénédiction de l’“amour saint”. Renato Roli a avancé l’idée d’interpréter la scène comme une allégorie de l’été, en raison de la présence des baigneuses à l’arrière-plan et de l’éventail tenu par la jeune femme au turban à gauche, bien que les éléments typiquement associés à la saison (les épis de blé, par exemple) soient absents.

Quelle que soit la signification du tableau de Donato Creti, d’un point de vue purement artistique, il s’agit de l’un des produits les plus heureux de l’art bolonais du XVIIIe siècle, ancré dans les précédents de Guido Reni, Francesco Albani (pour l’atmosphère, le cadre forestier) et Domenichino (la jeune fille enturbannée susmentionnée ressemble beaucoup aux Sibylles de Domenico Zampieri). Et les figures se retrouvent aussi bien dans d’autres tableaux de Donato Creti (la femme assise à droite est identique à la Sibylle cuméenne conservée au Museum of Fine Arts de Boston) que dans les œuvres des maîtres qui l’ont précédé: la femme qui éloigne la brindille de l’enfant ne peut manquer de rappeler, avec l’agitation des voiles, la Fortuna de Guido Reni. Ce qui a changé chez Creti, c’est plutôt la saveur de l’atmosphère, la patine conférée au tableau: Roli, pour sa part, n’a pu s’empêcher de remarquer “la saveur puriste et néo-Renaissance de l’attitude de Creti, qui dans cette toile atteint des moments d’une intensité particulière, tant dans le modelé des figures, plus rondes et plus pleines, que dans la gamme lumineuse et presque âcre des tons locaux”: la beauté classique de ce tableau investit à la fois le paysage et les formes gracieuses et ébauchées des femmes au premier plan, qui, pour l’érudit, représentaient presque “Ingres et son rêve de perfection formelle complète”.

Nous savons peu de choses sur les débuts de la Scène arcadienne . Nous pouvons être certains que le tableau était à l’origine d’un format différent et qu’il a été coupé pour le rendre ovale: nous le déduisons du fait que le groupe du berger et du chien est coupé d’une manière qui ne peut être attribuée à la volonté de l’artiste. Une telle coupe ne pouvait pas être compatible avec son goût. Et nous pouvons émettre l’hypothèse qu’il faisait auparavant partie de la collection Zambeccari, la somptueuse pinacothèque de la noble famille bolonaise qui a été intégrée à la Pinacothèque nationale à la fin du XIXe siècle, par un acte qui suivait les souhaits du marquis Giacomo, qui, en 1788, avait ordonné que sa collection soit destinée au public. Quoi qu’il en soit, même dans l’incertitude sur la signification globale du tableau et de son histoire, une chose est sûre: ce tableau, pour ceux qui l’ont commandé, était la forme d’un rêve, le rêve d’une terre heureuse, si différente et si éloignée du monde quotidien auquel les archéologues ont probablement aussi cherché à échapper, en trouvant un refuge accueillant dans les mythes antiques.

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