"Je suis sûr que je serai sa continuation": Van Gogh et Adolphe Monticelli, le peintre qui a inspiré ses tournesols

Si l’on y prête attention, il est un moment précis à partir duquel la production de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) est remplie d’extraordinaires natures mortes aux bouquets de fleurs colorés: l’été 1886. À cette époque, le peintre hollandais fréquente la galerie du marchand Joseph Delarebeyrette, 43 rue de Provence à Paris, sur la suggestion d’un ami, l’Écossais Alexander Reid, d’un an son cadet, que l’artiste connaît depuis son séjour à Londres où, comme on le sait, il s’est installé pour travailler dans la maison d’art locale Goupil. Vincent avait rencontré Reid à cette époque, car l’Écossais, fils d’un marchand de Glasgow, s’était installé à Paris pour étudier l’art français et acheter des œuvres d’artistes français. Parmi les œuvres achetées par Reid se trouvaient celles d’un Français d’origine italienne, Adolphe-Joseph-Thomas Monticelli (Marseille, 1824 - 1886), décédé au début de l’été 1886, le 29 juin. L’historien de l’art Aaron Sheon a émis l’hypothèse que c’est précisément à cette époque, et précisément dans la galerie de Delarebeyrette, que Vincent a fait connaissance avec l’art de Monticelli. L’existence d’un lien entre Reid et Monticelli ressort également des lettres de van Gogh: dans une missive envoyée à son frère Theo le 24 février 1888, Vincent écrit que Reid a réussi à faire monter les prix de l’artiste marseillais, et la nouvelle est très positive pour Vincent et son frère, qui possèdent à l’époque cinq œuvres de Monticelli. Mais quoi qu’il en soit, la rencontre entre van Gogh et Monticelli est l’une des plus fructueuses et des plus utiles de sa carrière.

Une rencontre qui, malheureusement pour van Gogh, n’a pu se faire qu’à travers les œuvres: les deux hommes ne se sont jamais rencontrés, Vincent n’avait probablement pas encore vu les peintures de Monticelli lorsque ce dernier a disparu. Mais grâce aux œuvres qu’il avait réussi à se procurer, il avait pu se faire une idée de ce que devaient être l’homme et l’artiste. Dans une lettre adressée le 26 août 1888 à sa sœur Willemien, alors que le peintre a déjà quitté Paris pour s’installer à Arles, il évoque un tableau de Monticelli, un Vase de fleurs, qui se trouvait dans la maison de Théo (et qui se trouve aujourd’hui au musée Van Gogh d’Amsterdam), en posant à Willemien une question rhétorique: que pourrait-on dire de ce tableau? “C’était un homme fort, écrit Vincent, un peu déséquilibré, parfois même un peu excessif, qui rêvait de soleil, d’amour et de bonheur, mais qui était toujours frustré par sa condition de pauvre, un coloriste d’un goût extrêmement raffiné, un homme d’une espèce rare, de ceux qui perpétuent les meilleures traditions anciennes. Il est mort à Marseille, assez tristement, et sans doute après avoir subi un véritable calvaire. Eh bien, je suis sûr que je serai son continuateur, comme si j’étais son fils ou son frère”.

Et en effet, Monticelli était un artiste assez isolé, un artiste encore peu connu aujourd’hui, malgré la grande originalité de ses recherches: une originalité qui n’a cependant pas été bien interprétée par ses contemporains, qui trouvaient ses tableaux plutôt bizarres, et pour cette raison les tableaux de Monticelli, que l’artiste lui-même vendait pour très peu d’argent, n’ont jamais eu beaucoup d’acheteurs, et van Gogh lui-même témoigne que le peintre est mort dans la misère (et vraisemblablement tout seul). Il avait été formé par le plus “extrême” des peintres de l’école de Barbizon, le Français d’origine espagnole Narcisse Díaz de la Peña (Bordeaux, 1807 - Menton, 1876), qui compensait la théâtralité de ses vues et sa fascination encore romantique pour les forêts complexes et les paysages idylliques par une technique basée sur une touche plus rapide et un coup de pinceau plus doux que celui de ses collègues. Monticelli l’avait rencontré en 1853, et cette rencontre fut déterminante pour sa carrière, car elle lui permit d’abandonner la tradition académique dans laquelle il avait été formé et d’adopter un style de peinture plus libre, celui pour lequel il devint plus tard universellement connu. Ensemble, Díaz et Monticelli explorent la forêt de Fontainebleau à la recherche d’aperçus à peindre dans leurs vues. Le peintre franco-espagnol se spécialise dans les tableaux de petit format qui plaisent aux collectionneurs de l’époque: des œuvres représentant des baigneuses, des nymphes ou des bergers immergés dans des paysages boisés, renouant avec une tradition du XVIIe siècle, mais aussi avec la tradition de la fête galante du XVIIIe siècle, qui consistait à représenter d’élégantes scènes de fête immergées dans des forêts verdoyantes. Monticelli va encore plus loin et, à l’époque du renouveau de la fête galante rococo (plusieurs peintres, comme Emile Wattier, se consacrent dans ces mêmes années à un renouveau fatigué et maniéré, mais répondant aux attentes des acheteurs, du genre dans lequel des peintres comme Antoine Watteau, Nicolas Lancret et Jean-Honoré Fragonard avaient excellé un siècle plus tôt), il hybride ce dernier avec la tradition de la fête galante rococo, il hybrida ce dernier avec la spontanéité de la peinture barbizonnière, aboutissant à des résultats novateurs qui ne furent pas pleinement compris par ses contemporains, qui se contentèrent de le surnommer “le Watteau de Provence”, car les “fêtes galantes” devinrent rapidement le volet le plus important et le plus populaire de sa production.

Narcisse Díaz de la Peña, Figures avec chien dans un paysage (1852 ; huile sur panneau, 43,8 x 29,8 cm ; New York, Metropolitan Museum)

Narcisse Díaz de la Peña, Étang à Fontainebleau (1875 ; huile sur panneau, 45,4 x 55,7 cm ; New York, Brooklyn Museum)

Adolphe Monticelli, Dames au jardin (1870 ; huile sur panneau, 38,7 x 61,7 cm ; Liverpool, Walker Art Gallery)

Adolphe Monticelli, Scène dans un jardin (vers 1875-1878 ; huile sur panneau, 39,4 x 61,9 cm ; New Haven, Yale Art Gallery)

En réalité, Monticelli est plus qu’un simple épigone de Watteau et de ses collègues. Approchant, comme nous l’avons vu, la peinture de l’école de Barbizon dès les années 1950, il avait déjà mûri à la fin des années 1860 et au début de la décennie suivante une pleine compréhension des innovations des impressionnistes (le Marseillais était en effet présent à Paris vers 1870), même si de nombreuses différences l’en séparaient, à commencer par l’utilisation de la lumière, qui chez Monticelli est beaucoup plus lourde et oppressante (l’exact contraire de ce qui se passe dans les tableaux impressionnistes), et la tonalité même de la composition: lorsque Monticelli imagine ses œuvres, plutôt que l’instantané d’une impression, il pense à une symphonie musicale (le célèbre critique Camille Mauclair, en 1902, rapporte une réflexion de Monticelli, qui lui aurait été rapportée par d’autres, selon laquelle le peintre marseillais dirait un jour que “ce que représentent mes tableaux, femmes, parcs, paons ou fleurs, n’est que décoration, tandis que les couleurs sont l’orchestre, et la lumière le ténor”). Expérimentation après expérimentation, en essayant une grande variété de sujets, de manière progressive, Monticelli arrive, dans les années 1970, à l’élaboration d’un style inédit, totalement personnel, fait de coups de pinceau riches et doux, avec des détails souvent en relief, des couleurs chaudes et intenses, qui rappellent la peinture de Delacroix, le tout régi par un fort sens de l’harmonie. Une peinture qui, à en juger par ceux qui l’ont appréciée (van Gogh surtout), a su donner corps aux sensations ressenties par l’artiste (même si elle est probablement née avec l’intention de faire ressembler les scènes galantes à de précieuses tapisseries: la technique a ensuite connu d’autres évolutions pour arriver à cette matière corsée que van Gogh aimait tant). Je repense à ce que je cherchais avant d’arriver à Paris“, écrit Vincent dans une lettre adressée à Théo depuis Arles le 18 septembre 1888, ”et je ne sais pas si quelqu’un avant moi a déjà parlé de “couleur suggestive”. Mais Delacroix et Monticelli, même sans en avoir parlé, l’ont fait". Et les frères van Gogh ont en effet toujours manifesté un certain enthousiasme pour l’art marseillais.

Le Vase de fleurs qui se trouve aujourd’hui au Musée Van Gogh d’Amsterdam est probablement un cadeau que Reid a offert à van Gogh: le but de l’Écossais était en effet de faire connaître l’art de Monticelli, même si ce n’était pas dans un but culturel: Reid avait misé beaucoup sur Monticelli et voulait en faire monter le prix... et finira par y parvenir, comme van Gogh lui-même l’affirme dans la lettre citée plus haut. D’ailleurs, le Vase à fleurs est souvent mentionné dans sa correspondance, et c’est une œuvre que Vincent et Théo admiraient beaucoup. La lumière venant de la gauche fait ressortir les couleurs en définissant, presque en relief, un vase dont le corps ressemble presque à une mosaïque, placé en position légèrement décentrée pour rompre la symétrie de la composition. La profondeur est simplement suggérée par la longue ombre portée sur la table. Les fleurs sont construites par des coups de pinceau courts et denses, étalés rapidement et irrégulièrement, sans finition. Le Vase de fleurs est un tableau qui réussit à renouveler un genre particulièrement en vogue en France à l’époque, et le peintre a su donner à ses fleurs un nouvel éclat et une nouvelle fraîcheur, ce qui a suscité une grande appréciation de la part de Vincent. Ce sont des fleurs qui vibrent: van Gogh en était parfaitement conscient. Lorsqu’il pense au Vase de fleurs, il sent que Monticelli est, selon lui, le seul artiste capable de percevoir la couleur avec une telle intensité: les fleurs ressemblent à des pierres précieuses, elles révèlent une richesse de couleur sans précédent, elles émergent du tableau grâce à la technique très particulière de Monticelli, à laquelle van Gogh cherche à se référer. C’est dans une lettre adressée à Theo encore, depuis Arles, le 25 mars 1888, que Vincent décrit ce qu’il ressent devant le Vase de fleurs de Monticelli. Le peintre écrit à son frère qu’une de leurs connaissances, le marchand néerlandais Hermanus Gijsbertus Tersteeg, qui travaillait chez Goupil, a manifesté l’intention d’acheter un tableau du Français. Tu devrais lui dire, écrit Vincent à son frère, que nous avons dans notre collection un bouquet de fleurs plus artistique et plus beau qu’un bouquet de Díaz. Que Monticelli a parfois eu besoin d’un bouquet de fleurs pour réunir sur un seul tableau toute la gamme de ses tons les plus riches et les plus colorés. Qu’il faut remonter à Delacroix pour retrouver un tel niveau d’orchestration des couleurs. Et que nous connaissons un autre bouquet de très bonne qualité et à un prix raisonnable (je parle du tableau chez Delarebeyrette), et que nous le considérons comme bien supérieur aux “peintures de figures” de Monticelli.

Monticelli peut être considéré comme l’un des artistes qui ont influencé van Gogh au point de changer complètement sa façon de peindre. Après un long séjour à Nuenen (à l’époque des œuvres “paysannes”, comme Les mangeurs de pommes de terre) et après avoir passé quelque temps à Anvers, où il avait fait connaissance avec les estampes japonaises et en était un grand amateur, Vincent rejoignit Theo à Paris au début de l’année 1886. Son frère, qui travaillait dans la capitale française, avait vivement conseillé à Vincent de s’installer à Paris, où il aurait pu fréquenter l’un des centres artistiques les plus fervents du monde, avec tout ce que cela aurait impliqué. À Paris, la palette de Vincent est devenue plus claire et plus lumineuse, les atmosphères sont devenues plus légères et son coup de pinceau a atteint une nouvelle immédiateté, dont les prémisses peuvent être retracées à Nuenen, mais qui, à Paris, a pu mûrir et s’exprimer au mieux. L’un des premiers tableaux où l’on peut constater la percée de van Gogh dans la peinture (ainsi que sa dépendance à l’égard de Monticelli) est le Vase avec zinnias et autres fleurs, exécuté au cours de l’été 1886 et aujourd’hui conservé au Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, où il se trouve depuis 1950 à la suite d’un achat. Nous ne savons pas s’il s’agit du premier tableau à thème floral de van Gogh, qui, comme nous le savons, avait une grande passion pour les fleurs, qui sont devenues un sujet favori de son art en 1886: ses amis lui en achetaient souvent pour qu’il les peigne, et lui-même achetait des bouquets de fleurs peu coûteux pour les besoins de sa peinture. Mais il était certainement l’un des plus proches de Monticelli, et l’un des premiers d’une longue série qui allait se poursuivre pendant quelques années. Theo écrit à sa mère en juillet 1886 pour expliquer pourquoi van Gogh s’intéressait tant aux fleurs: le peintre était à la recherche d’une nouvelle vivacité pour son art, il voulait expérimenter des couleurs plus vives. Les fleurs de Van Gogh peuvent en effet être considérées comme l’une de ses œuvres les plus joyeuses, et ce type de peinture était également bon pour son caractère, comme en témoigne son frère lui-même, selon lequel Vincent était devenu plus léger qu’auparavant à cette époque, et plus apprécié par les personnes avec lesquelles il traitait.

Adolphe Monticelli, Vase avec fleurs (vers 1875 ; huile sur panneau, 51 x 39 cm)

Vincent van Gogh, Vase avec zinnias et autres fleurs (1886 ; huile sur toile, 50,2 x 61 cm ; Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada)

N’ayant pas les moyens de payer des modèles pour poser pour lui, Vincent s’est tourné vers les fleurs (ce n’est pas une supposition: il l’a lui-même déclaré). Et pendant un certain temps, il a essayé de les peindre avec la même technique que Monticelli et les mêmes éléments: le vase “canadien” en est un exemple clair. Le récipient est posé sur une table claire, qui reflète cependant la lumière (on voit les coups de pinceau sur sa surface, plus étalés et compacts que ceux du bouquet), une certaine lueur persiste sur la céramique, exactement comme dans les vases de Monticelli, et les fleurs se détachent sur un fond sombre qui fait ressortir la splendeur de leurs couleurs. La couleur n’est pas parcimonieuse, elle est appliquée en grande quantité pour dessiner les contours des fleurs avec des coups de pinceau courts mais lumineux (et avec la même couleur déclinée dans des gammes légèrement différentes pour donner une plus grande impression de mouvement), ce qui donne presque vie aux fleurs. Notez la proximité des zinnias de van Gogh avec un autre tableau de Monticelli, le Bouquet de la Phillips Collection: Duncan Phillips, le collectionneur qui a rassemblé cette importante collection, estimait que Monticelli était le trait d’union entre Delacroix et van Gogh. C’est d’ailleurs le peintre néerlandais lui-même qui considérait Monticelli comme proche du grand peintre romantique français. Monticelli connaissait probablement la théorie des couleurs de Delacroix, qui utilisait les contrastes entre les différents tons pour accentuer les effets dramatiques de ses tableaux et communiquer une atmosphère ou un sentiment, et juxtaposait les couleurs complémentaires pour obtenir une plus grande luminosité (ce n’est pas un hasard si Delacroix étudiait depuis longtemps les tableaux de Paolo Veronese, le plus grand dans l’utilisation des couleurs complémentaires). “Monticelli, coloriste logique”, écrit Vincet à Théo depuis Arles le 1er juillet 1888, “capable de suivre les calculs les plus ramifiés et les plus subdivisés sur la gamme des tons dont il recherche l’équilibre, a certainement travaillé en se creusant la tête, comme l’ont fait Delacroix et Richard Wagner”. Et encore: “Je pense souvent à cet excellent peintre Monticelli, qui selon les gens était un ivrogne, un fou, quand je me vois revenir de ce grand effort mental pour équilibrer les six couleurs essentielles, le rouge, le bleu, le jaune, l’orange, le violet, le vert”. Les résultats de cet effort ont d’abord été des œuvres telles que le Vase avec des zinnias et d’autres fleurs à Ottawa, ou le Vase avec des œillets au musée Boijmans van Beuningen à Rotterdam, ou le Vase avec des bleuets, des coquelicots, des pivoines et des chrysanthèmes aujourd’hui au musée Kröller-Müller à Otterlo, ou le Bassin avec des tournesols, des roses et d’autres fleurs à la Kunsthalle de Mannheim (ces deux dernières œuvres se caractérisent par une expérimentation intense des couleurs complémentaires).

Pour van Gogh, les fleurs sont, par essence, un sujet sur lequel il continue à travailler, à tel point qu’au cours du seul été 1886, le peintre néerlandais a peint environ trente-cinq natures mortes avec des fleurs. Au fil des années, la peinture de van Gogh va ensuite se détacher de celle, si fidèle, de Monticelli pour devenir plus stylisée, plus tourmentée, plus expressionniste: en témoigne le Bouquet de fleurs dans un vase aujourd’hui conservé au Metropolitan Museum de New York, un tableau d’ailleurs assez difficile puisqu’il n’est pas mentionné dans la correspondance de van Gogh et qu’il est diversement daté: Certains considèrent qu’elle a été peinte entre 1886 et 1887, d’autres qu’elle a été peinte dans les derniers mois de sa vie, en 1890, car elle partage de nombreux éléments avec les paysages que Vincent a peints à Auvers-sur-Oise: la gamme de couleurs, les couches plus épaisses et plus “géométriques”, les coups de pinceau sinueux et tourbillonnants, le modelé qui relève davantage du graphisme que de la peinture. L’historien de l’art Joseph J. Rishel, ancien conservateur du Philadelphia Museum of Art, dans une publication sur la collection Annenberg du Metropolitan de New York (le noyau qui contient l’œuvre susmentionnée), établit une comparaison entre le Bouquet de fleurs dans un vase et le Vase de fleurs de Monticelli que les frères van Gogh possédaient dans leur collection. "Monticelli, écrit Rishel, a la même densité que van Gogh, les contrastes de couleurs s’étalent rapidement, du sombre au clair (sans calcul des couleurs complémentaires), le tout sur une surface couverte de coups de pinceau avec le même degré d’empâtement. Mais l’image de Monticelli, qui projette une ombre, est réalisée avec moins d’intensité que celle de van Gogh, qui est spatialement plus dessinée sur la surface. Chez van Gogh, la table et l’image elle-même se dissolvent dans des coups de pinceau en pointillés, ce qui confère au tableau une qualité plus visionnaire et moins étudiée que chez Monticelli, même si van Gogh a trouvé dans les tableaux de l’artiste plus âgé (comme il le fera dans ceux de Delacroix) le moyen d’abandonner à la fois sa manière antérieure, plus sombre, et les peintures plus analytiques sur le plan des couleurs de ses contemporains.

Adolphe Monticelli, Bouquet (vers 1875 ; huile sur panneau, 69,2 x 49,2 cm ; Washington, Phillips Collection)

Vincent van Gogh, Vase avec œillets (1886 ; huile sur toile, 40 x 32,5 cm ; Rotterdam, Museum Boijmans van Beuningen)

Vincent van Gogh, Vase avec bleuets, coquelicots, pivoines et chrysanthèmes (1886 ; huile sur toile, 99 x 79 cm ; Otterlo, Musée Kröller-Müller)

Vincent van Gogh, Bassin avec tournesols, roses et autres fleurs (1886 ; huile sur toile, 50 x 61 cm ; Mannheim, Kunsthalle)

Vincent van Gogh, Bouquet de fleurs dans un vase (1887? ; huile sur toile, 65,1 x 54 cm ; New York, Metropolitan Museum)

Vincent van Gogh, Tournesols (1888 ; huile sur toile, 92,1 x 73 cm ; Londres, National Gallery)

Les recherches de Van Gogh aboutiront plus tard à sa série la plus célèbre, les Tournesols, combinant le soleil chaud du Midi, le sud de la France où l’artiste s’est installé en 1888, et les expériences sur la couleur qu’il menait à Paris depuis quelques années. Il existe des liens entre Monticelli et les Tournesols, dont on trouve des traces dans la lettre de van Gogh à Willemien, mentionnée plus haut. Dans cette missive, le peintre fait part à sa sœur de son dernier projet: il est en train de peindre un vase de tournesols. Celle qui se trouve aujourd’hui à la National Gallery de Londres et qui est devenue l’une de ses peintures les plus célèbres. C’est l’une des cinq versions connues du tableau (en plus de la version japonaise détruite et de la version conservée dans une collection privée américaine) qui sont conservées dans les musées du monde entier. En choisissant ces fleurs comme sujet, Vincent van Gogh a voulu exprimer la beauté de la nature, la chaleur du sud, et probablement aussi divers sentiments: la gratitude, le bonheur, le sens de l’amitié. Nous pouvons seulement dire ici qu’avec ses Tournesols, van Gogh a aussi explicitement voulu établir un lien idéal avec Monticelli, avec l’artiste, avec l’homme.

La lettre à Willemien reste la clé pour comprendre son sens de la déférence à l’égard du malheureux peintre français. Comme nous l’avons vu, Vincent avait déclaré qu’il se sentait son continuateur. Et plus tard, il expliquera non seulement pourquoi, mais aussi pourquoi il avait l’intention de le faire avec les Tournesols. En effet, Vincent écrivait à sa sœur, le 26 août 1888, en plein été provençal, que “Monticelli est un peintre qui a rendu le Midi avec ses pleins jaunes, avec ses pleins oranges, avec ses pleins soufres. La plupart des peintres, n’étant pas coloristes eux-mêmes, ne voient pas ces couleurs, et tiennent pour fou le peintre qui voit avec d’autres yeux que les leurs. Il faut s’y attendre. J’ai donc déjà préparé un tableau entièrement jaune, représentant des tournesols (quatorze fleurs) dans un vase jaune, sur un fond jaune. Et je compte bien l’exposer un jour à Marseille. Et vous verrez qu’il y aura des Marseillais, ou d’autres, qui se souviendront de ce que Monticelli a fait et dit”.

Bibliographie de référence

• Sjraar van Heugten, Van Gogh and the seasons, Princeton University Press, 2018
• Colin B. Bailey (ed.), The Annenberg Collection: Masterpieces of Impressionism and Post-Impressionism, The Metropolitan Museum, 2009
• Ronald de Leeuw (ed.), The Rijksmuseum Vincent van Gogh, W Books, 2005
• Stephen D. Borys (ed.), Post-impressionist masterworks from the National Gallery of Canada, National Gallery of Canada, 2000
• Judith Bumpus, Les fleurs de Van Gogh, Phaidon, 1998
• Aaron Sheon (ed.), Monticelli, his contemporaries, his influence, catalogue d’exposition (Pittsburgh, Museum of Art, Carnegie Institute, 27 octobre 1978 au 7 janvier 1979), Carnegie Institute, 1978

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