Dix choses à savoir sur Maria Helena Vieira da Silva, importante peintre portugaise du XXe siècle

L’artiste portugaise Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 - Paris, 1992) a été une figure énigmatique et multiforme de la scène artistique du XXe siècle, redécouverte en Italie en 2025, un peu plus de trente ans après sa mort, avec une exposition à la Peggy Guggenheim Collection de Venise (du 12 avril au 15 septembre 2025, sous la direction de Flavia Frigeri). Artiste formée dans la tradition de son pays, le Portugal, elle est néanmoins imprégnée de l’art italien et se tourne également vers les avant-gardes du début du XXe siècle, surtout le cubisme et le futurisme, et vers des figures telles que Picasso, Matisse et Cézanne. La complexité de ses intérêts se reflète dans son vocabulaire visuel, qui mêle formes, couleurs et perspectives pour explorer l’ambivalence entre le réel et l’imaginaire, en recourant souvent à des environnements abstraits et à des illusions d’optique.

Sa vie apparemment simple cachait un dévouement absolu à l’art, un engagement inébranlable qui l’a accompagnée depuis sa première peinture à l’huile à l’âge de treize ans jusqu’à sa mort. Dans ses œuvres, Vieira da Silva a transfusé tout ce qu’elle connaissait, expérimentait et imaginait : des piles de livres dans les bibliothèques aux arlequins dansants, des échafaudages de chantier aux paysages urbains et à l’anatomie de l’espace lui-même. Cet article vise à dresser un portrait approfondi de cette artiste hors du commun, en analysant les influences qui ont façonné son parcours, sa méthode de travail et les thèmes récurrents de son œuvre, révélant ainsi l’anatomie d’un espace à la fois intérieur et extérieur.

Maria Helena Vieira da Silva a développé un style unique et reconnaissable, caractérisé par une exploration profonde de l’espace et de la perspective. Ses œuvres ne se limitent pas à la représentation d’objets ou de figures, mais tentent de rendre visible l ’anatomie de l’espace lui-même, en le décomposant et en le recomposant sous des formes géométriques et abstraites (c’est le thème sous-jacent de l’exposition vénitienne). L’un des éléments distinctifs de son style est l’utilisation d’une perspective complexe et stratifiée, qui crée un sentiment de profondeur et d’ambiguïté. Ses toiles sont souvent peuplées de “carrés-joyaux” disposés les uns à côté des autres, qui génèrent un effet de mouvement et révèlent des figures dansantes émergeant de l’espace.

Vieira da Silva a été influencée par plusieurs courants artistiques. Elle a cependant su développer un langage personnel et original, qui a fait d’elle une figure marquante de l’art abstrait européen du XXe siècle. Son style est un dialogue entre l’ordre et le chaos, entre la structure et le mouvement, reflétant la complexité de la réalité et de l’expérience humaine. Une artiste pourtant peu connue en Italie : voici donc dix choses à savoir sur Maria Helena Vieira da Silva pour mieux connaître cette figure singulière.

1. Elle a mené une vie apparemment simple, mais culturellement dense et solitaire

Née à Lisbonne dans une famille riche et culturellement stimulée, Vieira da Silva a reçu une éducation privée qui l’a conduite à passer de nombreuses heures dans la solitude pendant son enfance. “Je n’ai jamais connu d’autres enfants”, dit-elle. “Parfois, j’étais complètement seule, parfois j’étais triste, voire très triste. Je me réfugiais dans le monde des couleurs, dans le monde des sons. Je crois que toutes ces influences se sont fondues en une seule entité, à l’intérieur de moi”. Cet état, bien que parfois source de tristesse, a été pour elle une ressource précieuse : la solitude lui a permis de développer un monde intérieur riche. Son éducation a été fortement influencée par son environnement familial, qui l’a encouragée à cultiver une passion pour l’art, la musique et la littérature.

La peintre elle-même a décrit sa vie comme “apparemment simple”, mais cette simplicité cachait une complexité faite de réflexions profondes et d’activités créatives intenses. Son éducation solitaire a contribué à faire d’elle une personne réservée, mais aussi capable d’une grande concentration et d’un grand dévouement au travail artistique. Sa sensibilité a été nourrie par la lecture, la musique classique et les voyages, éléments qui ont fusionné en une seule entité en elle, alimentant son imagination et sa capacité à traduire en peinture les émotions les plus subtiles et les plus complexes.

2. Une dette profonde à l’égard de l’art italien

En 1928, au début de sa carrière, Maria Helena Vieira da Silva entreprend un voyage fondamental en Italie qui influencera profondément sa vision artistique. Elle visite des villes riches en histoire et en art comme Milan, Padoue, Venise, Bologne, Florence, Pistoia, Pise et Gênes, où elle se consacre à de rapides croquis et annotations, montrant un intérêt vif et immédiat pour les fresques et les œuvres des XIVe et XVe siècles. Pour elle, ces chefs-d’œuvre représentent l’aube de la modernité et lui donnent une base solide pour comprendre la perspective, la composition et la spatialité. En particulier, l’œuvre de Paolo Uccello, avec sa perspective verticale innovante et sa construction dynamique de l’espace, a laissé une marque indélébile sur sa compréhension de la profondeur et de la structure picturale. Vieira da Silva a été tellement impressionnée par le triptyque de la bataille de San Romano", écrit l’universitaire Jennifer Sliwka, “que lorsque, dix ans après avoir terminé ses études à Florence et à Paris, elle a cherché des modèles visuels pour composer des œuvres sur les atrocités de la Seconde Guerre mondiale, elle est revenue à ces compositions, où les lois de la perspective semblaient être employées pour tenter de mettre de l’ordre dans le chaos de la bataille”.

Ce voyage a été un moment d’entraînement intensif qui lui a permis de relier la tradition de la Renaissance à l’expérimentation moderne, jetant les bases du langage abstrait et dialectique qu’elle développera par la suite. Son attention aux détails architecturaux et à la construction de l’espace, ainsi que sa capacité à synthétiser les formes et les volumes, découlent en grande partie de cette immersion dans l’art italien, que Vieira da Silva considère comme un point de départ essentiel pour sa recherche artistique.

3. La rencontre avec Paris et la formation artistique entre sculpture et peinture

À l’âge de dix-neuf ans, en 1928, Vieira da Silva s’installe à Paris, alors épicentre de l’avant-garde artistique, afin de donner à sa passion pour l’art une tournure professionnelle. Elle commence par étudier la sculpture à l’Académie de la Grande Chaumière, sous la direction de maîtres tels qu’Antoine Bourdelle et Charles Despiau, mais se tourne rapidement vers la peinture, attirée par la liberté d’expression et la possibilité d’explorer l’espace sur la toile.

"Paris, écrit Flavia Frigeri, n’a pas seulement offert à Vieira da Silva une formation artistique indépendante, peu accessible à Lisbonne, mais l’a aussi plongée dans la réalité de l’avant-garde qu’elle n’avait jusqu’alors connue que de loin. La découverte de l’œuvre de Picasso, mais plus encore des couleurs d’Henri Matisse, de la perspective de Pierre Bonnard, des sujets et de l’architecture picturale de Paul Cézanne, l’a poussée à rechercher ce qui lui semblait alors insaisissable et qui, quelques années plus tard, se matérialiserait dans un langage abstrait très personnel. Ces artistes ont profondément influencé ses recherches, l’incitant à développer un langage caractérisé par l’importance accordée à la structure, à la perspective et à la couleur. Sa formation parisienne a donc été un creuset de stimuli et d’expérimentations qui lui a permis de dépasser la tradition portugaise et d’entrer dans le débat artistique international, tout en conservant des liens étroits avec ses racines culturelles et sa vision unique de l’espace.

4. Dans sa relation avec Arpad Szenes, elle est la figure de proue

En 1928, peu après son arrivée à Paris, Vieira da Silva rencontre Arpad Szenes, un peintre hongrois avec lequel elle noue une relation profonde et durable. Leur relation, qui durera jusqu’à la mort de Szenes en 1985, se caractérise par une intense complicité, tant personnelle qu’artistique.

Malgré les stéréotypes qui relèguent souvent les femmes au second plan dans les couples d’artistes, c’est Vieira da Silva qui s’impose comme une figure marquante et indépendante. Szenes respectait et admirait son dévouement à la peinture, la célébrant dans les nombreux portraits qu’il lui a consacrés pendant qu’elle travaillait. Elle décrit leur vie commune comme “merveilleuse”, basée sur une connaissance totale et intime de l’autre. Cette relation a été un soutien fondamental pour Vieira da Silva, qui a pu ainsi se consacrer entièrement à son art sans compromis, en vivant un amour qui s’est mêlé à sa passion pour la peinture et qui lui a permis de conserver une position de premier plan sur la scène artistique européenne.

5. L’atelier est pour elle non seulement un lieu de création, mais aussi un sujet pictural

L’atelier de Vieira da Silva n’est pas un simple espace de travail, mais un véritable thème récurrent dans son œuvre. En 1934-35, elle réalise Atelier, Lisbonne, une peinture qui dépeint l’atelier comme une architecture essentielle, réduite à des plans transparents et à des structures minimales. Cette œuvre témoigne de son attention à l’anatomie de l’espace, influencée par les éléments architecturaux et la structure osseuse humaine.

L’idée de dépouiller l’espace de tout ce qui est superflu pour ne laisser que le cadre essentiel se retrouve également dans d’autres œuvres contemporaines, où l’architecture devient un exercice de synthèse et de profondeur. L’atelier est pour elle un monde à part entière, un lieu où le temps se dilate et où la peinture se développe lentement, dans un dialogue permanent entre l’artiste et la toile. La photographie prise en 1947 par Denise Colomb dans son atelier parisien rend compte de cette atmosphère : Vieira da Silva y apparaît sous plusieurs formes, comme si l’atelier était un lieu de stratifications, de présences multiples reflétant la complexité de son art.

6. Une curieuse fascination pour les os

Pendant ses études à Lisbonne, Vieira da Silva a suivi un cours d’anatomie qui l’a amenée à dessiner des os dans toutes les positions, une activité qu’elle aimait beaucoup. L’omoplate, en particulier, la fascinait en tant que “chef-d’œuvre” de forme et de structure. “J’en dessinais des centaines”, écrit l’artiste. “Je dessinais des os dans toutes les positions, ce qui me plaisait beaucoup. L’omoplate était pour moi un chef-d’œuvre. Je me promenais avec les os dans mon sac, je les ramenais plusieurs fois chez moi pour les dessiner”.

Contrairement à ce que l’on pourrait penser, cet intérêt ne l’a pas orientée vers un réalisme figuratif, mais l’a poussée vers une abstraction rigoureuse, où chaque ligne et chaque forme sont construites avec le même soin et la même précision que ceux avec lesquels elle aurait représenté un os humain. Ce souci du détail et de la structure se reflète dans ses compositions picturales, où l’espace devient un organisme complexe et articulé, semblable à un système squelettique. L’anatomie a donc été pour Vieira da Silva une clé pour comprendre et représenter l’espace d’une nouvelle manière, en allant au-delà de la simple représentation vers une synthèse formelle et conceptuelle.

7. Un processus de création lent, méticuleux et quotidien

Vieira da Silva travaillait avec une patience et un dévouement extrêmes, mettant souvent des années à achever un seul tableau. Il aimait garder ses œuvres dans l’atelier pendant de longues périodes, les observant sous différentes conditions de lumière et à différents moments de la journée, afin de capturer de nouvelles nuances et possibilités. Sa peinture n’était pas un acte impulsif, mais un processus continu et réfléchi qui occupait chaque instant de sa vie.

Comme elle le disait elle-même, le meilleur moment pour travailler était après cinq heures du soir, lorsqu’elle se sentait plus libre de ses soucis. Elle travaillait sur plusieurs tableaux en même temps, et même pendant les activités quotidiennes telles que répondre au téléphone ou recevoir des visiteurs, elle aimait rester dans l’atelier à regarder ses toiles, consciente que chaque changement de lumière en modifiait l’aspect. Ce dévouement quotidien et la capacité de revenir plusieurs fois sur une œuvre pour la perfectionner sont des traits distinctifs de sa méthode de création.

8. Dans ses œuvres, l’espace et la figure humaine se confondent

Dans les peintures de Vieira da Silva, l’espace et le corps humain cessent d’être des entités séparées et se fondent en une seule réalité dynamique et interconnectée. Un exemple emblématique de cette fusion est le Portrait de Marie-Hélène de 1940, dans lequel l’artiste se représente en train de travailler dans son atelier. Dans cette œuvre, l’espace environnant semble presque danser, les couleurs, les formes et les perspectives s’entremêlant dans un flux continu. Les figures qui émergent de la toile ne sont pas des entités statiques, mais plutôt des éléments en mouvement qui se dilatent et se contractent, s’intégrant harmonieusement à leur environnement.

Cette fusion du corps et de l’espace reflète la conception de Vieira da Silva, qui considère la peinture comme un organisme vivant, dans lequel chaque élément contribue à un équilibre dynamique et à une profondeur émotionnelle. La perspective traditionnelle est dépassée pour laisser place à une vision plus complexe et stratifiée, qui engage le spectateur dans une expérience visuelle et sensorielle unique. Les “carrés en forme de joyaux” qui remplissent la toile, disposés les uns à côté des autres, créent une sensation de mouvement et de profondeur, révélant une série de figures dansantes qui semblent émerger de l’espace lui-même. Cette capacité à fusionner l’espace et la figure humaine est une constante dans l’œuvre de Vieira da Silva, ce qui la rend reconnaissable et distinctive.

9. Pour elle, l’art est un dialogue entre le réel et l’imaginaire, entre l’ordre et le chaos

Le vocabulaire visuel de Vieira da Silva est basé sur une tension permanente entre le réel et l’imaginaire, entre l’ordre et le chaos. Grâce à l’utilisation de formes géométriques, de couleurs vives et de perspectives complexes, ses œuvres évoquent des espaces labyrinthiques et ambigus dans lesquels la perception se multiplie et se superpose. Ces espaces ne sont jamais définis de manière unique, mais s’ouvrent à de multiples interprétations, remettant en question la linéarité et la simplicité.

Sa peinture est un dialogue constant entre la structure et le mouvement, entre des éléments qui s’attirent et se repoussent, reflétant la complexité de la réalité et de l’expérience humaine. Une œuvre comme La Chambre à carreaux de 1935, avec sa pièce carrelée composée de carrés et de losanges qui vont et viennent dans une composition rythmée de couleurs complémentaires et dissonantes, incarne parfaitement cette tension entre l’ordre et le chaos. La capacité de Vieira da Silva à créer des espaces ambigus et complexes qui échappent à une définition univoque est ce qui rend ses œuvres si fascinantes et riches de sens, invitant le spectateur à s’immerger dans un monde visuel à la fois familier et mystérieux.

10. Il passe une période d’auto-exil au Brésil

En 1939, avec le début de la Seconde Guerre mondiale et l’occupation de Paris par les nazis, Vieira da Silva et son mari Arpad Szenes, tous deux considérés comme des étrangers indésirables, sont contraints de quitter la France. Ils ont trouvé refuge au Brésil, où ils ont vécu pendant environ huit ans. Cette période représente un exil forcé, marqué par des difficultés économiques et un sentiment d’isolement culturel. Malgré les difficultés, Vieira da Silva a continué à peindre, trouvant dans son travail un refuge et une forme d’expression. Loin de la ferveur artistique de Paris, elle a développé une nouvelle perspective et une plus grande introspection, qui se reflètent dans ses œuvres. "Conséquence de cette situation ou peut-être pour tenter d’y remédier, écrit Frigeri, elle a canalisé sa douleur dans l’art. Pendant son séjour au Brésil, il n’a pas beaucoup peint, mais les quelques œuvres qu’il a réalisées sont parmi les plus ambitieuses.

Malgré la distance, il est resté en contact avec le monde de l’art européen et a continué à exposer ses œuvres. L’expérience brésilienne, bien que difficile, a contribué à renforcer son lien avec la peinture et à consolider son style unique et inimitable, en l’enrichissant de nouvelles nuances et d’une nouvelle sensibilité. En 1947, après la fin de la guerre, le couple retourne à Paris, où Vieira da Silva reprend rapidement son activité artistique, obtenant une reconnaissance toujours plus grande et s’imposant comme l’une des figures les plus importantes de l’art abstrait européen.

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