Dix choses à savoir sur Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler (New York, 1928 - Darien, 2011) a été l’un des principaux représentants de l’expressionnisme abstrait, un mouvement qui a dominé la scène artistique américaine des années 1940 aux années 1960 et qui a vu naître des figures aussi remarquables que Jackson Pollock et Willem de Kooning. Son art (à Florence, Palazzo Strozzi, du 27 septembre 2024 au 26 janvier 2025, la plus grande exposition qui lui ait jamais été consacrée en Italie : Helen Frankenthaler. Painting Without Rules, organisée par Douglas Dreishpoon) est souvent associé au sous-genre du Colour Field, qui se caractérise par l’utilisation de grandes surfaces de couleur plates et translucides, en contraste avec les gestes plus agressifs et tumultueux typiques de l’action painting.

L’une des plus grandes contributions de Frankenthaler a été le développement d’une technique innovante appelée soak-stain (“imbibition ponctuelle”), qui permet à la couleur de pénétrer directement dans la toile non préparée, créant ainsi des surfaces liquides et lumineuses. Cette technique, influencée par Pollock tout en marquant une distance par rapport à son travail, a marqué un tournant qui a façonné son œuvre.

Frankenthaler était une femme d’avant-garde, non seulement pour son art, mais aussi pour sa capacité à s’affirmer dans un monde artistique dominé par les hommes. Grâce à une exploration continue de la peinture, de la couleur et des émotions, elle a porté sa carrière vers de nouveaux sommets, devenant l’une des artistes les plus importantes du XXe siècle. Sa personnalité fascinante, son intelligence vive et sa capacité à communiquer avec son public par le biais de l’art font d’elle un sujet de grand intérêt. Examinons dix aspects clés de l’art d’Helen Frankenthaler, en essayant de mettre en lumière ce qui l’a rendue unique dans l’art contemporain.

1. Helen Frankenthaler a étudié les grands maîtres européens de l’avant-garde

Helen Frankenthaler est née le 12 décembre 1928 à New York dans une famille d’origine juive. Son père, Alfred Frankenthaler, était juge à la Cour suprême de l’État de New York, tandis que sa mère, Martha Lowenstein, était une émigrée allemande. L’influence du milieu culturel et intellectuel de la famille a joué un rôle déterminant dans le développement artistique d’Helen, qui a manifesté un vif intérêt pour l’art dès son plus jeune âge. L’éducation d’Helen Frankenthaler commence à la Dalton School, une école progressiste de New York, où elle étudie avec le peintre Rufino Tamayo. Tamayo, connu pour sa fusion du surréalisme, de l’abstractionnisme et de la culture mexicaine, l’initie à l’importance de la couleur et de la forme. Plus tard, elle fréquente le Bennington College, où elle approfondit son étude de l’art européen et moderne, et où elle entre en contact avec les écrits de Clement Greenberg, le célèbre critique d’art qui jouera un rôle crucial dans sa carrière et sa vie personnelle.

La formation académique de Frankenthaler s’est avérée cruciale pour sa carrière, car elle lui a fourni un bagage technique et théorique qui lui a permis de développer un style personnel et distinctif combinant les influences du passé et les innovations contemporaines. L’art européen, en particulier, a profondément influencé Helen Frankenthaler. Pendant ses études au Bennington College, Frankenthaler a étudié en profondeur les grands maîtres européens, notamment Paul Cézanne, Pablo Picasso et Henri Matisse, et leurs enseignements ont joué un rôle crucial dans le développement de son langage visuel. Cézanne, en particulier, a influencé la façon dont Frankenthaler concevait la peinture de paysage. Bien que son travail soit très éloigné de la peinture figurative de Cézanne, l’idée de décomposer les formes naturelles en plans de couleur est évidente dans ses toiles. Cézanne, par son approche novatrice de la peinture de paysage, a ainsi fourni à Frankenthaler un point de référence pour son exploration de la relation entre la couleur et l’espace.

“Je crois en la tradition”, a déclaré Frankenthaler. “Dans mon cas, mon éducation - mes racines - étaient basées sur Cézanne, le cubisme analytique de Picasso et Braque, Kandinsky, Miró, Gorky, Pollock et beaucoup de leurs contemporains, mentors et amis. J’ai appris à apprécier les maîtres du passé, du XVe siècle, de la Renaissance, ainsi que le travail de mes contemporains. Parfois, pour un artiste, je pense que les développements esthétiques s’insinuent presque sans prévenir, avec une urgence subtile, une surprise inconsciemment planifiée. Il y a un ordre naturel”.

2. L’œuvre d’Helen Frankenthaler est liée à l’expressionnisme abstrait

L’œuvre d’Helen Frankenthaler est liée à l’expressionnisme abstrait, mouvement dans lequel son inspiration a germé, même si son art a beaucoup évolué par rapport à celui de ses contemporains. Dès les premières années de sa carrière, Helen Frankenthaler est entrée en contact avec certaines des figures les plus influentes de ce mouvement, telles que Jackson Pollock, Willem de Kooning et Mark Rothko. C’est dans le contexte de l’expressionnisme abstrait qu’il a développé son intérêt pour la couleur et la composition non figurative.

Cependant, Frankenthaler se distingue de ses collègues par son approche de la peinture. Alors que les expressionnistes abstraits utilisent souvent des gestes violents et marqués pour exprimer leurs émotions sur la toile, Frankenthaler préfère une approche plus lyrique et poétique, qui se manifeste par une utilisation fluide de la couleur. Elle a été influencée par le travail de Pollock, mais a trouvé le moyen de transformer sa technique du dripping en quelque chose de plus subtil et de moins agressif, et surtout soumis à un contrôle plus strict. L’art d’Helen Frankenthaler est donc une combinaison équilibrée de plusieurs âmes : poésie et abstraction, technique et fantaisie, contrôle et improvisation. Cela apparaît clairement dans une œuvre comme Open Wall de 1953 : il s’agissait, selon l’artiste, “d’une expérience visant à créer une sorte de sens de l’espace et de la limite...”. En fin de compte, l’essence de la peinture, ce qui provoque une réaction, n’a pas grand-chose à voir avec le sujet lui-même, mais plutôt avec le jeu des espaces et la juxtaposition des formes".

Son art se distingue par sa capacité à créer des surfaces fluides et transparentes où la couleur semble flotter sur la toile dans une délicate harmonie de formes et de chaos. Cette approche, qui associe l’action spontanée à une sensibilité raffinée pour la couleur et la composition, la place au sein du mouvement, tout en marquant une certaine distance par rapport à lui. Frankenthaler n’a certes pas reproduit la gestuelle explosive de Pollock, mais elle s’est inspirée de la liberté et de l’approche non conventionnelle de la peinture qu’il a introduites, reprenant de Pollock l’idée de la peinture en tant que processus intuitif.

À propos de l’œuvre Number 14 de Pollock, l’une des plus inspirantes de son collègue, Frankenthaler a déclaré : "C’était plus qu’un simple dessin, qu’un tissage, qu’une goutte d’un bâton trempé dans de l’émail, plus qu’un simple rythme. Il semblait avoir une telle complexité et un tel ordre que, à ce moment-là, il a suscité une réaction de ma part. Quelque chose de plus... baroque, plus dessiné et avec des éléments de réalisme abstrait ou de surréalisme, ou un reflet de ceux-ci... C’est une peinture totalement abstraite, mais pour moi, elle avait cette qualité supplémentaire.

3. Helen Frankenthaler a inventé la technique du “soak-stain”.

L’un des aspects les plus célèbres de l’œuvre d’Helen Frankenthaler est le développement de la technique du " soak-stain“, qui a marqué un changement radical dans la peinture des années 1950. Introduite en 1952, cette technique consiste à verser ou à diluer la couleur directement sur la toile non préparée, permettant ainsi au pigment de pénétrer et de ”tacher" le tissu. Cette méthode lui permet d’obtenir des effets de transparence et de fluidité impossibles à obtenir avec les méthodes traditionnelles de peinture à l’huile ou à l’acrylique.

L’œuvre qui marque les débuts de cette technique est Mountains and Sea (1952). Cette toile, de grande taille et légère comme une éclaboussure d’eau, a révolutionné le monde de l’art abstrait. L’utilisation de peinture à l’huile diluée sur une toile non traitée permet à la couleur d’être absorbée et étalée, créant un effet éthéré et nuancé qui deviendra la signature de Frankenthaler.

La technique comporte quatre étapes. Premièrement, la préparation de la toile: Frankenthaler utilise de grandes toiles qui ne sont pas préparées avec du plâtre et de la colle (ce choix permet aux couleurs d’être absorbées directement par les fibres de la toile). Deuxièmement, la dilution des couleurs : les couleurs à l’huile étaient diluées avec de l’essence de térébenthine ou d’autres solvants pour obtenir une consistance fluide et transparente. Ce procédé facilite la diffusion de la couleur sur la toile. À partir de 1962, Frankenthaler expérimente également les couleurs acryliques, qu’elle adoptera définitivement par la suite. Troisièmement, l’application de la couleur: sur la toile tendue horizontalement, Frankenthaler verse, pulvérise ou applique les couleurs, les laissant se dilater et s’imprégner dans le tissu. La dernière étape est l’intervention de l’artiste sur la peinture. Helen Frankenthaler a utilisé une variété d’outils pour manipuler les couleurs, tels que des pinceaux et des éponges de différentes formes et tailles, des rouleaux pour appliquer la couleur de manière uniforme, des chiffons pour étaler ou mélanger la couleur, des mains et des doigts pour un contrôle direct, des pipettes et des seringues pour une application précise, des bâtons, des spatules et des râteaux pour gratter ou dessiner sur la surface fraîche. Sa créativité l’a également amenée à utiliser des objets non conventionnels, tels qu’une cuillère à spaghetti, soulignant ainsi une approche pratique et innovante.

4. Elle a eu une relation amoureuse avec Clement Greenberg

Clement Greenberg, l’un des critiques d’art les plus influents du XXe siècle, a joué un rôle central dans la vie et la carrière d’Helen Frankenthaler. Greenberg a été non seulement un mentor et un soutien, mais aussi un compagnon romantique de l’artiste pendant de nombreuses années. Leur relation, qui a débuté au début des années 1950, a eu un impact significatif sur la carrière de Frankenthaler, car Greenberg était l’un des principaux promoteurs de l’expressionnisme abstrait et, plus tard, du “Colour Field”.

Greenberg voyait en Frankenthaler une artiste capable de repousser les limites de l’abstraction lyrique et l’aidait à trouver une voix personnelle dans le contexte de l’art abstrait. Le critique est fasciné par sa capacité à fusionner un langage pictural raffiné avec des expérimentations techniques novatrices. Frankenthaler, pour sa part, apprécie l’intelligence critique de Greenberg, bien qu’il s’efforce de maintenir son autonomie artistique.

Leur collaboration est à la fois intellectuelle et romantique, et Greenberg joue un rôle important dans la promotion des œuvres de Frankenthaler auprès des galeries et des musées. Cependant, l’artiste a su démontrer son indépendance créative au fil des années, se détachant progressivement de l’ombre de Greenberg et s’affirmant comme l’un des principaux représentants de la peinture abstraite américaine.

5. Elle a épousé un grand artiste : Robert Motherwell

En 1958, Helen Frankenthaler a épousé Robert Motherwell (Aberdeen, 1915 - Provincetown, 1991), l’un des plus importants peintres américains et un autre représentant majeur de l’expressionnisme abstrait. Son mariage avec Helen était son troisième, et comme ils venaient tous deux de familles aisées, ils étaient également connus sous le nom de “couple en or”. Ils ont passé leur lune de miel en Europe, entre l’Espagne et la France. Leur mariage a eu un effet bénéfique sur leur art, malgré leurs grandes différences de caractère : Helen Frankenthaler était extravertie et très sociable, tandis que Robert Motherwell était réservé et introverti.

Deux ans après leur mariage, en 1960, ils ont loué une villa à Alassio, en Ligurie, où ils ont réalisé des peintures inspirées par le soleil et la mer, caractérisées par une intense joie de vivre. L’expérience balnéaire se poursuit dans leur pays d’origine : le couple passait ses étés dans la station balnéaire de Provincetown, dans le Massachusetts, où ils ont installé leurs ateliers. Il nous reste également des œuvres qui célèbrent cet amour : Helen Frankenthaler, par exemple, a conçu une carte de Saint-Valentin pour son mari, et ce dernier a lui-même dédié des œuvres à sa bien-aimée, comme Helen’s Collage, créée en 1957, peu après leur rencontre. Le mariage dure jusqu’en 1971, date à laquelle les deux artistes divorcent.

6. Le chef-d’œuvre d’Helen Frankenthaler est Mountains and Sea (1952)

L’œuvre Mountains and Sea (1952) est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre les plus importants d’Helen Frankenthaler, si ce n’est son œuvre la plus importante, et l’un des tournants de l’art abstrait américain d’après-guerre. Créée alors que l’artiste n’avait que 23 ans, cette peinture a marqué le début d’un nouveau chapitre de l’abstraction, influençant profondément une génération de peintres “Colour Field” tels que Morris Louis et Kenneth Noland, qui ont vu l’œuvre six mois seulement après qu’elle a été peinte.

L’œuvre a été inspirée par un voyage de Frankenthaler au Cap-Breton, en Nouvelle-Écosse, et le titre lui-même évoque l’immensité de la nature et l’impression d’espace ouvert. Cependant, Mountains and Sea n’est pas une représentation figurative du paysage, mais une traduction émotionnelle et abstraite des sentiments que l’artiste a éprouvés face à ce paysage. L’innovation de Mountains and Sea réside dans la méthode utilisée pour la peindre : la technique du “soak-stain”.

Le tableau défie les frontières entre le figuratif et l’abstrait. Son but était d’évoquer des sentiments et des atmosphères, en offrant au spectateur une expérience visuelle libre de toute interprétation spécifique. Mountains and Sea est devenue l’une des œuvres les plus citées dans le contexte de la peinture américaine d’après-guerre et a influencé un certain nombre d’artistes émergents, à tel point qu’elle a même été appelée la “pierre de Rosette du champ de couleurs”.

7. Helen Frankenthaler a contribué au développement du mouvement Colour Field

L’un des aspects essentiels de la carrière d’Helen Frankenthaler est sa contribution au développement du Colour Field, un mouvement apparu dans les années 1950 en réaction aux tendances plus dramatiques de l’expressionnisme abstrait. Les artistes du Colour Field (terme inventé par Clement Greenberg en 1955), dont le principal représentant était Mark Rothko, s’éloignaient de l’intensité gestuelle et des coups de pinceau expressifs typiques d’artistes tels que Pollock et de Kooning, pour se concentrer sur l’utilisation de grandes surfaces de couleurs plates et uniformes.

Frankenthaler a été l’une des pionnières de cette approche. Son utilisation innovante de la technique du “soak-stain” a permis aux couleurs d’apparaître légères et translucides, créant des arrière-plans lumineux qui semblaient couler librement sur la toile. Cette simplicité formelle est devenue la marque de fabrique du “Colour Field”, influençant des artistes tels que Morris Louis, Kenneth Noland et Jules Olitski. En particulier, Morris Louis, après avoir visité l’atelier de Frankenthaler en 1953, a adopté sa technique et l’a portée à de nouveaux niveaux d’abstraction.

L’importance de la contribution de Frankenthaler au “Colour Field” ne peut être sous-estimée. Son exploration de la couleur en tant que moyen d’expression autonome a été l’une des plus originales de son époque.

8. Il a utilisé la couleur comme un langage émotionnel

L’un des traits distinctifs de l’œuvre d’Helen Frankenthaler est la manière dont elle a utilisé la couleur non seulement comme un élément visuel, mais aussi comme un langage émotionnel. Dès ses premières œuvres, la couleur a été au cœur de sa recherche artistique, et la manière dont il l’a appliquée à ses toiles a redéfini le rôle de la couleur dans l’art abstrait.

Dans des œuvres comme Alassio (1960), peinte pendant une période de travail en Ligurie, les couleurs semblent couler de la toile, créant un sentiment de fluidité qui transmet une émotion immédiate et palpable. Les jaunes, les bleus profonds et les rouges translucides ne sont pas seulement des tons chromatiques, mais des véhicules d’expression. Cette sensibilité à la couleur n’est pas seulement visuelle, mais aussi tactile : ses peintures suggèrent souvent un sentiment de légèreté et de mouvement, comme si les couleurs avaient été soufflées sur la toile ou s’étaient naturellement étendues dans un espace infini. En ce sens, Frankenthaler fait partie des artistes du Colour Field qui ont su transformer la couleur en une expérience visuelle.

Dans les années 1970, cette attitude a connu une nouvelle évolution : elle a alors expérimenté des paysages intenses et atmosphériques, parfois à la limite du monochrome. Un exemple de cette phase est le tableau Ocean Drive West #1, à propos duquel elle a déclaré : “Sur Ocean Drive West, vous vous retrouvez toujours en train de fixer la ligne d’horizon.... Il y a des zones floues de Long Island au-delà du Sound, certaines sont visibles, d’autres non. Je ne regardais pas la nature ou un paysage marin, je regardais le motif dans la nature, tout comme le soleil ou la lune peuvent être vus comme des cercles ou comme la lumière et l’ombre”.

9. Sa contribution au monde du graphisme et de la gravure

Outre la peinture, Helen Frankenthaler a également été une figure de proue dans le domaine du graphisme et de l’impression, où elle a apporté la même sensibilité novatrice que celle qui avait caractérisé son œuvre picturale. À partir des années 1960, Frankenthaler a commencé à explorer les techniques d’impression telles que la gravure sur bois, en collaborant avec certains des ateliers d’impression les plus importants des États-Unis, notamment Universal Limited Art Editions (ULAE) et Tyler Graphics.

Son approche de l’impression, qui a débuté dans les années 1970 (sa première gravure sur bois, East and Beyond, a été exécutée à l’ULAE en 1973), s’inscrit dans la lignée de sa peinture : il expérimente la transparence et la superposition des couleurs, utilisant la gravure pour explorer de nouveaux effets visuels qu’il ne pourrait pas obtenir avec la peinture traditionnelle. Il s’est notamment spécialisé dans l’utilisation de gravures sur bois en couleur. Ses gravures sur bois des années 1980 et 1990, telles que les Contes du Genji III (1998), sont considérées comme l’une des œuvres les plus novatrices dans le domaine du graphisme contemporain.

10. Elle aimait peindre sur papier

Helen Frankenthaler a toujours expérimenté en alternant la peinture sur toile et la peinture sur papier, cette dernière étant considérée comme un support plus maniable qui pouvait être facilement remplacé en cas de besoin. C’est surtout après son mariage avec Stephen DuBrul en 1994 qu’elle a travaillé sur papier, ses œuvres sur papier semblant marquer un tournant. Ces œuvres expriment une vitalité renouvelée, une ouverture vers l’avenir qui, cependant, n’oublie pas le passé. Son art, même dans ces moments d’optimisme renouvelé, a conservé un sens de la réflexion sur les expériences passées. Ce sentiment est évident dans des œuvres telles que Solar Imp et Cassis, qui célèbrent sa nouvelle phase de vie. Dans ces tableaux, Frankenthaler utilise de larges éponges pour imprimer des rectangles de couleur sur le papier, créant des compositions caractérisées par une calligraphie claire et nette. Dans Solar Imp, les rectangles sont disposés sous deux formes noires, qui rappellent les figures qui dominaient ses œuvres antérieures, créées pendant son mariage avec Robert Motherwell. Ces éléments témoignent non seulement d’un lien avec le passé, mais suggèrent également une évolution stylistique et personnelle.

Frankenthaler a toujours eu une vision profonde de la beauté, un concept qu’il a continué à explorer et à défendre même lorsque nombre de ses contemporains, en particulier ceux qui étaient plus jeunes et plus engagés politiquement, avaient tendance à le considérer comme obsolète ou sans valeur dans le contexte de l’art moderne. Pour Frankenthaler, la beauté est tout sauf superficielle ou triviale ; elle est, au contraire, une représentation de la condition humaine dans son intégralité. Ses œuvres, même celles sur papier, reflètent le caractère éphémère de l’existence et le passage inévitable du temps, comme en témoignent les œuvres réalisées dans les dernières années de sa carrière, notamment Southern Exposure, l’une de ses peintures sur papier les plus intenses. Ces œuvres communiquent une profonde conscience du temps qui passe, rendant palpable le caractère éphémère de la vie.

Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.