Dix chefs-d'œuvre de la Renaissance commandés directement par Laurent le Magnifique

Laurent le Magnifique (Florence, 1449 - Careggi, 1492) est entré dans l’histoire comme l’un des plus grands mécènes et l ’ un des plus généreux de tous les temps. Ses vastes ressources économiques lui ont permis de financer un nombre impressionnant d’entreprises culturelles (des arts à la littérature, de la musique aux bâtiments publics), ce qui lui a valu le surnom sous lequel il est universellement connu. Et en tant que véritable père-maître de la politique florentine de la fin du XVe siècle (en ce sens, le jugement qu’un grand historien, Francesco Guicciardini, a porté sur lui n’est pas bienveillant), il pouvait se permettre non seulement de soutenir un grand nombre de commissions, mais aussi d’orienter le goût de l’époque, compte tenu également de sa vaste culture et de la durée et de la stabilité de son gouvernement de facto (Lorenzo, formellement, n’a pas eu de nominations importantes, comme tous les Médicis avant lui), il doit être considéré comme une sorte de père-maître de la politique florentine de la fin du XVe siècle: il doit être considéré comme une sorte de primus inter pares), qui a duré de 1469 à 1492.

Tout cela a permis au Magnifico de diriger, pendant plus de vingt ans, les destinées de la culture florentine, à laquelle a été imprimé, écrit l’historienne de l’art Liana Castelfranchi Vegas, “un caractère fortement unitaire dans tous les domaines”, et dont l’élément cohésif était l’antiquité: La littérature, l’art, la philosophie de l’âge classique, connus, étudiés, désirés, constituent un patrimoine de pensées et d’images qui entrent dans l’art et constituent, comme le dit Chastel, un laissez-passer pour les “modernes”. Plusieurs mérites sont reconnus à Laurent le Magnifique: le fait qu’il ait été le premier à penser à un lieu de formation spécial pour les artistes, à savoir le Giardino di San Marco, où Michel-Ange a également étudié ; les révolutions dans le domaine de l’architecture, celui dans lequel son mécénat s’est peut-être le mieux exprimé (Castelfranchi Vegas identifie trois lignes novatrices l’intérêt pour l’équilibre urbain des réalisations architecturales, l’intérêt pour les bâtiments à plan central et la reproposition de la villa all’antica) ; l’intuition du rôle de l’art comme moyen d’accroître le prestige personnel (bien que, contrairement à ses prédécesseurs, dont il était beaucoup plus cultivé, Lorenzo ne recherchait pas l’ostentation) ; l’intérêt pour les jeunes.

De nombreuses œuvres du Magnifico sont aujourd’hui visibles à Florence (et au-delà), dans les musées et les églises de la ville. Et on ne compte plus celles qui ont vu le jour grâce au climat culturel qu’il a promu. Nous avons rassemblé dans cette galerie dix de ses commandes directes les plus célèbres: comme critère, nous avons choisi de n’inclure que les œuvres sur lesquelles nous avons des informations certaines ou hautement probables (c’est-à-dire sur lesquelles il existe un accord substantiel de la part des critiques). Nous n’avons donc pas inclus les œuvres commandées par des membres de la famille qui ont également été influencés par le climat culturel imprimé par le Magnifique (à commencer par la Vénus et la Primavera de Botticelli, qui sont dues, le cas échéant, à Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, connu sous le nom de Popolano, cousin du Magnifique), ni celles dont la commande est douteuse (par exemple la Dame au petit bouquet de Verrocchio, dont certains pensent qu’il s’agit d’un portrait de Lucrezia Donati, amante et muse du Magnifico, ou la Madone Médicis de Luca Signorelli, ou la Pallas et le Centaure de Botticelli aux Offices et autres): les questions viennent souvent du fait que dans les anciens inventaires, le commanditaire est simplement “Laurent de Médicis” et qu’il y a donc souvent eu confusion entre le Magnifico et le Popolano). Nous avons fait une exception pour l’Incrédulité de saint Thomas de Verrocchio, car bien qu’elle n’ait pas été directement commandée par le Magnifico, son rôle a été décisif dans l’attribution de l’œuvre à Verrocchio. Voici donc dix œuvres que nous pouvons admirer aujourd’hui grâce à la générosité de Laurent le Magnifique.

1. Villa Médicis à Poggio a Caiano
C’est l’œuvre architecturale la plus célèbre de Laurent le Magnifique: les travaux commencent probablement dans les années 1480 et le projet est dû à Giuliano da Sangallo (Florence, 1445 - 1516), qui s’inspire de la leçon d’Alberti en concevant un édifice symétrique et harmonieux au sommet d’une colline. Les loggias permettent une liaison parfaite entre l’intérieur et l’extérieur, le fronton qui rappelle celui des temples classiques est la référence la plus directe au classicisme, les pièces sont disposées autour d’un hall central: autant d’éléments que d’autres architectes reprendront par la suite. Le Magnifique n’eut cependant pas le temps de le voir achevé car il mourut avant la fin des travaux, qui furent interrompus lorsque les Médicis furent exilés de Florence. Ce n’est qu’entre 1513 et 1520, avec le retour des Médicis de Florence, que la villa fut achevée sur l’ordre de Giovanni (Florence, 1475 - Rome, 1521), le fils de Laurent, qui était entre-temps monté sur le trône papal sous le nom de Léon X. Aujourd’hui, la Villa est la propriété de l’État et fait partie des musées qui constituent le Polo Museale della Toscana.

Villa Médicis de Poggio a Caiano. Ph. Crédit Niccolò Regacci

2. Basilique de Santa Maria delle Carceri, Prato
La construction de la basilique Santa Maria delle Carceri, l’une des plus belles et des plus connues de Prato (qui avait été sous la domination de Florence pendant plus d’un siècle), fut soutenue par le Magnifique, qui fit appel à Giuliano da Sangallo pour sa réalisation, lequel s’inspira à nouveau des théories d’Alberti sur le plan central (la basilique a un plan en croix grecque). La construction commença en 1486 et s’acheva en 1495, trois ans après la mort du Magnifique: l’œuvre resta cependant inachevée (et l’est restée jusqu’à aujourd’hui: le revêtement en marbre de la façade, dans la bichromie typique blanc-vert, est en partie inachevé). De grands artistes comme Domenico del Ghirlandaio et Andrea della Robbia ont été sollicités pour décorer l’intérieur. L’idée de construire une église est née à la suite d’événements considérés comme miraculeux qui se sont produits au cours de l’été 1484 devant l’effigie de la Vierge à l’Enfant peinte sur la prison des Stinche di Prato, qui se trouvait sur la place où se dresse l’église.

Basilique de Santa Maria delle Carceri, Prato. Ph. Crédit Francesco Bini

3. Sacristie de Santo Spirito, Florence
La célèbre sacristie, autre chef-d’œuvre de Giuliano da Sangallo, fut ajoutée à la basilique de Santo Spirito à l’initiative de Laurent le Magnifique: la construction dura de 1489 à 1492. Dans ce cas, l’architecte s’est inspiré des solutions de Filippo Brunelleschi, en créant un édifice octogonal qui rappelle la forme du Baptistère de Florence. L’intérieur est caractérisé par la présence d’éléments décoratifs en pietra serena: pilastres, corniches, entablements contribuent à l’équilibre général de l’ensemble de la structure. La sacristie est également célèbre parce que son intérieur abrite l’un des chefs-d’œuvre de Michelangelo Buonarroti (Caprese, 1475 - Rome, 1564), le crucifix du Santo Spirito.

Sacristie de Santo Spirito, Florence

4. Vase de Laurent le Magnifique
Contrairement à ce que l’imaginaire collectif pourrait laisser penser, les goûts du Magnifique se portaient sur la sculpture et les arts appliqués plutôt que sur la peinture. Laurent de Médicis aimait beaucoup les objets d’art, et le “Vaso di Lorenzo il Magnifico” (Vase de Laurent le Magnifique), conservé aujourd’hui dans le Trésor des Grands Ducs au Palais Pitti, en est un exemple flagrant. Il s’agit d’un objet d’un peu plus de quarante centimètres de haut, en jaspe rouge avec de fines décorations en argent doré au feu et en émaux translucides. Il s’agit d’un vase à deux anses, dont le corps peut être daté du XIVe siècle: il a été commandé par Lorenzo (dans les années 1560) pour monter le couvercle. En outre, le seigneur a fait apposer ses initiales “-LAV-R-MED-” sur le vase. Œuvre de probable facture vénitienne (au XIVe siècle, des exemplaires similaires étaient produits dans la cité lagunaire), elle connut aussi quelques tribulations après l’exil des Médicis de Florence: elle entra en possession des Tornabuoni, une famille fidèle aux Médicis, et se retrouva à Rome en 1495, où elle fut récupérée par Giulio de’ Medici (Florence, 1478 - Rome, 1534), le futur pape Clément VII, qui en fit don en 1532 à la basilique de San Lorenzo, un autre lieu lié à la famille. Il fut transféré aux Offices en 1785 et passa au Trésor des Grands Ducs en 1921.

Manufacture vénitienne et artisans florentins, Vase de Laurent le Magnifique (vase du XIVe siècle, monture 1463-1465 ; jaspe rouge, argent doré au feu, émaux translucides, hauteur 42,5 cm ; Florence, Tesoro dei Granduchi).

5. Verrocchio, Incrédulité de saint Thomas
L’Incrédulité desaint Thomas, chef-d’œuvre de Verrocchio (Andrea di Michele di Francesco di Cione ; Florence, 1435 - Venise, 1488), est la première sculpture publique importante réalisée par Laurent le Magnifique. Officiellement, Verrocchio reçut la commande de l’Arte di Calimala (la guilde des marchands), qui l’aurait destinée à sa niche dans l’église d’Orsanmichele, mais Laurent et son père Piero il Gottoso (Florence, 1416 - 1469), en tant qu’ouvriers de la Mercanzia, ont très probablement déterminé le choix de l’artiste, qui avait déjà travaillé pour les Médicis (c’est d’ailleurs Piero qui a négocié l’achat du bronze nécessaire à la fonte en 1464). Après la mort de Piero en 1469, le travail fut suivi par Lorenzo, qui put voir l’œuvre achevée en 1483. Verrocchio eut cependant des difficultés à se faire payer: on sait en effet que l’année de sa mort, il devait encore deux cents florins à l’Arte di Calimala.

Verrocchio, Incrédulité de saint Thomas (1467-1483 ; bronze avec dorure, 241 x 140 x 150 cm ; Florence, Museo di Orsanmichele)

6. Verrocchio, Tombeau de Piero et Giovanni de’ Medici
Le monument qui abrite les dépouilles de Piero il Gottoso, père du Magnifique, et de Giovanni di Cosimo de’ Medici (Florence, 1421 - 1463), fils cadet de Cosimo il Vecchio (et donc frère de Piero et oncle de Lorenzo), a été commandé à Verrocchio peu après la mort de Piero et a été achevé en 1472. Le tombeau, réalisé en marbre, bronze, porphyre et pietra serena, est un monument funéraire à arcosolium semblable à ceux réalisés quelques années plus tôt par Bernardo Rossellino et Desiderio da Settignano, et constitue l’un des chefs-d’œuvre de l’ornementation de Verrocchio (à noter les décorations en bronze sur le sarcophage avec les motifs végétaux qui l’enveloppent, les pattes de lion semblables à celles sculptées en marbre par Desiderio dans le monument funéraire de Carlo Marsuppini, ou les singulières tortues qui soutiennent le socle de marbre): le tombeau est une œuvre “tout en forme et en matière”, comme l’a décrit l’historien de l’art Gabriele Fattorini. Sur le socle figurent les noms de Lorenzo et Giuliano, les fils de Piero. L’œuvre peut être admirée dans la basilique de San Lorenzo.

Verrocchio, Tombeau de Giovanni et Piero de’ Medici (1469-1472 ; marbre, bronze, porphyre et pietra serena, 358 x 601 cm ; Florence, Basilique de San Lorenzo). Ph. Crédit Francesco Bini

7. Verrocchio, Spiritello con pesce (Putto avec dauphin)
Selon Giorgio Vasari, le célèbre putto au dauphin a été commandé par le Magnifico pour la villa des Médicis à Careggi, alors qu’il se trouve aujourd’hui au Palazzo Vecchio à Florence, et a fait l’objet d’une restauration minutieuse avant la grande exposition consacrée à Verrocchio qui se tiendra début 2019 au Palazzo Strozzi. Doté d’un extrême naturel“, a récemment écrit l’historienne de l’art Federica Siddi, ”l’enfant du Palazzo Vecchio, dans sa démarche rapide agrippant l’insaisissable animal aquatique, donne la mesure de la capacité de Verrocchio à relever les défis de la représentation d’une figure libre dans l’espace". De plus, la sculpture rappelle la statuaire antique puisque les figures enfantines abondent dans le classicisme et que Verrocchio a su insuffler à ce genre une vivacité sans précédent. À l’origine, l’œuvre décorait une fontaine.

Verrocchio, Tombeau de Giovanni et Piero de’ Medici (1469-1472 ; marbre, bronze, porphyre et pietra serena, 358 x 601 cm ; Florence, Basilique de San Lorenzo)

8. Antonio del Pollaiolo, Hercule et Antheus
Cette petite statue de bronze d’à peine 45 centimètres de haut est un petit chef-d’œuvre d’Antonio del Pollaiolo (Florence, vers 1431 - 1498) et représente l’un des douze travaux d’Hercule, la mise à mort du géant Antée dans le désert de Libye. Selon le mythe, Antée tirait sa force de la terre (sa mère était Gaea, déesse de la terre), et pour en venir à bout, Hercule était donc obligé de combattre en le soulevant du sol. Antonio del Pollaiolo représente Hercule au moment même où il tient Antée en l’air, en le serrant contre lui. La sculpture incarne bien la vision du classicisme du Magnifico: le mythe antique est ainsi réinterprété en vertu de son sens allégorique (Hercule était devenu une sorte de symbole de la vertu capable de dominer le vice). Hercule, écrit Gioia Mori, “était en effet interprété comme l’incarnation de l’idéal positif de la vertu et du courage qui anéantit la bête, symbole du mal, du vice et de la force brute”. Selon l’exégèse chrétienne acceptée par les doctrines néo-platoniciennes, Hercule était aussi une figure du Christ". D’un point de vue formel, le mouvement puissant des deux personnages est inédit à la Renaissance.

Antonio del Pollaiolo, Hercule et Antheus (vers 1475 ; bronze, hauteur 45 cm ; Florence, Museo Nazionale del Bargello)

9. Michel-Ange, Bataille des Centaures
Chef-d’œuvre de jeunesse exécuté pour le Magnifique, dans le jardin de Saint-Marc, par un Michel-Ange qui n’avait guère plus de quinze ans mais dont le talent avait déjà été bien perçu par Laurent, le relief représente le combat entre les centaures et les Lapithes: selon Ascanio Condivi, premier biographe de Michel-Ange, le thème a été suggéré par Agnolo Poliziano, poète de la cour laurentienne et grand ami du Magnifique. L’œuvre représente la bagarre qui a éclaté entre les centaures et les Lapithes pendant les célébrations du mariage de la princesse Hippodamie, qui devait épouser le fils du roi des Lapithes (qui, dans la bagarre avec les centaures, qui étaient ivres, a pris le dessus sur eux). Il s’agit d’une œuvre qui illustre la lutte entre la raison et l’instinct, et qui trouve donc une interprétation allégorique qui s’accorde bien avec la philosophie néo-platonicienne qui animait la culture florentine de l’époque. Le relief, très original dans la manière dont Michel-Ange traite l’espace (les figures sont disposées sur plusieurs plans), est inachevé: on suppose que Michel-Ange a interrompu l’œuvre à la mort de Lorenzo en 1492.

Michel-Ange, Bataille des Centaures (1490-1492 ; marbre, 80,5 x 88 cm ; Florence, Casa Buonarroti). Ph. Crédit Francesco Bini

10. Sandro Botticelli, Histoires de Nastagio degli Onesti
Les quatre panneaux qui décorent un coffre de mariage (trois se trouvent au Prado à Madrid et un à Florence, au palais Pucci) ont été commandés à Sandro Botticelli (Florence, 1445 - 1510) selon toute probabilité par le Magnifico qui voulait offrir un cadeau de mariage à Giannozzo Pucci à l’occasion de son mariage avec Lucrezia Bini en 1483. Les panneaux sont restés ensemble au Palazzo Pucci jusqu’au milieu du XIXe siècle. L’œuvre raconte l’histoire de Nastagio degli Onesti telle qu’elle est rapportée par Giovanni Boccaccio dans le Décaméron: Nastagio était un noble de Ravenne qui voulait épouser une femme qui, au contraire, ne voulait pas l’abandonner. Déçu par ce refus, Nastagio décida de quitter Ravenne après avoir envisagé le suicide: dans la pinède de Classe, non loin de la ville, lui apparut le fantôme d’un chevalier poursuivant une femme nue. À la fin de la poursuite, la femme est déchiquetée par les chiens du cavalier: ce dernier, en rejoignant Nastagio, lui avoue que c’est sa punition pour s’être suicidé à cause du rejet d’une femme, et tous deux sont donc condamnés à répéter cette terrible scène tous les vendredis. Nastagio décide donc d’organiser un banquet pour le vendredi suivant, en invitant sa bien-aimée qui, après avoir assisté à la condamnation du chevalier et de la femme qui l’avait rejeté, décide de ne plus rejeter Nastagio.

Sandro Botticelli, Nastagio degli Onesti, quatrième épisode (1483 ; tempera sur panneau, 83 x 142 cm ; Florence, Palazzo Pucci)

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