Dans les autoportraits de Frida Kahlo, tout son chaos intérieur troublé

“Comme mes sujets ont toujours été mes sentiments, mes états mentaux et les réactions profondes que la vie a produites en moi, j’ai souvent objectivé tout cela dans des images de moi-même, qui étaient la chose la plus sincère que je pouvais faire pour exprimer ce que je ressentais à l’intérieur et à l’extérieur de moi-même”: C’est par ces mots que la peintre mexicaine Frida Kahlo (Coyoacán, 1907 - 1954) tente de définir son art dans sa demande d’admission à un concours organisé en 1940 par la Fondation Guggenheim afin d’obtenir un financement. Financièrement, les choses ne vont pas très bien pour elle ; elle tente de vivre uniquement de son art en vendant ses tableaux, mais elle ne parvient pas à subvenir à tous ses besoins et ne veut pas non plus emprunter à nouveau de l’argent à Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Mexico, 1957). Ce dernier, l’un des plus grands représentants du muralisme mexicain , l’a épousée très jeune, à peine 15 ans, malgré la grande différence d’âge qui les séparait: rien d’étrange à cela, si ce n’est que Rivera l’a trahie à de très nombreuses reprises au cours de leur union conjugale. Leur relation était assez compliquée: Frida ressentait une sorte d’amour-haine pour Diego, elle l’aimait, elle l’estimait. L’un des plus célèbres poèmes d’amour de Kahlo, dédié à Rivera, se lit comme suit: “Est-il permis d’inventer de nouveaux verbes? Je veux t’en donner un: je te sky, pour que mes ailes puissent s’étirer sans limites pour t’aimer sans frontières”. Elle a tout donné pour son amour, pour celui qu’elle aimait, sans jamais se ménager, malgré les difficultés, mais en même temps elle détestait ce qu’elle subissait constamment, les trahisons incessantes.

Elle doit également faire face à de nombreux frais médicaux en raison de sa mauvaise santé: enfant, elle souffre de la poliomyélite, une maladie qui la fait boiter en permanence de la jambe droite, et à l’âge de dix-huit ans, elle a un accident: le bus dans lequel elle se trouve entre en collision avec un tramway, ce qui lui cause plusieurs fractures de la colonne vertébrale, des vertèbres lombaires et de l’os pelvien, ainsi qu’une grave blessure au niveau de l’abdomen. Tout au long de sa vie, elle porte les séquelles de cet accident: elle fait plusieurs fausses couches et subit plus d’une trentaine d’opérations; cet événement hante littéralement son existence, tant sur le plan physique qu’intérieur. Son corps porte les marques de son malheur et de ses conséquences, même si elle peut compter sur son médecin de confiance, le docteur Eloesser, tandis que les expériences de vie et les souffrances qu’elle endure s’ajoutent à l’immense douleur intérieure causée par les trahisons de son mari. Cependant, c’est pendant la longue période de convalescence qui suit le terrible accident que Frida commence à s’adonner à la peinture.

Revenant sur le concours de la Fondation Guggenheim pour l’aider au moins financièrement, elle est soutenue par plusieurs amis, comme le compositeur, chef d’orchestre et journaliste CarlosChávez et le critique et historien d’art Meyer Schapiro, qui dit de Frida: “C’est une excellente peintre, dotée d’une véritable originalité, l’une des artistes mexicaines les plus intéressantes que je connaisse. Son œuvre côtoie les meilleurs tableaux d’Orozco et de Rivera, d’une certaine manière elle est plus authentiquement mexicaine que les leurs. Si elle n’a pas leur sentiment héroïque et tragique, Frida Kahlo est cependant plus proche de la tradition et de la sensibilité mexicaine commune pour les formes décoratives”. Des lettres de présentation ont également été écrites par André Breton, Marcel Duchamp, William Valentiner, Walter Pach, Conger Goodyear et Diego Rivera lui-même.

Frida Kahlo, Autoportrait avec collier d’épines et colibris (1940 ; huile sur tôle, 63,5 x 49,5 cm ; Austin, Harry Ranson Center). Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Frida Kahlo, Autoportrait aux singes (1943 ; huile sur toile, 81,5 x 63 cm ; Mexico, collection Jacques et Natasha Gelman). Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Frida Kahlo, Le cerf blessé (1946 ; huile sur masonite, 22,4 x 30 cm ; Collection privée). Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Frida Kahlo, Autoportrait avec Bonito (1941 ; huile sur toile, 55 x 43,4 cm ; Collection privée). Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Frida Kahlo, La colonne brisée (1944 ; huile sur toile collée sur masonite, 30,5 x 40 cm ; Mexico, Museo Dolores Olmedo). Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Dans le cadre de sa candidature, Frida a écrit, en précisant son parcours professionnel: “J’ai commencé à peindre il y a douze ans, alors que je me remettais d’un accident de voiture qui m’a obligée à rester alitée pendant près d’un an. Pendant toutes ces années, j’ai travaillé avec l’impulsion spontanée de mes sentiments. Je n’ai jamais suivi aucune école ni aucune influence, et je n’ai jamais espéré tirer plus de mon travail que la satisfaction de peindre simplement et de dire ce que je n’aurais pas pu dire autrement”. Il ajoute: “J’ai fait des portraits, des compositions de figures, et même des sujets où le paysage et la nature morte ont une grande importance. J’ai pu trouver, sans être contraint par aucun préjugé, une forme d’expression personnelle à travers la peinture. Pendant dix ans, mon travail a consisté à éliminer tout ce qui ne provenait pas des motivations lyriques intérieures qui me poussaient à peindre”.

Suit la déclaration citée au début, dans laquelle elle dit avoir “objectivé tout cela dans des images de moi-même”: rien d’autre que la raison explicite de ses nombreux autoportraits, œuvres dans lesquelles Frida met sur la toile tout le chaos intérieur et les tourments existentiels qu’elle a vécus tout au long de sa vie.

Ce financement ne lui a finalement pas été accordé.

Dans ses autoportraits , elle se représente souvent la tête droite , dans une attitude presque hautaine, souvent en demi-teinte et avec une attention particulière pour les couleurs et les détails. Elle a même explicité dans un écrit la signification qu’elle attribuait aux différentes couleurs: tout en rappelant les tons traditionnels de l’art mexicain, essentiellement terreux, elle donnait à chaque couleur une valeur psychologique, du vert olive au marron, en passant par le jaune, le bleu et le magenta. Par exemple, le vert olive est souvent associé au sentiment d’oppression, la couleur de la terre brûlée exprime le désespoir, le jaune la folie et la peur, le rouge et le rose le sang et la mort.

Elle est donc souvent représentée sur des fonds de lianes, de plantes, de végétation tropicale complexe, parfois avec des pousses. Elle est souvent accompagnée de singes qui l’enlacent et qui deviennent plus fréquents après son divorce avec Rivera, à partir de 1940: il semble que la présence des singes comble le vide laissé par son mari, soulignant son sentiment de solitude. Dans l’Autoportrait de 1940 avec un collier d’épines et des colibris, un chat noir est également présent dans une pose menaçante, tandis qu’un colibri mort est suspendu au collier d’épines: ce dernier peut lui causer d’autres blessures et le colibri (qui, au Mexique, est utilisé comme porte-bonheur en amour) semble se référer à elle-même, car elle se sent comme cet oiseau mort. Dans The Broken Column , elle se dépeint comme une martyre sur fond de terre brûlée. Souvent, les tresses de ses cheveux sont entortillées autour de son cou, ce qui provoque une sensation d’étouffement chez le spectateur.

Leo Matiz, Frida Kahlo (Coyacán, 1944 ; photographie couleur). Fondation Leo Matiz

Leo Matiz, Frida Kahlo devant la Casa Azul (Coyacán, 1944 ; photographie en couleur). Fondation Leo Matiz

Leo Matiz, Frida Kahlo (Xochilmico, 1941 ; photographie en noir et blanc). Fondation Leo Matiz

Leo Matiz, Frida, Christina Kahlo, Diego Rivera et un ami (Mexico, vers 1941 ; photographie en noir et blanc). Fondation Leo Matiz

La représentation du visage de Frida à la place du museau d’un cerf blessé par de nombreuses flèches, dont le sang s’écoule des blessures, est particulièrement significative. Chacun de ces autoportraits souligne ainsi la douleur intérieure ressentie par Kahlo, dans un contraste entre le visage qui semble ne laisser aucun sentiment derrière lui et tout le reste, riche en symboles de cette douleur.

À partir des années 1940, le photographe colombien Leonet Matiz Espinoza a réalisé des portraits photographiques de l’artiste et amie, qui sont devenus des images emblématiques de Frida. Il l’a immortalisée dans les espaces de sa vie quotidienne , c’est-à-dire dans le jardin, l’atelier et les intérieurs de la célèbre Casa Azul, à une époque où elle avait atteint la célébrité en tant que peintre et où, en tant que femme, elle avait accédé à l’indépendance économique et affective. Les photographies de Matiz dépeignent donc une Frida différente des autoportraits mentionnés précédemment, car elle est fière et indépendante.

Toutes les œuvres présentées dans cet article sont visibles du 12 octobre 2020 au 29 mars 2021 à la Fabbrica del Vapore de Milan, où se tient l’exposition Frida Kahlo. The Chaos Within, organisée par Antonio Arèvalo, Alejandra Matiz, Milagros Ancheita et Maria Rosso. Outre les peintures reproduites, l’exposition présente des reconstitutions des environnements dans lesquels l’artiste a vécu et travaillé. Pour plus d’informations, veuillez consulter le site web de l’exposition.

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