Comment l'art étrusque a influencé l'art du 20e siècle

La civilisation étrusque, avec son aura de mystère, son esthétique fascinante et ses matériaux distinctifs, a été un puissant stimulant créatif pour les artistes, les intellectuels et les designers du XXe siècle. Aujourd’hui encore, de nombreux designers continuent de s’inspirer de la civilisation étrusque: il suffit de penser au projet de l’architecte Mario Cucinella pour la Fondazione Rovati ouverte dans l’historique Palazzo Bocconi-Rizzoli-Carraro. Les salles souterraines, qui abritent la collection étrusque de la fondation, s’inspirent des tombes étrusques avec l’idée de transporter le visiteur en pensée à Populonia ou à Cerveteri. C’est précisément pour explorer ces tangences que le Mart de Rovereto et la Fondazione Rovati ont organisé une exposition sur le thème : Etruschi del Novecento, sous la direction de Lucia Mannini, Anna Mazzanti, Giulio Paolucci et Alessandra Tiddia, avec une première étape au Mart du 7 décembre 2024 au 16 mars 2025 et une deuxième étape à la Fondazione Rovati du 2 avril au 3 août 2025.

Cette fascination, alimentée par des découvertes archéologiques sensationnelles telles que l’Apollon de Veio (1916) et encouragée par des événements culturels tels que des expositions et des publications, a donné lieu à un phénomène défini par les historiens de l’art comme la “renaissance étrusque”. La culture visuelle du court siècle, à travers la redécouverte de l’antiquité étrusque, a trouvé une alternative vibrante et originale à l’académisme classique, embrassant une esthétique archaïque, synthétique et expressionniste.

La “fièvre étrusque” du XXe siècle

Au cours du XXe siècle, on assiste à ce que l’on pourrait définir comme une véritable “étruscomanie”, comparable à la première vague de fascination pour la civilisation étrusque qui s’est produite au XVIIIe siècle (à l’époque, on parlait d’“étrusquisme”) et qui a vu parmi ses protagonistes des personnalités telles que le collectionneur Mario Guarnacci, dont la collection est à l’origine du noyau fondateur de l’Etrusque), et qui a compté parmi ses protagonistes des personnalités telles que le collectionneur Mario Guarnacci , dont la collection constitue le noyau fondateur du musée Guarnacci de Volterra, l’un des principaux musées étrusques existants, ou l’archéologue Giovanni Battista Passeri, l’un des plus grands spécialistes des choses étrusques de l’époque. L’étruscomanie du XXe siècle se manifeste par des événements tels que l’Exposition d’art et de civilisation étrusques (à Milan, au Palazzo Reale, en 1955, avec des installations de Luciano Baldessari) et l’Etruscan Project (1985), qui ont contribué à faire connaître la civilisation étrusque à l’échelle internationale. Des artistes de premier plan comme Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Marino Marini et Arturo Martini se sont inspirés des formes et des matériaux étrusques. Les terres cuites, les bronzes, les buccheri et les offrandes votives étrusques ont inspiré une réinterprétation créative alliant modernité et tradition.

“L’influence de la culture étrusque sur la culture du XXe siècle, explique l’universitaire Anna Mazzanti, a connu plusieurs moments. C’est comme une vague qui a des pics, qui se rétracte et qui revient, et dans laquelle on peut identifier trois situations significatives. La première concerne une découverte très importante et sensationnelle, un groupe de sculptures templières et en terre cuite, dont l’exemple le plus important est l’Apollon de Veio, qui a généré une première grande explosion de la culture archéologique étrusque, à tel point que des chaires, des études, des revues étrusques et une grande explosion visuelle dans les revues ont vu le jour, ce qui a suscité l’intérêt des artistes”. L’Apollon de Veio, avec son énigmatique sourire archaïque, découvert en 1916, devint un puissant symbole de cette influence et initia en fait la redécouverte des Étrusques. La sculpture apparaît dans les affiches et les catalogues d’art de l’époque, représentant un point de contact idéal entre la puissance expressive de l’Antiquité et la recherche stylistique moderne. Les deux autres moments importants, selon Mazzanti, sont les deux expositions de 1955 et 1985. “L’exposition de 1955, explique-t-il, coïncide avec une évolution des études, grâce au commissaire de ces expositions, Massimo Pallottino, un étruscologue qui a systématisé toutes les études développées depuis le début du XXe siècle, depuis la découverte de Veio jusqu’au milieu du siècle, et qui a su les traduire en une exposition exemplaire, très communicative, et en même temps rigoureusement scientifique, qui a permis de faire ressortir un point important. L’exposition itinérante de 1985, en revanche, était une grande exposition itinérante, une exposition qui ”avait la particularité, typique des années 1980, d’avoir une orientation très large : des sociologues, des spécialistes des arts contemporains étaient impliqués, et il est donc intéressant de considérer que les deux expositions principales, celle du Musée archéologique de Florence et celle du Palazzo degli Innocenti, étaient consacrées à la culture étrusque et à la fortune des Étrusques dans le monde contemporain“. L’année 1985, proclamée ”Année des Étrusques“, a représenté un moment crucial dans la redécouverte de la civilisation étrusque. Au cours de cette période, la Toscane a été au centre d’une série d’initiatives culturelles, dont le point culminant a été l’exposition ” Civilisation étrusque " à Florence. Le 16 mai 1985, jour de l’inauguration de l’exposition florentine, Mario Schifano, déjà célèbre à l’époque pour sa capacité de représentation instinctive et immédiate, donne lieu à une performance artistique au cours de laquelle il réalise une immense peinture consacrée à la Chimère d’Arezzo, une œuvre retrouvée au XVIe siècle et qui avait déjà suscité beaucoup d’attention parmi les artistes. Schifano, en particulier, a peint des silhouettes de chimères lumineuses, comme si elles étaient transportées par le temps : “elles se sont envolées”, dit-il, “en se retournant et en tourbillonnant dans l’air vers le blanc aveuglant de la lumière du côté opposé, pour se dissoudre comme des rêves au matin”.

Pour de nombreux artistes du XXe siècle, la visite des lieux symboliques de la civilisation étrusque a également constitué une étape fondamentale dans leur formation créative. Pablo Picasso et Ardengo Soffici, par exemple, ont exploré les musées et les sites archéologiques étrusques à la recherche d’inspiration, comme dans une sorte de “Grand Tour” idéal de l’Étrurie, qui comprenait des lieux tels que Volterra, Tarquinia, Cerveteri et Chiusi. Les peintures des tombes de Tarquinia, les urnes en albâtre de Volterra et les sculptures en bronze telles que la Chimère d’Arezzo ont captivé l’imagination de beaucoup, donnant lieu à des œuvres d’art qui réimaginent ces témoignages anciens dans une tonalité contemporaine.

Arts visuels : des Étrusques à l’avant-garde

Les Étrusques ont été une source d’inspiration pour les artistes qui ont cherché à rompre avec les conventions classiques en adoptant un langage d’expression plus authentique et plus direct. Arturo Martini, avec ses sculptures en terre cuite, évoque le monde étrusque à travers des formes synthétiques et des lignes archaïques. Son choix de travailler avec des matériaux pauvres comme l’argile a attiré l’attention sur la dimension humaine et vulnérable de l’art. Les figures allongées bien connues d’Alberto Giacometti reflètent son intérêt pour un certain type de sculpture étrusque (pensez à l’Ombra della sera à Volterra). Un autre grand artiste du XXe siècle, Giacomo Manzù, a été l’un des interprètes les plus originaux de l’art étrusque : le portrait que l’artiste a fait de sa femme Inge s’inspire de la poterie étrusque.

Massimo Campigli, influencé par sa visite au musée de Villa Giulia, a retravaillé les visages étrusques dans ses peintures, évoquant l’intensité émotionnelle des figures funéraires, en leur donnant ces sourires énigmatiques et quelque peu sardoniques que l’on retrouve souvent dans l’art étrusque. Michelangelo Pistoletto, avec son œuvreL’Etrusco, a rendu hommage à la sculpture étrusque en plaçant une copie de l’Arringatore devant un miroir : une métaphore de la réflexion critique sur le temps et l’identité. Quant à Marino Marini , il était tellement fasciné par l’art étrusque qu’il est allé jusqu’à s’autoproclamer... étrusque lui-même. N’oublions pas non plus Pablo Picasso, qui a beaucoup expérimenté la céramique à Vallauris après la guerre. Picasso, à son tour, fut initié à l’art étrusque par son ami Gino Severini, qui vécut la majeure partie de sa vie à Paris : il était originaire de Cortone et connaissait donc bien les antiquités étrusques (il exécuta lui-même quelques bronzes inspirés des pièces et des chefs-d’œuvre du Museo dell’Accademia Etrusca di Cortona). Pour Picasso, les formes animales et anthropomorphiques de la culture étrusque constituaient une base idéale pour ses propres recherches sur les arts primitifs. Picasso lui-même a été une référence pour les artistes qui ont travaillé plus tard avec des céramiques inspirées par les Étrusques.

À propos de céramique : le bucchero, une céramique noire typique de la civilisation étrusque, a été réinterprété par des artistes tels que Duilio Cambellotti dans les années 1920 et Carlo Alberto Rossi dans les années 1950, qui ont expérimenté de nouvelles techniques pour créer des œuvres modernes à l’âme archaïque. Cambellotti, en particulier, fait partie des artistes qui ont le plus et le mieux travaillé le bucchero : il l’appréciait surtout pour son aspect plastique et sculptural. La terre cuite, en revanche, devint le matériau de prédilection de sculpteurs comme Arturo Martini et Marino Marini, qui appréciaient sa capacité à évoquer la beauté imparfaite et la fragilité humaine. Ces matériaux, liés à la terre et au temps, rendent tangible le dialogue entre le passé et le présent.

Design et arts appliqués sous le signe des Étrusques

La civilisation étrusque a également laissé une marque indélébile sur le design et les arts appliqués du XXe siècle. Cette influence peut être évaluée selon deux profils différents : celui des matériaux et celui des formes. "L’un des matériaux les plus identifiables de la culture étrusque, explique Lucia Mannini, est le bucchero, une céramique soumise à un processus de cuisson spécial qui la rend noire à la fois en surface et en fracture. Cette technique très particulière, adoptée par les Étrusques et que les savants du XXe siècle ont tenté de découvrir et de déchiffrer, avait entre-temps été découverte et adoptée par de nombreux artistes : parmi les premiers à Rome, Francesco Randone, dès la fin du XIXe siècle, a redécouvert ce procédé particulier... et l’a gardé secret. La recette et les méthodes de cuisson ont été transmises uniquement à ses filles, qui ont produit avec leur père (dans un cadre étonnant, à l’intérieur des murs d’Aurélien) des objets inspirés de l’art étrusque, même dans leur forme : par exemple des rhytons (ndlr : récipients pour liquides) avec des formes d’animaux anthropomorphes, ou des lanternes, en tout cas des objets très légers qui recherchaient dans le bucchero surtout la légèreté, la délicatesse et le raffinement des décorations.

Gio Ponti, l’un des plus grands designers italiens, s’est inspiré des cistes et des askos étrusques (petits vases à huile à deux becs, aux formes anthropomorphes ou zoomorphes) pour créer des objets quotidiens alliant fonctionnalité et beauté archaïque. Le grand créateur est attiré par les matériaux et les formes, en particulier celles des vases mais aussi celles des sculptures anatomiques que les Étrusques offraient aux dieux. Dans le domaine de la bijouterie, des artistes comme Arnaldo Pomodoro et Afro Basaldella ont réinterprété les techniques et les motifs de l’orfèvrerie étrusque, utilisant la granulation pour créer des ornements qui évoquent des reliques antiques. Et toujours en s’inspirant des formes de l’art étrusque. “Il s’agit d’objets, explique M. Mannini en se référant à l’art étrusque et aux arts appliqués, qui ont été redécouverts et ”aspirés“ par les artistes à partir des années 1920 et surtout après la Seconde Guerre mondiale, c’est-à-dire dans les années 1950 : ce n’est pas une coïncidence, car c’est une époque où, en même temps que la renaissance de l’art étrusque, les arts appliqués ont également ressuscité et renoué avec l’Italie, et le besoin s’est donc fait sentir de fournir de nouveaux modèles et de nouvelles formes. Et où les trouver ? Non plus dans l’art, peut-être seulement dans l’art de la Renaissance ou dans les cultures établies, mais ils vont expérimenter et chercher dans des endroits inhabituels, en explorant les musées archéologiques par exemple”. Gio Ponti lui-même, “qui venait d’accéder au poste de directeur artistique de la manufacture Richard Ginori, afin de proposer de nouveaux objets à présenter lors de grandes expositions, nous savons qu’il fréquente les musées archéologiques de Florence et de Rome. Et comme lui, par exemple, Guido Andloviz, dont on dirait aujourd’hui qu’il est une sorte de concurrent, à la tête d’une fabrique de céramique à Laveno, la ”Società Ceramica Italiana".

La mode s’est également emparée de l’héritage étrusque. Fernanda Gattinoni, avec sa “Linea Etrusca” de 1956, a célébré la beauté et le mystère des femmes étrusques à travers des vêtements qui reprenaient les détails stylistiques des figures sculptées. Les exemples ne manquent pas non plus dans le domaine de la bijouterie: plusieurs artistes, comme Fausto Melotti, ont créé des bijoux inspirés de l’art étrusque, et la célèbre marque arétine UnoAerre a mené en 1985 des expériences, en étudiant le matériel du musée archéologique de Florence, sur les techniques étrusques de granulation et de dépoussiérage pour tenter de les reproduire.

L’influence des Étrusques dans l’art du XXe siècle démontre le pouvoir omniprésent des cultures anciennes dans la formation de l’esthétique moderne. Les artistes du court siècle, en adoptant la simplicité et l’expressivité des Étrusques, ont trouvé un terrain fertile pour explorer de nouvelles formes de créativité.

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