Ferrara, ouverture du Spazio Antonioni, un musée dédié à Michelangelo Antonioni

À partir d’aujourd’hui, 1er juin 2024, L’espace Antonioni, un nouveau musée dédié à l’univers intellectuel et créatif de Michelangelo Antonioni (Ferrare, 1912 - Rome, 2007), l’une des figures les plus influentes de la cinématographie moderne, ouvre ses portes au public à Ferrare. Situé dans l’ancien pavillon d’art contemporain du Palazzo Massari, le musée promet de devenir un point de référence pour les cinéphiles et les universitaires.

Décrit par Martin Scorsese comme un “poète de notre monde en mutation” et par Wim Wenders comme un “peintre de l’écran”, Antonioni est célébré pour sa capacité à explorer en profondeur les sentiments humains, comme l’a souligné Akira Kurosawa. Son œuvre a influencé des générations de cinéastes et entretenu un dialogue vivant avec les arts figuratifs. Le projet de musée, dirigé par Dominique Païni, ancien directeur de la Cinémathèque française, a été réalisé grâce à l’engagement de la municipalité de Ferrare et de la Ferrara Arte Foundation, à l’initiative de Vittorio Sgarbi et en collaboration avec Enrica Fico Antonioni. L’objectif est de créer un musée vivant, un lieu d’éducation et de découverte, où l’on peut explorer les preuves de l’œuvre d’Antonioni et ses liens avec d’autres artistes et intellectuels.

Le L’espace Antonioni abrite une sélection de l’extraordinaire archive de plus de 47 000 pièces, donnée par le réalisateur et son épouse à la municipalité de Ferrare. Ces archives comprennent des films, des affiches, des scénarios, des photographies, des dessins, des peintures, des livres, des disques, des prix et une riche correspondance avec des personnalités culturelles telles que Roland Barthes, Umberto Eco, Federico Fellini et Andrej Tarkovskij. Ce trésor a été mis en valeur grâce à un projet soutenu par la région d’Émilie-Romagne.

Le parcours muséal, réparti sur les deux étages du Palazzo Massari, est organisé de manière chronologique, retraçant les étapes de la carrière d’Antonioni. De ses premières œuvres dans le néoréalisme, en passant par la trilogie de la modernité avec Monica Vitti, jusqu’aux chefs-d’œuvre internationaux tels que Blow Up et Zabriskie Point. Le musée explore également la production picturale d’Antonioni et ses paysages oniriques des “montagnes enchantées”.

Conçu par le studio Alvisi Kirimoto, le musée présente un parcours d’exposition qui rappelle les plans-séquences d’Antonioni, avec des septa monolithiques délimitant les chapitres du récit. Les salles immersives consacrées aux films du réalisateur culminent dans un point culminant chromatique en niveaux de gris, évoquant les atmosphères de ses films. Au premier étage, une salle polyvalente permet de moduler l’espace en fonction des besoins d’exposition. Le projet bénéficie du soutien d’un comité d’honneur composé de personnalités telles que Gian Luca Farinelli, Thierry Frémaux, Wim Wenders, Alfonso Cuarón, Jonas Carpignano, Walter Salles, Irène Jacob, Sophie Marceau et Giorgio Tinazzi, ainsi que Enrica Fico, Dominique Païni et Vittorio Sgarbi.

Le parcours

L’objectif de l’Espace Antonioni est de créer un musée vivant, un lieu de découverte et d’approfondissement où les précieux témoignages de l’œuvre du grand cinéaste, conservés dans les Archives Antonioni, puissent dialoguer avec les œuvres des artistes, des réalisateurs et des intellectuels qui l’ont inspiré ou admiré. À cette fin, un espace polyvalent a été aménagé pour accueillir des revues, des rencontres et des expositions de dossiers, dans l’esprit du dialogue entre les arts, qui encadre le parcours chronologique, marqué par des sections qui retracent les saisons du cinéma d’Antonioni. Quatre salles sont consacrées à la projection de séquences des films d’Antonioni, chefs-d’œuvre du cinéma du XXe siècle qui continuent d’interroger la réalité du troisième millénaire.

La première section évoque les origines du réalisateur, né à Ferrare en 1912. Son violon, sa raquette de tennis, ses livres et ses revues témoignent de ses intérêts de jeunesse cultivés en compagnie de ses amis Giorgio Bassani et Lanfranco Caretti, tandis que sa passion pour le septième art est révélée par des dessins et des cartes postales représentant des divas et des acteurs hollywoodiens et par des articles sur la critique cinématographique. Sa première production documentaire, commencée après son installation à Rome en 1940, reflète encore sa fascination pour le paysage de Ferrare et son brouillard (Gente del Po) et met à nu les contradictions sociales sur fond de décors néoréalistes urbains ou ruraux (N.U. - Nettezza urbana, Superstizione).

Les premiers longs métrages d’Antonioni, Cronaca di un amore et La signora senza camelie, avec la jeune Lucia Bosè, datent du début des années 1950. La photographie aux forts contrastes d’ombre et de lumière permet de mettre à nu la psychologie des personnages et la mondanité nihiliste et oisive de la bourgeoisie d’après-guerre, tout en soulignant l’élégance des costumes et des décors. Des photos de plateau, des écrits, des lettres, des affiches et des œuvres visuelles d’Antonioni et de maîtres du XXe siècle racontent la transition du néoréalisme vers un cinéma qui réfléchit à la capacité de refléter la réalité et à sa désintégration, ouvrant la voie à la Nouvelle Vague française. Un chef-d’œuvre comme Le Cri confie l’angoisse muette du protagoniste au paysage du delta du Pô, en accord avec le lyrisme pictural de Filippo de Pisis.

La trilogie composée de L’avventura (1960), La notte (1961) et L’eclisse (1962) sanctionne la maturité stylistique d’Antonioni et représente un jalon dans l’histoire du cinéma moderne. La trame narrative passe définitivement au second plan, laissant la place aux images, souvent inspirées des arts plastiques, comme le souligne la présence d’une Nature morte de Morandi prêtée par le Mart pour évoquer le travail qu’Antonioni a repris dans une scène de La notte. L’avventura est le chef-d’œuvre qui inaugure ce tournant vers une “œuvre ouverte”, comme le souligne Umberta Eco, où les séquences se succèdent avec des connexions apparemment aléatoires, invitant le public à s’interroger sur l’atmosphère suspendue et presque menaçante qui fait allusion à la condition d’isolement propre à la modernité tardive. Les photos de plateau s’attardent sur les visages iconiques de la nouvelle muse, Monica Vitti, et des stars internationales telles que Marcello Mastroianni, Jean Moreau et Alain Delon, mais aussi sur l’architecture moderne de la société du boom économique, qui deviennent les co-protagonistes du cinéma de la maturité d’Antonioni.

Le parcours au rez-de-chaussée se termine par la section consacrée à l’un des films les plus radicaux et les plus actuels d’Antonioni, Il deserto rosso (1964), Lion d’or à la Mostra de Venise. Le réalisateur utilise pour la première fois la couleur pour raconter une civilisation déchirée par les conflits sociaux, assiégée par une mécanisation déshumanisante et condamnée à une pollution irréversible. Le long métrage photographie la détresse psychologique d’une jeune femme, dans le décor brumeux et irrespirable de la ville portuaire et industrielle de Ravenne. L’utilisation expérimentale de la couleur marque une convergence avec les recherches matérielles d’Alberto Burri, comme en témoignent deux œuvres prêtées par la Fondazione Burri et la Fondazione Prada.

Dans la seconde moitié des années 1960, Antonioni quitte l’Italie, attiré par l’énergie débordante de la culture pop et de la jeunesse, et s’impose sur la scène internationale avec des films qui font référence. En 1966, le Swinging London est le théâtre effervescent de Blow Up: un photographe de mode est le protagoniste involontaire d’une histoire criminelle qui remet en question l’influence des médias dans la représentation de la réalité. À son tour, Zabriskie Point (1970) se développe entre les deux pôles de l’Amérique consumériste agitée par les révoltes étudiantes et le paysage vierge du désert californien, sous la bannière de la vision libératrice de l’érotisme, de la contre-culture hippie et du rock psychédélique de Pink Floyd et du Grateful Dead. Enfin, dans Professione : reporter, l’expérience aliénante du désert africain est le prélude à une impossible fuite de soi et, en même temps, la métaphore sublime d’une réalité qui semble de plus en plus indéchiffrable.

L’exploration de continents et de cultures éloignés du contexte européen pousse Antonioni jusqu’en Asie, où il revient au cinéma documentaire. Tourné en 1972 en République populaire de Chine, Chung Kuo, China raconte la vie et les coutumes d’une civilisation pratiquement étrangère au regard occidental. L’objectif d’Antonioni se concentre sur les visages, les gestes et les environnements avec une attitude anthropologique de distance respectueuse. Kumbha Mela (1989), quant à lui, est consacré au plus important festival religieux indien qui attire des millions de pèlerins tous les douze ans.

À la fin de sa vie, Antonioni est retourné travailler en Italie, renouant ainsi avec ses racines. De Identificazione di una donna (1982) à Al di là delle nuvole, tourné avec Wim Wenders (1995), jusqu’à Sguardo di Michelangelo (2004), le maître continue d’interroger le pouvoir mystérieux des images, dans le cadre majestueux des panoramas romains et vénitiens, des vestiges des Ferrare de la famille d’Este ou des chefs-d’œuvre de la Renaissance. Acclamé par les intellectuels, les cinéastes et les artistes, lauréat des Palmes, des Lions d’or et des Oscars, le réalisateur continue de nous prêter son regard contemplatif sur le monde.

L’itinéraire se termine par un vaste espace polyvalent dédié à la recherche d’aspects particulièrement significatifs du cinéma d’Antonioni à travers des festivals de films, des séminaires, des événements et des expositions-dossiers d’artistes et de courants.

À côté de l’espace polyvalent est présentée la série des Montagnes enchantées, de petites peintures réalisées à partir des années 1970 et développées ensuite sur grand format en utilisant la technique de l’agrandissement photographique pour créer des paysages de rêve spectaculaires. La recherche figurative d’Antonioni est étroitement liée à la production cinématographique et se nourrit, comme elle, de la recherche sur la matière, la forme et la couleur, renforçant ainsi le pouvoir de l’imagination.

Ferrara, ouverture du Spazio Antonioni, un musée dédié à Michelangelo Antonioni

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