Un sous-marin à Modène: la peinture murale monumentale de Flavio Favelli pour festivalfilosofia 2021

À l’occasion de la 21e édition de festivalfilosofia, qui se tiendra du 17 au 19 septembre 2021 entre les villes de Modène, Carpi et Sassuolo, l’artiste Flavio Favelli (Florence, 1967) a été invité par le Museo Civico di Modena à concevoir une œuvre sur le thème de festivalfilosofia 2021, la liberté, et sur la figure de Ciro Menotti. Favelli a donc apporté un sous-marin à Modène, une œuvre murale qui sera visible en permanence sur le mur extérieur de la Palestra Panaro. Ciro Menotti 1928-1949, tel est le titre de l’œuvre monumentale, sera présentée le vendredi 17 septembre à 11 heures en présence de l’artiste. Le projet est organisé par Serena Goldoni et Cristina Stefani. Nous avons posé quelques questions à Flavio Favelli pour qu’il nous en dise plus sur son projet et son travail. L’interview est organisée par Ilaria Baratta.

IB. À l’occasion du festivalalfilosofia, consacré cette année au thème de la liberté, vous avez été invité à créer une œuvre qui associerait ce thème à la figure de Ciro Menotti, le patriote du soulèvement de 1831 qui a été exécuté tout près de la Cittadella où votre Ciro Menotti 1928-1949 sera visible en permanence. En réalité, son œuvre ne représente pas le patriote, mais un sous-marin qui remonte à l’époque fasciste. Pourquoi avoir fait ce choix qui pourrait induire le public en erreur ?

FF. Je pense que l’artiste ne doit jamais répondre de manière littérale et appropriée. Je ne fais pas de commandes, l’idée de l’artiste de la Renaissance est disqualifiante. Il faut essayer de changer les cartes sur la table, de répondre d’une manière différente, non cohérente, afin de créer une œuvre articulée. J’ai proposé une peinture murale (pas de “s”, s’il vous plaît), l’une des choses les plus difficiles à faire aujourd’hui, loin de l’imagerie généralement créative du street art actuel. Intéressé depuis longtemps par les thèmes militaires, j’ai peint un sous-marin de 40 mètres de long à Modène, le Ciro Menotti. L’idée du sous-marin n’est pas liée à la question du fascisme, mais au monde militaire et à la Regia Marina, un nom obsolète qui rappelle une époque et l’histoire d’une énorme catastrophe qui a été supprimée. C’est l’artiste qui met ses mains dans le refoulé. Le public donc, plus il est égaré, mieux c’est ; il y a déjà la télé, les médias, les médias sociaux, internet, la presse, les grandes expositions et la politique qui le mettent sur le “ bon ” chemin, si une image le détourne du droit chemin, cela me semble une chose intéressante, sauf à vouloir traiter le public comme un simple puer aeternus. L’art contemporain est élitiste par nature, mais pas au sens d’une carte VIP ou d’une carte de crédit, mais de la capacité à relever des défis, à réfléchir à des concepts et à poser des questions en dialoguant avec l’œuvre, et c’est peut-être un problème pour le public qui a grandi avec soixante-dix ans de télévision. S’il y a un épouvantail pour la politique, les arts de la rue et le public, c’est bien le terme “conceptuel”, perçu comme un gros mot, alors que le concept, le sens sont importants. De toute façon, il vaut mieux sortir le public de la route que de le faire passer par le péage.

Outre le point de vue conceptuel, l’œuvre que vous présenterez sur le mur extérieur du gymnase Panaro se veut également trompeuse d’un point de vue technique, car elle a été réalisée en utilisant la technique du razzle dazzle, qui signifie “piège”, brevetée pour camoufler les navires militaires de la Première Guerre mondiale à l’aide de simples marques noires et blanches. Pourquoi avoir choisi cette technique ?

Je dois dire que cette technique est l’une des plus intéressantes en raison de son utilisation militaire. Les images de grands navires de guerre peints en rayures sont vraiment “désarmantes”. C’est peut-être la seule fois où l’imagerie expérimentale d’un artiste (le camouflage utilisé par les militaires a été inventé par les peintres cubistes) a été utilisée pour quelque chose d’aussi “sérieux” que la guerre. Picasso lui-même y a travaillé. Mais au-delà de l’expérience des artistes, il est décisif que dans ce cas l’artiste rencontre le militaire. Je crois qu’il n’y a pas de domaines plus éloignés, dans la société actuelle, l’artiste plasticien (malgré le street art, Banksy, les ventes aux enchères qui font la une) continue à jouer un rôle mineur, jusqu’à ce qu’il devienne un maître après quatre-vingts ans, alors que le militaire est la chose la plus normale qui soit (on a toujours eu un camarade de classe ou un camarade de classe avec un papa militaire) et puis y a-t-il quelque chose de plus évident et de plus régulier que la guerre? Depuis la Bible et l’Iliade jusqu’à aujourd’hui, n’a-t-elle pas toujours été un grand classique? La guerre est le seul événement toujours identique qui accompagne l’humanité. J’aime cette technique simple qui déforme les volumes. Je dois dire que le meilleur effet est obtenu avec des œuvres tridimensionnelles. Disons qu’il fait un fantôme du sous-marin et que les fantômes disent toujours quelque chose.

CiroMenotti 19 28-1949 conduit inévitablement à une réflexion sur la mémoire et son appropriation déformée. Est-ce là le but de l’œuvre? Quels sont les thèmes que vous avez voulu aborder à travers votre travail ?

Ce n’est pas le but, si ce n’est qu’il est compris et vient plus tard. La mémoire est une nécessité de l’institution et de la politique et je ne crois pas que l’art doive essayer de réfléchir sur la mémoire, mais simplement, sans que ce soit une fin, de l’attirer parce que c’est dans la nature même de l’art d’attirer les choses et d’activer non seulement la “bonne” mémoire, mais aussi la “mauvaise” mémoire. L’art ne pose pas la question du “bien” et du “mal”, du “bon” et du “mauvais”, parce que l’art n’adhère pas à la réalité, mais se situe sur un autre plan. Le point de départ est un sous-marin à Modène, qui est donc un certain sous-marin, avec sa propre histoire, son propre nom et sa propre imagerie. L’artiste ne travaille pas pour la société, le public ou le territoire, mais pour l’art, qui doit rester dans sa boîte de Pandore.

Le thème militaire est complexe à traiter: comment un artiste l’aborde-t-il en général et comment l’abordez-vous ?

J’ai abordé le thème militaire (j’ai fait un long projet sur les soldats italiens et j’en parlerai au festival) pour deux raisons: parce que mon grand-père était parti (et revenu) à la campagne de Russie avec une photo de lui en uniforme, ce qui m’a toujours gêné, parce qu’il était encore plus beau en uniforme. Et parce que le monde de Mars est ambigu, trouble les consciences, a une esthétique forte et est, qu’on le veuille ou non, notre plus grande tradition: la guerre est éternelle, elle fait partie de notre société, même si la société civilisée se croit à l’abri (mais les fameux foulards Hermès avec brides et panaches équestres ne célèbrent-ils pas les atours de la chevalerie, fer de lance de l’art de la guerre depuis quelques millénaires ?). L’univers militaire est lointain, archaïque et moderne-technologique à la fois. Je crois aussi que dans l’art, le conflit est l’un des thèmes les plus vrais et les plus profonds ; sans un conflit avec ma famille et la terre où j’ai grandi, je n’aurais probablement pas fait d’œuvres d’art.

Quel rôle l’artiste et l’art devraient-ils jouer aujourd’hui, selon vous ?

Je ne sais pas quel rôle, mais je sais que la distance entre le sens de l’art et la société me semble, malgré les nombreuses informations dont nous disposons, de plus en plus marquée. Ce n’est pas un hasard si l’art de rue est devenu populaire et utilisé par les entreprises et les politiques pour célébrer ; l’art qui est médiatisé est trop souvent une créativité consacrée à un projet utile pour la société ou à ce qui fait désordre. Je peins sur les murs publics depuis de nombreuses années (et beaucoup de projets ont été rejetés et censurés par les administrations), parce qu’il me semble que c’est l’exercice le plus difficile et en même temps le plus passionnant à faire, car les expositions dans les lieux dédiés à l’art ne sont plus que trop rarement des moments intéressants. Quel rôle? Eh bien... il me semble qu’en ces temps de “vrai populisme”, l’art est confiné dans son système et c’est peut-être l’art lui-même qui le réclame parce qu’il s’en accommode trop bien. Certes, il est otage du marché, c’est l’époque où les musées demandent l’aide de galeries privées pour monter des expositions, mais il y a des zones de liberté, qui ne sont certainement pas dans le street art ou l’art public, mais dans des projets hors musée et aussi (que sais-je) dans les œuvres. Qui regarde les œuvres de plus près? Qui parle des œuvres? Quelqu’un a dit récemment que “l’art n’a de pouvoir que dans le monde des collectionneurs”. Il faut beaucoup d’attention pour essayer d’équilibrer deux moments: l’œuvre sur un mur blanc et l’œuvre à placer à l’extérieur, en dehors du lieu réservé à l’art. C’est une longue et interminable oscillation qui peut prendre toute une existence.

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