Sara Piccinini, nouvelle directrice de Collezione Maramotti: "Nous offrons un moment de détente dédié à l'art".

Sara Piccinini, née en 1983, est la nouvelle directrice de la Collezione Maramotti de Reggio Emilia, l’une des principales collections d’art contemporain d’Italie, qui comprend des œuvres des plus grands artistes du milieu du XXe siècle à nos jours. Mme Piccinini travaille à l’institution de Reggio Emilia depuis 2007 (c’est-à-dire depuis son ouverture) et l’a donc vue naître et grandir, jusqu’à son nouveau poste. Nous avons interviewé la jeune directrice, qui nous a expliqué l’approche qui caractérisera sa direction, a anticipé certains des projets à venir et, en général, nous a parlé des objectifs qui animent la prestigieuse collection. L’interview est réalisée par Ilaria Baratta.

Sara Piccinini. Ph. Bruno Cattani

IB. À partir de janvier 2021 Elle est la nouvelle directrice de Collezione Maramotti, l’une des collections d’art contemporain les plus renommées d’Italie, mais elle fête en fait sa quatorzième année au sein du lieu d’exposition. En fait, elle y travaille depuis 2007 et est coordinatrice principale de la collection depuis 2018. Que signifie pour vous le fait d’être devenue directrice d’un musée dans lequel vous avez déjà passé de nombreuses années de votre vie et que vous connaissez donc très bien? Au cours de ces années, quels ont été les développements et les changements au sein de la Collection ?

SP. Commencer ma carrière au moment où la Collection elle-même prenait forme et s’ouvrait au public m’a donné la grande opportunité de suivre de près chaque événement, chaque défi, et de grandir constamment. La Collection présente plusieurs particularités, en termes d’utilisation, de communication, d’organisation interne et de planification. La gestion et la valorisation de ces spécificités est certainement quelque chose qui devient possible grâce à des années d’expérience et au partage d’une vision, qui est celle d’une famille. Je pense que l’évolution de la Collection au fil des ans a été organique, cohérente: la plupart des projets temporaires ont pris la forme d’explorations contemporaines dans le domaine de la peinture, un fil rouge qui relie toute la collection, depuis les premières œuvres exposées de manière permanente (qui datent de la fin des années 1940) jusqu’à aujourd’hui. De la même manière, il y a toujours eu une grande attention pour intercepter des moments avec des traits d’innovation, de rupture, d’impulsion dans la recherche d’un artiste, une figure qui occupe une position centrale dans la Collection: sa voix, sa relation directe avec les collectionneurs et le personnel de la Collection, son implication dans tous les aspects de la réalisation et de la présentation des projets. En tant qu’organisation fortement ancrée dans le territoire et à vocation internationale, nous avons renforcé et élargi au fil des ans notre réseau de collaborations, tant au niveau local, par exemple avec la Fondazione I Teatri ou le Festival européen de la photographie, qu’à l’étranger, de la Whitechapel Gallery, où nous sommes partenaires, avec Max Mara, du Max Mara Art Prize for Women, aux nombreuses institutions avec lesquelles nous avons été liés pour des prêts d’œuvres ou des expositions entières, ou dont nous avons accueilli les mécènes, les directeurs et les commissaires d’exposition.

Quelle ligne allez-vous suivre dans la direction de la Collection? Quels sont les points que vous considérez comme fondamentaux pour la direction d’un lieu muséal ?

Pour revenir à ma première réponse, je crois qu’il est très important, surtout dans une situation comme la nôtre, de bien comprendre et en quelque sorte de s’approprier une démarche, qui est celle de la famille qui a fortement voulu la création de cet espace et qui, avec cohérence de pensée, souhaite qu’il soit poursuivi et partagé. Nous ne sommes pas un musée public, nous sommes une collection privée ouverte au public (gratuitement). Nous ne prétendons pas à l’exhaustivité, à la reconnaissance linéaire de la scène artistique contemporaine, c’est le miroir d’une histoire personnelle de collection qui a commencé dans les années 60 et qui se poursuit encore aujourd’hui. Nous ne sommes pas intéressés par des chiffres élevés en termes de visites, qui, depuis l’ouverture et indépendamment de la situation post-covidique, se font sur réservation et par quota. Nous n’organisons pas de visites guidées, mais accompagnons les visiteurs sur un chemin de découverte, différent pour chacun. La volonté est d’offrir à des personnes passionnées et motivées une expérience intime, personnelle, un temps lent dédié à l’art. Les manières de raconter l’histoire changent et évoluent, elles l’ont fait pendant toutes ces années, et avec la situation provoquée par la pandémie, avec les réflexions qu’elle pose sur le présent et l’avenir, elles changent encore plus rapidement. Mais la philosophie d’un lieu, d’une réalité d’exposition comme la nôtre, ne peut pas changer radicalement, ce serait en quelque sorte trahir son identité.

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de Fausto Melotti, Giuseppe Uncini, Mario Schifano, Tano Festa Ph. C. Cesare Di Liborio

Collezione Maramotti, Veduta di sala, œuvres de / œuvres d’art de: Jannis Kounellis. Ph. C. Luis Aniceto/Cesura

Collezione Maramotti, Veduta di sala, open space 2nd floor, œuvres / œuvres d’art de: Huma Bhabha, Mark Manders, Erick Swenson Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de Jules De Balincourt. Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de Krištof Kintera Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de Gert&Uwe Tobias Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti Vue de la salle, œuvres de Christopher Wool, Rosemarie Trockel Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti Vue intérieure, œuvre de Ross Bleckner Ph. C. Luis Aniceto/Cesura

Dans la présentation de la Collezione Maramotti, on peut lire que la Collection se tourne vers l’avenir de l’art en accordant une attention particulière et constante à l’évolution des nouveaux langages artistiques, notamment la peinture, et à la remise en question critique du statut de l’œuvre d’art. De ce point de vue, qu’attendez-vous à court terme de l’art contemporain ?

La peinture est un langage ancien qui, même à travers des périodes de remise en question, ne s’est jamais arrêté. En ce moment, il me semble que l’attention et une certaine sensibilité pour la peinture reviennent à un niveau élevé, mais indépendamment des fluctuations périodiques de la critique ou du goût, les artistes continueront à se confronter à toutes les potentialités de ce médium. La peinture peut aussi devenir, avec d’autres formes d’expression artistique (dont la Collection n’est pas dépourvue), un moyen de s’interroger sur la valeur et le sens de la création et de l’œuvre elle-même, aujourd’hui. Comment une œuvre s’inscrit-elle dans la vie, quelles questions pose-t-elle, quels autres regards propose-t-elle, qu’interroge-t-elle, quelle expérience (cognitive, intellectuelle, sensorielle) porte-t-elle, que met-elle en mouvement? Par quelles images endomatérielles, citant l’écrivain Nadia Fusini, les artistes peuvent-ils nous interpeller positivement, peuvent-ils générer une réponse active chez l’observateur, un changement de regard, une perception inédite, une action ?

À travers divers projets, la Collezione Maramotti a donné de l’espace à de jeunes artistes au fil des ans. Avez-vous déjà des projets prévus à cet égard ?

Nous prévoyons d’inaugurer fin février une exposition de ruby onyinyechi amanze, une artiste née en 1982 au Nigeria, qui vit entre Philadelphie et New York. Il s’agira de sa première exposition en Italie, comme c’est souvent le cas pour les projets que nous présentons. Amanze a créé un nouveau design multidimensionnel pour la salle des motifs de la collection, travaillant à une échelle monumentale jamais expérimentée auparavant. Le long mur central de la salle sera entièrement recouvert de 15 grandes feuilles de papier de coton épais sur lesquelles l’artiste a travaillé en utilisant différentes techniques. Amanze explore le papier comme un support presque sculptural, à manipuler, dont elle expérimente les forces et les fragilités. Son imagerie est habitée par des figures et des éléments récurrents (humains, hybrides, objets, architecture) à travers lesquels elle explore le concept d’espace. À l’automne, nous présenterons ensuite un nouveau projet de Bruno Pogačnik Tremow et Ivana Vukši&cacute ; (nés en 1981 en Croatie, basés à New York), connu sous le nom de TARWUK, qui travaillent actuellement sur la dernière des quatre grandes sculptures que nous exposerons, ainsi que sur une série de dessins.

La Collezione Maramotti se trouve actuellement dans le bâtiment où Achille Maramotti a fondé Max Mara, la célèbre maison de couture, en 1951. Existe-t-il ou a-t-il existé un lien entre la collection d’art et la mode ?

Il existe un lien étroit et une histoire circulaire entre la famille qui a fondé et dirige le groupe Max Mara, la même famille qui a créé la collection d’art, et la région où l’entreprise, la famille et la collection ont leurs racines. Le bâtiment dans lequel se trouve la collection, qui date de 1957 et qui a été construit à l’origine pour Max Mara, a été rénové dans le plus grand respect de son histoire industrielle et créative, afin d’accueillir les œuvres d’art. Avant 2007, les œuvres de la collection n’étaient pas partagées avec le public, mais certaines étaient exposées dans des espaces communs de l’usine afin d’encourager l’inspiration et la stimulation des personnes créatives. Max Mara a également toujours été une entreprise attentive au monde des arts visuels et à l’implication des artistes dans des projets spéciaux. Un exemple est le Max Mara Art Prize for Women, en collaboration avec la Whitechapel Gallery, dont la Collection est le troisième partenaire, et qui est dédié aux femmes artistes émergentes travaillant au Royaume-Uni. Mais en ce qui concerne la Collezione Maramotti, nous ne sommes pas une collection commerciale, nous ne fonctionnons pas avec des logiques qui dépendent du monde de la mode.

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de David Salle, Sandro Chia. Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, vue de la salle, œuvres d’Eric Fischl, Malcolm Morley Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, vue intérieure, œuvre de Mark Manders Ph. C. Gabriele Micalizzi/Cesura

Collezione Maramotti, vue du hall, espace ouvert au 1er étage, œuvres de Mario Merz Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, vue de la salle, espace ouvert au 1er étage, œuvres d’Anselm Kiefer, Ettore Colla Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, Vue de la salle, œuvres de Sigmar Polke, Anselm Kiefer Ph. C. Dario Lasagni

Collezione Maramotti, vue de la salle, espace ouvert au deuxième étage, œuvres de Vito Acconci, Mark Dion Ph. C. Dario Lasagni

Collection Maramotti. Entrée côté nord. Ph. C. Claudia Marini

Si vous deviez accompagner un visiteur au musée, en ce moment historique... quelles œuvres de la collection retiendriez-vous le plus?

Sur celles qui intéressent le plus le visiteur. C’est ce que nous essayons toujours de faire, de laisser la place à une relation directe et personnelle avec les œuvres. Nous donnons des informations, même si elles sont assez concises, sur l’histoire de la collection, son identité, le bâtiment qui l’abrite. Mais en ce qui concerne les artistes ou les œuvres, nous veillons à ne pas imposer un ensemble d’informations prédéfinies. Nous préférons que chacun puisse consacrer son temps, ou ses questions, à ce qui lui semble le plus pertinent. Le nombre limité de visiteurs que nous accueillons, pour chaque visite, est également conçu dans cette fonction: il rend possible notre tentative quotidienne d’accompagnement personnalisé.

En cette période de pandémie, le musée a inévitablement dû s’intéresser à l’Internet. Quelles limites et quels avantages l’Internet a-t-il apportés à votre musée? Pensez-vous continuer à l’utiliser lorsque la situation de pandémie sera terminée ?

Bien sûr, les outils en ligne sont une ressource formidable et très importante à ce moment précis, pour ne pas interrompre une forme de connexion avec l’expérience de l’art. Mais je pense que leur utilisation doit être consciente, non improvisée et structurée dans une perspective à long terme. Étant donné que l’utilisation du contenu numérique ne peut en aucun cas remplacer une expérience réelle et physique, elle peut intelligemment accompagner, étendre et multiplier les niveaux d’exploration, peut-être en se concentrant sur des thèmes et des matériaux approfondis qui ne sont pas normalement accessibles au public. Par exemple, nous produisons une série de clips vidéo sur des œuvres de nos réserves et des livres rares de notre bibliothèque. Nous avons impliqué certains des artistes représentés dans la Collection dans la production de #paroledartist, des contributions audio/vidéo originales pour raconter leur histoire et partager une réflexion sur une œuvre, sur ce moment historique, ou sur leur recherche en général. Tout comme nous continuons à produire des vidéos avec des interviews d’artistes qui présentent des projets dans nos espaces. Et nous continuerons à imaginer des moyens et des formes pour donner la parole aux artistes et raconter la Collection.

Enfin, pouvez-vous nous faire part de vos futurs projets d’exposition ?

Outre ruby amanze et TARWUK, nous travaillons pour 2021 sur deux moments d’exposition avec du matériel provenant de notre bibliothèque et de nos archives, dans la continuité d’un discours qui a commencé il y a quelques années mais qui a pris une forme propre et une dimension remarquable en 2019 avec l’exposition Rehang: Archives. Parallèlement, nous continuons à collaborer avec I Teatri di Reggio Emilia pour présenter une nouvelle performance in situ dans nos espaces à l’automne. Il s’agirait de la septième expérience de ce type, de dialogue entre la chorégraphie, les arts visuels et l’architecture, après avoir accueilli, au fil des ans, des chorégraphes du calibre de Trisha Brown, Shen Wei et Dimitris Papaioannou et leurs compagnies.

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