Après seulement cinq ans d’existence, la galerie Divario à Rome a fermé ses portes. Fondée en 2019 par l’entrepreneur Filippo Tranquilli, elle s’était distinguée au fil des ans par une proposition raffinée, centrée notamment sur la photographie, avec des noms essentiellement jeunes. Débutant avec une exposition de Simone Bossi, elle avait ensuite été rejointe par des expositions de Robocoop, Michela Picchi, Marta Abbott, Lorenzo Catena et Valeria Tofanelli, Ovidiu Leuce, Renzogallo, Max Renkel, Leonardo Magrelli, Giulio Bensasson jusqu’à l’exposition finale, achevée au printemps 2024, de Francesca Cornacchini. Les causes de la fermeture ? Selon Tranquilli, le modèle économique traditionnel des galeries, c’est-à-dire des espaces qui ont à la fois une fonction commerciale et culturelle, est en crise, et il devient alors difficile de travailler avec les jeunes, de cultiver de nouveaux talents, le public est beaucoup moins présent qu’il ne l’était auparavant. Mais il y a bien d’autres problèmes : dans cet entretien, Filippo Tranquilli en parle avec Luca Rossi.
LR. Vous avez récemment pris la décision de fermer la galerie Divario à Rome, qui effectuait un travail de qualité sur l’art contemporain. Quelles ont été les difficultés qui vous ont conduit à ce choix ?
FT. Cher Luca, comme vous pouvez l’imaginer, la décision de fermer Divario a été un choix mûrement réfléchi et en même temps très douloureux. Un petit deuil à faire pour moi et peut-être une nouvelle défaite à digérer pour le système. Personnellement, je ne pense pas que ce soit un échec, loin de là. À ma petite échelle, je pense avoir réussi et avoir accompli beaucoup de choses. Quelle que soit la tournure des événements, je pense qu’il s’agit d’une expérience inoubliable, d’un privilège dont j’ai profité au maximum. Comme l’a écrit l’entrepreneur Seth Godin dans son livre The Dead End: "Un travail, un projet, une relation : tout, au début, est une expérience passionnante. Puis viennent les premiers obstacles et, enfin, la phase la plus difficile. Celle où l’on ne s’amuse plus et où l’on doit serrer les dents. On se demande alors si cela en vaut vraiment la peine. Quand on investit tout son temps, une partie de son argent et beaucoup d’énergie dans un projet entrepreneurial comme le mien et qu’à un moment donné, on fait l’amère constatation que tous ses efforts pour atteindre l’autosuffisance économique ne servent à rien, qu’on ne peut rien faire d’autre, qu’il faut mettre la clé sous la porte.
Comment la décision a-t-elle été prise ?
Après cinq ans d’activité, je me suis rendu compte que le modèle économique de la galerie d’art tel que nous le concevons habituellement, c’est-à-dire un espace d’exposition qui combine une fonction commerciale et une fonction culturelle, présente de graves lacunes. Il n’est pas viable d’un point de vue économique, parce qu’il implique de nombreuses charges qui ne sont pas compensées par des revenus suffisants, en particulier si vous travaillez avec de jeunes artistes et que vous ne voulez pas tirer sur des prix déraisonnables, et d’un point de vue humain, parce que le monde de l’art est devenu désespérément gâté, incroyablement classiste, paresseux et superficiel. Si vous êtes une galerie qui fait du travail de galerie, c’est-à-dire qui recherche des talents avec une approche de conservateur/musée, le marché ne vous récompense pas. En outre, du point de vue de la participation du public, les galeries d’art sont de moins en moins visitées ou parcourues, et c’est une réalité que j’ai moi-même constatée. La plupart du temps, on passe ses journées dans l’attente fastidieuse d’un visiteur ou dans l’espoir d’une vente. Bien sûr, avant de prendre cette décision, j’ai parlé à d’autres galeristes, à quelques conservateurs et à quelques collectionneurs ; j’ai parlé à des directeurs de musées, à des directeurs de fondations et à des directeurs de foires ; j’ai consulté des marchands d’art et des conseillers en art. Tout le monde voit et connaît le problème, mais personne ne sait vraiment quoi faire pour inverser cette terrible tendance. Personne n’a de baguette magique. On m’a dit : vous devriez faire plus de foires, en particulier à l’étranger ; vous devriez entrer dans les bons cercles, assister aux salons importants ; vous devriez investir davantage, avoir beaucoup plus d’argent ; vous devriez construire une réputation solide, exploiter l’image d’entrepreneur de votre famille ; vous devriez remettre un prix, peut-être en votre nom propre ; vous devriez organiser des dîners pour choyer et satisfaire les collectionneurs ; vous devriez avoir un deuxième revenu important pour faire face à toutes les dépenses ; vous devez assister aux événements qui comptent, vous devez avoir les bons contacts ; vous ne devez pas travailler avec des artistes émergents, vous devez plutôt mettre en œuvre le second marché ; vous devez inviter des critiques importants et travailler avec des conservateurs influents ; vous devez financer des événements externes et collaborer avec des institutions ; vous devez participer à des festivals et à des biennales ; vous devez produire des catalogues, faire des multiples et mettre en place des ventes en ligne ; je pourrais continuer longtemps, mais je ne veux pas vous ennuyer. J’ai fait beaucoup de ce qui m’a été suggéré sans jamais négliger la qualité de mon offre, en maintenant ce que je pense être les standards d’une galerie, mais j’étais seule à devoir gérer toute cette “charge de travail” qui, à mon avis, n’a rien à voir avec l’achat d’une œuvre d’art. Une jeune galerie ne peut matériellement pas faire tout ce que le système attend d’elle. Lorsque j’ai décidé d’ouvrir Divario, tous les acteurs du secteur m’ont immédiatement traité comme un pauvre fou, un naïf. Certains ont même essayé de me mettre en garde. Mais je ne suis pas un imbécile, j’ai eu mes “chances”. En fin de compte, j’ai compris qu’aujourd’hui, en Italie, il est pratiquement impossible pour un espace de recherche et d’expérimentation de naître, de grandir, de se définir et d’être autosuffisant sans s’autofinancer et sans avoir les reins solides. J’attends toujours que quelqu’un réfute cette idée.
En Italie comme à l’étranger, dans les grandes villes, les galeries cherchent à travailler en collaboration. Avez-vous rencontré des problèmes de collaboration entre les différentes galeries de la scène romaine ?
Je ne peux pas donner une réponse exhaustive à cette question car je n’ai pas collaboré avec d’autres galeries dans ma région et je ne peux même pas parler au nom de l’ensemble de la scène romaine. Avec certains galeristes, il y a eu un certain dialogue, surtout avec les plus jeunes, mais rien d’approfondi. Il y a eu plus de dialogue avec les galeristes d’autres villes comme Milan, Turin, Bologne et Palerme. À Rome, il est peut-être difficile de se comprendre en raison du conflit territorial et des problèmes de concurrence. Cependant, j’ai toujours perçu une grande réserve de la part de tous mes collègues, et pas seulement de ceux de Rome. Très peu ont été ouverts et honnêtes sur la situation réelle de leur entreprise. Je peux aussi comprendre cette difficulté à être transparent ou au moins franc, pour certains c’est une façon de protéger leurs propres intérêts, mais à mon avis, pour pouvoir collaborer il faut une confrontation ouverte, il faut un dialogue constructif, il faut un objectif commun. Il faut qu’il y ait une réelle intention de collaborer pour sortir du fossé dans lequel nous nous trouvons depuis des décennies. Pour vous donner un exemple, il y a deux ans, les galeries d’art contemporain de Rome ont promu une initiative culturelle pour renforcer la scène artistique de la ville, le Rome Gallery Weekend, mais Divario n’a pas été invité. Personne ne m’a contacté et je n’ai donc pas pu participer. Je l’ai appris après coup. Il s’agissait peut-être d’une légèreté, qui aurait pu être corrigée, mais ce n’était pas à moi d’y remédier. En tout cas, j’ai participé en tant que visiteur et j’ai finalement rencontré tellement de problèmes d’organisation, de gestion, de logistique et de communication que j’ai choisi de ne pas y participer l’année suivante. Faire un événement de deux jours où plus de 30 galeries, dont les majors, ouvrent une exposition ou un événement dans leurs propres locaux, dans une commune de notre extension géographique, c’est un pari perdu d’avance. Réunir toutes les galeries de la région, chacune restant chez elle, n’a pas de sens à mes yeux et nous n’en avions pas besoin, la Rome Art Week suffisait. Au fond, je ne pense pas que ce genre d’initiative aurait pu changer quoi que ce soit à la situation de Divario. Les problèmes qu’un jeune galeriste doit affronter chaque jour pour survivre dans ce secteur sont endémiques et ne peuvent être résolus en un week-end. À Rome, j’ai senti que tout le monde était isolé, chacun à sa manière et pour des raisons différentes.
Certains collectionneurs prétendent que les nouvelles générations ne font qu’élaborer des langages et des codes dérivés du siècle dernier. L’avez-vous constaté dans votre expérience ?
Tout d’abord, il faut savoir qui sont ces collectionneurs, ce qu’ils regardent et surtout dans quelle direction ils regardent. Il se peut qu’ils regardent la mauvaise chose au mauvais endroit. Peut-être cherchent-ils quelque chose de nouveau dans les endroits habituels. Il est certain, et je parle d’expérience personnelle, que certains d’entre eux pensent que les dernières générations d’artistes ne font, disons-le, que “copier” les grands maîtres du passé. Certains collectionneurs pensent même qu’ils ne sont pas assez originaux pour mériter leur attention, et peut-être ont-ils raison. Peut-être certains jeunes artistes ont-ils pensé qu’en se pliant aux goûts de la vieille garde, ils auraient plus de chances de réussir sur le marché. D’autre part, ce sont les collectionneurs qui financent les artistes en achetant leurs œuvres. Tout cela est plausible. Mais je refuse de prendre tous les jeunes actifs sur la scène contemporaine et d’en faire un seul paquet. Je refuse de penser qu’ils ont tous le même comportement ou la même démarche. Ce n’est pas le cas. Au cours des différentes années de recherche pour ma galerie, j’ai regardé le travail d’une cinquantaine d’artistes italiens des dernières générations, certains super-acerbés, d’autres plus mûrs, et chez aucun d’entre eux je n’ai jamais rencontré cette tendance délibérée à l’émulation. Il faut parler de certains artistes, pas de tous. Il faut exclure ceux qui ne correspondent pas à nos critères de recherche et promouvoir ceux qui, à notre avis, ont pris le bon chemin. Il faut faire une sélection. Il faut avoir une vision claire de ce que l’on cherche. Par ailleurs, en ce qui concerne le fait de “retravailler des codes et des langages dérivés du siècle dernier”, je n’y vois rien à redire. Mais alors pourquoi seulement le siècle dernier ? En ce qui me concerne, les artistes pourraient aller jusqu’à retravailler le code d’Hammurabi si cette opération aboutissait à quelque chose d’original. Au fil des années d’études et de pratique du métier, j’ai appris que les “références” sont très importantes et que de la reprise d’une forme ou d’un concept du passé peut naître quelque chose de nouveau et de très pertinent pour le présent. Le nouveau n’est pas quelque chose qui n’a jamais existé, il appartient au passé récent ou au futur proche. Peut-être que les collectionneurs dont vous parlez sont à la recherche d’une invention, de quelque chose qui n’existe pas encore.
Y a-t-il peut-être une attitude de capitulation de la part des artistes des dernières générations ?
Les artistes de la dernière génération n’ont pas capitulé, ils sont simplement les otages d’un système très compromis. Mon expérience de galeriste m’a permis de constater que très peu d’entre eux aiment participer à tous les événements et vernissages, pour plaire aux collectionneurs, aux conservateurs, etc. La plupart d’entre eux s’en passeraient volontiers. Mais ils subissent la pression et les conséquences d’un système défectueux et enchevêtré, fondé sur l’amitié et le familialisme, qui ne leur offre que très peu d’opportunités de carrière. Certains d’entre eux, même les plus insoupçonnés, exercent un second métier pour vivre et financer leur art. À la longue, ce système vous épuise, vous consume, vous vole du temps à votre vrai travail. Comment se rebeller ? Un prisonnier peut essayer de s’échapper, mais si vous l’épuisez, où ira-t-il ? Pour un artiste, avoir une galerie qui le représente signifie avoir quelqu’un qui le connaît et croit en son travail, qui le comprend et l’apprécie, qui le promeut et l’aide, qui vend pour lui et s’occupe des relations publiques, afin qu’il puisse passer plus de temps dans son atelier et développer son langage artistique, s’améliorer. Si les galeries de recherche et d’expérimentation ferment, sur qui les artistes peuvent-ils compter ? Sur eux-mêmes.
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