Quel est le public des galeries d'art contemporain d'aujourd'hui? Entretien avec deux galeristes

Alessia Calarota est la directrice de la Galleria d’Arte Maggiore g.a.m., fondée à Bologne en 1978 par Franco et Roberta Calarota, qui a su s’imposer au fil des décennies sur la scène artistique internationale grâce à une collection d’œuvres de haut niveau. Tommaso Calabro, quant à lui, est le directeur de la galerie du même nom, une jeune galerie, fondée en 2018 à Milan, qui avec ses projets, notamment celui de “Casa Iolas” en collaboration avec l’artiste Francesco Vezzoli, tente de se frayer un chemin dans le scénario difficile du marché de l’art contemporain. Avec eux aujourd’hui, nous voulons ouvrir un débat sur le rôle des galeries d’art en Italie et sur les raisons pour lesquelles le public des galeries a changé ces dernières années.

Alessia Calarota

Tommaso Calabro

FDV: Chers Alessia et Tommaso, dans les “décennies d’or” des galeries d’art (je parle principalement de la période allant des années 1960 au début des années 1980), les galeries n’étaient pas seulement des lieux de vente, mais aussi des espaces qui favorisaient l’expérimentation artistique et la découverte de nouveaux artistes, ainsi que des lieux d’échange et de conception. Qu’est-ce qu’une galerie d’art aujourd’hui? Quels sont ses objectifs au-delà de la vente? Pensez-vous que les galeries d’art peuvent encore être considérées comme des lieux d’expérimentation ?

AC: D’après un article de Francesco Bonami paru dans Repubblica en 2019: “le Spalletti dont je me souviens le mieux est celui que j’ai vu il y a quelques années à Bologne, à la Galleria d’Arte Maggiore, où ses œuvres étaient placées à côté de celles de Morandi [...] les bouteilles de Morandi et les espaces de Spalletti étaient comme les voix d’un duo entre deux sopranos. Légèreté et puissance. Deux qualités que seuls quelques grands maîtres ont su créer et contrôler dans l’histoire de l’art”. Des critiques comme celle-ci montrent que notre travail est toujours pertinent pour proposer de nouvelles interprétations d’artistes déjà connus, ainsi que pour faire connaître des artistes en qui nous croyons. Et à ce propos, lorsque les nominations arrivent pour les futures Biennales, c’est une énorme satisfaction de les avoir accompagnées avant et de continuer à le faire pendant et après.

TC: Comme vous le dites, Francesca, dans les années 1960, l’art se faisait dans les galeries. Les galeristes étaient liés aux artistes et aux collectionneurs non seulement par des relations professionnelles, mais aussi par l’estime mutuelle et l’amitié. Cet aspect s’est progressivement perdu au profit de la commercialisation spéculative de l’art et de la montée en puissance des méga-galeries. De nombreux artistes sont devenus inaccessibles et l’échange d’idées, qui était à l’origine le cœur battant de la galerie d’art, s’est perdu. Aujourd’hui, tout est plus codifié, contractualisé et le marché joue un rôle central dans le monde de l’art. Cependant, il existe encore des réalités qui continuent à prêter attention à la qualité de leurs projets et de leurs relations avec les artistes et les collectionneurs. C’est ce que j’essaie de faire dans ma galerie, que j’ai conçue comme un lieu ouvert à tous où je peux proposer une approche interdisciplinaire des arts, entre moderne et contemporain.

FDV: J’ai une autre question à vous poser à tous les deux. J’ai l’impression que les galeries d’art aujourd’hui ne s’intéressent plus, ou moins, à s’adresser non seulement aux collectionneurs, mais aussi aux chercheurs en général. En Allemagne, où je vis et travaille, les galeries veillent à ne s’adresser pratiquement qu’au public auquel elles vendent, ce qui explique que si vous visitez un musée, vous le trouverez rempli d’étudiants, d’amateurs d’art et d’érudits ; les galeries, quant à elles, restent un “lieu d’élite”, réservé aux seuls acheteurs. Quelle est la situation en Italie? Quel est votre public cible? Pourquoi pensez-vous (si c’est le cas, comme je le pense) que le public des galeries d’art a changé par rapport à il y a quelques décennies ?

AC: Au cours des dix dernières années, la mondialisation a également touché le monde de l’art et de nombreux galeristes ont créé leur entreprise en suivant les diktats de l’industrie. La Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. a été fondée en 1978 par mes parents, Franco et Roberta Calarota, comme lieu de rencontre entre artistes, chercheurs et collectionneurs. Depuis lors, nous avons toujours adhéré à ce modèle: un système à forte composante humaine qui répond aux exigences d’un marché international où les gens peuvent se rencontrer en personne et construire un parcours personnel à travers l’art. Une galerie classique: un lieu de rencontre, de débat, d’orientation et de formation des goûts. En accord avec ce principe, deux “ galeries d’accueil ” sont nées pour encadrer la maison mère de Bologne: celle de Milan en 2016 et celle de Paris en 2008, des lieux ouverts uniquement sur invitation et connus seulement de bouche à oreille par quelques amis d’amis sélectionnés, parmi lesquels des universitaires, des passionnés et des curieux, qui prennent leur temps ici pour approfondir des thèmes et des auteurs.

TC: Dans certaines galeries italiennes, il n’y a pas de relations suivies avec les chercheurs et les historiens de l’art, qui sont plutôt à l’ordre du jour dans le monde anglo-saxon, mais je pense que nous évoluons lentement dans cette direction. Dans ma galerie, j’ai collaboré avec des historiens de l’art et des conservateurs tels que Luca Massimo Barbero, Alberto Salvadori, Sharon Hecker, Aline Guillermet et Paola Nicolin pour des expositions et des catalogues, et je suis sûre que de nouvelles opportunités de collaboration se présenteront. En ce qui concerne le public, nous accueillons dans la galerie des collectionneurs, des galeristes, des historiens de l’art, des journalistes, ainsi que des étudiants, des amateurs d’art et des curieux. Je pense que, d’une certaine manière, les galeries italiennes deviennent également plus démocratiques. Elles proposent souvent des expositions de niveau muséal (je pense par exemple à la dernière exposition William Kentridge chez Lia Rumma à Milan) qui sont ouvertes à tous gratuitement.

FDV: Alessia Calarota a pris les rênes de la Galleria d’Arte Maggiore à Bologne, une tâche qui implique certainement de pouvoir lier la tradition familiale à une nouvelle perspective, la sienne. Comment y parvient-elle ?

AC: En fait, précisément parce que nous sommes une famille, j’aime qu’il y ait une comparaison et un échange entre les différentes générations. Je considère que c’est une valeur ajoutée fondamentale, non seulement dans la gestion, mais aussi dans nos propositions d’artistes appartenant à des époques différentes, mais tous contemporains dans leur langage, et dans le programme d’exposition, qui fait souvent dialoguer soit ces mêmes artistes qui n’ont pas chronologiquement le même âge, soit des mondes appartenant à des disciplines différentes. Deux exemples récents sont l’exposition sur l’art et le design en 2015 que nous avons emmenée à Bologne, Milan et Venise, et le dialogue entre Joan Miró et Antoni Clavé lors de l’exposition à New York.

FDV: Tommaso, quitter son poste chez Sotheby’s à Milan en 2018 et fonder sa propre galerie au cœur de la ville, où la concurrence dans le secteur est très forte, implique un certain courage. Qu’est-ce qui vous a poussé à franchir ce pas? Comment votre formation londonienne et vos expériences professionnelles vous ont-elles aidée ?

TC: J’ai toujours su qu’un jour j’aurais ma propre galerie. Mes études à Bocconi et à l’Institut Courtauld m’ont donné les bases nécessaires pour travailler dans une maison de vente aux enchères comme Sotheby’s. C’est là que j’ai rencontré la famille Nolan, qui m’a aidée à créer ma propre galerie. C’est là que j’ai rencontré les Nahmad, mes futurs employeurs à Londres, en discutant avec un membre de ma famille lors d’une vente aux enchères sans savoir qui il était. Ce qui n’était au départ qu’une rencontre fortuite est devenu fondamental pour ma carrière: peu après, je dirigeais Nahmad Projects à Londres, une expérience qui m’a mis en contact avec des acteurs du monde de l’art international. En 2018, à l’âge de vingt-huit ans, j’ai décidé de me mettre à mon compte, dans une ville à laquelle je suis attachée et où je trouverais moins de concurrence qu’à Londres. N’ayant pas encore de famille et l’esprit totalement libre, la prise de risque m’a semblé naturelle.

FDV: Votre dernier projet, “Casa Iolas”, en collaboration avec l’artiste Vezzoli, met l’accent sur un galeriste presque oublié, Alexander Iolas, et sur une culture de la galerie qui n’existe peut-être plus, à savoir une culture basée sur les relations personnelles, l’amitié, l’estime mutuelle et la confiance, non seulement entre le galeriste et l’artiste, mais aussi entre le galeriste et le public. À votre avis, ce manque pourrait-il être l’une des raisons pour lesquelles les galeries en Italie (et ailleurs) luttent aujourd’hui pour attirer un public plus large que les seuls collectionneurs de confiance ?

TC: Je pense que la difficulté d’attirer de nouveaux publics ne dépend pas tant de l’absence de relations avec eux que de la manière dont on les aborde. La communication est cruciale à cet égard, tout comme la qualité et l’inventivité des projets. Pendant le premier mois de l’exposition Casa Iolas. Citofonare Vezzoli, nous avons reçu en moyenne soixante personnes par jour, des chiffres difficiles à compter dans une galerie italienne. Pour attirer de nouveaux publics, même en travaillant sur des moments historiques, des artistes ou des personnalités comme Alexander Iolas, que l’histoire a presque oubliés, il faut une bonne dose de narration, une approche ouverte et interdisciplinaire des arts et le courage d’oser. Le tout canalisé dans la communication numérique via les médias sociaux et dans la presse écrite.

FDV: Alessia, j’aimerais vous poser une question sur l’égalité des genres dans le système artistique. Quelles sont les difficultés (s’il y en a) que vous rencontrez dans votre travail en tant que femme galeriste? Pensez-vous que dans le système de l’art contemporain, une femme (même une galeriste) a plus de difficultés à s’affirmer?

AC: Je n’ai jamais réfléchi à cette question, mais je sais que les historiens et les conservateurs prennent des mesures pour inclure des œuvres de femmes artistes dans les collections des musées internationaux. En effet, s’il est vrai que parmi les artistes du passé, il y a peu de femmes, du côté des galeries, il y a des personnes comme Peggy Guggenheim ou Iris Clert qui ont fait l’histoire. Si l’on apprend aujourd’hui que Cecilia Alemani est la première femme italienne à devenir directrice d’une biennale (parce qu’elle est italienne), le vrai scoop est qu’une épouse et mère a réussi à combiner sa carrière dans ce monde de voyages internationaux avec sa famille et un mariage solide. Après tout, l’exemple de mes parents, qui ont toujours été ensemble dans la vie et au travail, n’est pas moindre. Peut-être que dans un monde aux possibilités infinies, le vrai défi est d’être capable de mener une carrière réussie tout en ayant une famille unie qui aidera peut-être à surmonter le terrible déclin démographique auquel nous assistons en Italie. Après tout, je suis convaincue que la véritable distinction réside dans les capacités individuelles, entre ceux qui sont bons et ceux qui ne le sont pas, indépendamment du fait d’être une femme ou un homme.

FDV: Alessia, une dernière question : lesdeux aspects fondamentaux du marché de l’art sont les acteurs du marché lui-même (privés et publics) et la promotion de l’institution, y compris en activant d’importantes collaborations comme dans votre cas (rappelons le Metropolitan Museum de New York, le Musée d’Art Moderne Ville de Paris et le Reina Sofía de Madrid). Comment la gestion de ces aspects a-t-elle changé avec l’avènement des médias numériques et sociaux? Pensez-vous qu’il est possible de réaliser des expositions de manière numérique? Quel est le nouveau défi des galeries d’art pour accroître un public qui a du mal à participer à la vie des galeries en Italie (mais pas seulement) ?

AC: Nous assistons à un changement global qui accélère un processus déjà en cours. Je confirme qu’en tant que Galleria d’Arte Maggiore g.a.m., nous avons toujours cherché à valoriser les artistes que nous traitons sur le marché, ainsi que sur le plan culturel, en participant à des œuvres publiques et en collaborant avec des musées. Un processus que nous continuons à maintenir en vigueur, même pendant cette pandémie, et qui nous a amenés à ouvrir une exposition sur Giorgio Morandi en décembre dernier (2020) dans un grand musée privé en Chine, avec un grand succès en termes de visiteurs. Car la réalité est que la technologie d’aujourd’hui ne peut pas remplacer la jouissance directe de l’œuvre d’art et sublimer le désir de sortir de chez soi. Il est vrai, cependant, qu’elle nous permet de créer une série d’expositions telles que “Ico Parisi. La casa”, actuellement en ligne dans la salle de visionnage de notre site web(https://www.maggioregam.com/viewing-room/), dans laquelle des œuvres de la collection du célèbre architecte reprennent vie dans les pièces où elles se trouvaient à l’origine. Une opération impossible à réaliser en direct (catalogue en vente dans notre boutique en ligne: Ico Parisi. La Casa, édité par Flaminio Gualdoni, Electa, 1999).

FDV: Tommaso, une dernière question pour toi aussi. Vous avez remarqué que votre galerie propose également des visites numériques bien conçues des expositions en cours. S’agit-il d’un besoin lié à la pandémie ou d’une prérogative de Tommaso Calabro de passer au numérique? Je vous pose également, pour conclure, la même question que j’ai posée à Alessia, à savoir quel est le nouveau défi des galeries d’art pour augmenter un public qui a du mal à participer à la vie des galeries en Italie... ?

En février 2019, j’ai commencé à collaborer avec la plateforme Artland pour créer des visites virtuelles de mes expositions. J’aimais l’idée d’offrir la possibilité de voir l’espace de la galerie également à ceux qui ne pouvaient pas ou ne voulaient pas passer par la galerie en personne. Au cours de cette deuxième fermeture, la visite virtuelle a révélé son utilité, permettant à l’exposition actuelle, Casa Iolas. Citofonare Vezzoli, d’atteindre notre public. Je pense que le plus grand défi actuel est de continuer à proposer des projets culturellement et, en même temps, commercialement viables, dans une période d’incertitude économique et sociale extrême.

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