Paolo Maggis: "La couleur, c'est la vie et l'art, c'est un miracle. C'est pourquoi je fais de l'art

by Ilaria Baratta , published on 20/02/2021
Categories: Interviews / Disclaimer
Paolo Maggis: "La couleur, c’est la vie et l’art, c’est un miracle. C’est pourquoi je fais de l’art

Né à Milan en 1978, Paolo Maggis est l’un des artistes italiens les plus intéressants de sa génération. Il a étudié à l’Académie de Brera entre 1996 et 2000, avant de s’installer à Berlin en 2005 et à Barcelone en 2008, où il vit et travaille encore aujourd’hui. Son art, fort, expressif, énergique, avec des solutions originales qui combinent l’abstrait et le figuratif, communique une grande vitalité et fait ressortir les motivations les plus intimes qui poussent un être humain à produire de l’art. Nous avons parlé avec lui de ses œuvres, de ses réflexions sur l’art et de ses projets futurs. L’interview est réalisée par Ilaria Baratta.

Paolo Maggis

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IB. J’ai remarqué que dans vos dernières œuvres, il y a toujours un contact entre les sujets représentés: un contact affectueux entre une mère et son enfant, mais aussi un contact violent. C’est un thème qui, surtout en ces temps de pandémie et d’éloignement physique, devient très significatif et d’actualité. Je vous demande donc si vos dernières peintures découlent de la situation actuelle et de ce besoin de contact que nous ressentons.

PM. Il est certain que cette situation d’isolement a un impact important: le geste le plus humain qui soit, à savoir le contact, qui a toujours été présent dans mon travail, redevient en quelque sorte le sujet d’une manière envahissante. J’ai toujours travaillé sur l’interaction entre les sujets et les corps, donc après une phase où je m’étais éloignée de la forme parce que j’avais besoin, au niveau pictural, de comprendre le sens de chaque coup de pinceau, j’ai ressenti le besoin de revenir par le signe de la peinture pour reconstruire une image. Je suis donc revenue à une narration, une iconographie, liée au corps et à la relation entre les personnes, ce qui est mon point de départ. Pour moi, il s’agit plus d’un retour à l’origine que d’une recherche liée à une situation actuelle qui a évidemment un impact, mais je pense que l’impact est un effet secondaire: souvent, il s’agit plus de ce que les gens voient dans un choix spécifique que d’une décision consciente et lucide. Revenir à la forme par la construction architecturale des corps, dont le contact crée des réactions psychologiques chez les sujets mais aussi et surtout chez ceux qui les voient, était une nécessité artistique.

Paolo Maggis, Keep me with you (2020 ; 170 x 130 cm)

Paolo Maggis, Le secret (2020 ; 110 x 80 cm)

Vos dernières œuvres s’éloignent beaucoup de l’abstraction proprement dite: j’ai remarqué ce changement à partir de 2014-2015... Qu’est-ce qui vous a conduit à ce changement vers un art plus figuratif ?

Je pense à la peinture elle-même. En 2015, j’ai réalisé qu’il y avait un problème dans mon travail figuratif: le sujet était plus important que l’acte de peindre ; la peinture manquait parfois de l’intentionnalité dans chaque marque, dans chaque trait, dans chaque coup de pinceau, qu’elle devait en fait avoir. À un certain moment, j’ai considéré qu’il était fondamental que chaque geste, chaque action que j’accomplissais sur la toile soit fondamentale, non pas une exactitude formelle et gestuelle qui ne m’a jamais intéressé, mais qu’elle soit le résultat d’un choix et d’une action consciente spécifique. Ainsi, lorsque j’ai vu que le coup de pinceau commençait à suivre cette intention, j’ai senti que je pouvais essayer de reprendre l’image, de donner une forme à cette peinture qui s’éloignait de plus en plus du sujet. En fait, pour ce type de recherche, j’avais besoin du gros plan, c’est-à-dire que je devais prendre des détails et les grossir jusqu’à la limite de l’abstraction, en laissant mon corps s’exprimer à travers le coup de pinceau et l’intention.

Dans ces derniers travaux, j’ai voulu trouver un équilibre, après tout, ma recherche a toujours été basée sur la recherche d’un équilibre entre la forme et le contenu. J’ai toujours pensé que la vérité d’une chose ne dépend pas de son aspect narratif, mais de la manière dont elle est dite: un enfant qui dit “Maman je t’aime” exprime une vérité si grande qu’elle continuera à être vraie et émotionnelle dans son éternelle extériorisation parce que la vérité ne réside pas dans la somme des quatre mots, mais dans le besoin de l’enfant de les exprimer. J’ai cherché et je cherche dans la peinture cette conscience du geste qui, d’une certaine manière, peut donner une vérité à la forme elle-même ; un point d’équilibre dans lequel la peinture n’est pas secondaire, mais l’âme du sujet lui-même.

Malgré votre formation académique à Brera, vous avez choisi de créer un art abstrait qui s’affranchit de la correction formelle et des limites imposées par les conventions. Pourquoi avez-vous ressenti ce besoin de vous libérer de la correction formelle, de vous affranchir des limites ?

Parce que je me suis rendu compte que cela ne m’appartenait pas. J’ai fréquenté une académie très classique et une école d’art qui l’était également. Ces années d’études m’ont appris à peindre ou à dessiner parfaitement un visage, un corps, une image, mais j’ai senti qu’il n’y avait pas de consonance entre ce savoir et ce que j’étais en tant que personne, et que cela ne répondait pas au besoin d’expression qui me secouait. Il fallait que le trait et le geste deviennent le fondement de mon travail pour mieux exprimer ce que je ressens et vis par rapport à la réalité.

Paolo Maggis, Storm (2015 ; 89 x 116 cm)

Paolo Maggis, H1747 (2017 ; 160 x 180 cm)

Ses œuvres sont fortement expressives et énergiques, et surtout cette expressivité éclatante est rendue par la couleur, avec de grands coups de pinceau denses clairement visibles et marqués sur la toile. La couleur devient ainsi l’élément fondamental de son art. Pourquoi la couleur est-elle le protagoniste de vos œuvres et que voulez-vous transmettre par la couleur ?

Pour moi, la couleur, c’est la vie. Lorsque je peins, je ne choisis pas la couleur, c’est mon corps qui la choisit: souvent, je ne regarde même pas le tube que je prends. La couleur, c’est la vie, la passion. J’ai vécu à Berlin, puis à Leipzig, et dans ces villes, on a l’impression que la couleur n’existe pas, on fait l’expérience du manque de lumière: tout est gris, même quand le soleil brille. La lumière et la couleur donnent vie aux choses, elles catapultent le sujet dans le domaine de la vie. Le choix de la couleur est lié à ce besoin d’expression vitale, qui peut s’écarter d’une vision plus intellectualiste ou liée aux choix conceptuels de l’art contemporain, mais qui fait partie de mon désir. Par la couleur, je vis.

Vous définissez vos peintures comme “le résultat d’une lutte de la matière picturale qui se libère des limites imposées par le sujet”... même dans certains “coups de pinceau qui se battent pour survivre”. Il y a donc une sorte de philosophie dans vos œuvres...

Je ne sais pas s’il faut l’appeler philosophie, parce que la philosophie est rationnelle, elle réfléchit sur la vie par la pensée. La mienne n’est pas seulement une réflexion sur la vie, je la vois plutôt comme la tentative de mon corps de s’exprimer dans sa relation avec le monde. Je pense que notre cerveau est une machine folle qui contient bien plus que ce que notre propre raison peut concevoir. À un certain moment, j’ai réalisé que je devais faire confiance au cerveau et aux possibilités infinies qu’il peut générer, en dehors de ma tentation de le contenir: la peinture se bat avec le sujet parce qu’en réalité, tout ce que vous faites dans un tableau est un choix de vie. Les coups de pinceau détruisent le sujet et le sujet tente de résister dans une contradiction évidente qui fait simplement partie d’un processus qui échappe totalement à ma capacité de le contenir. Pourquoi est-ce que j’aime faire de l’art? Parce que c’est le miracle de voir que votre corps, au sens unitaire du terme, suivant un ordre qui n’est pas dans votre logique et peut-être même pas dans votre subconscient, crée une image malgré vous, au-delà de votre idée préconçue ; dès que vous introduisez de la pensée dans cet acte créatif, vous risquez de tuer le résultat. Lorsque je crée, il y a un moment où je perds conscience de ce que je fais: comme s’il y avait une conscience supérieure ou autre pour laquelle les coups de pinceau coulent, le sujet se construit ou se déconstruit, mais à ce moment-là je ne pense pas, je suis juste moi, libre.

Même dans les peintures les plus abstraites, votre art part de la réalité. Pouvez-vous expliquer cette relation avec la réalité ?

Je crois que tout art est abstrait parce que tout art est une opération d’abstraction. Lorsque je prends un sujet et que je le sors de son contexte, j’accomplis un geste d’abstraction, une condition dont même la peinture la plus formelle n’est pas capable de se débarrasser. D’un autre côté, nous ne sommes pas capables de vivre sans réalité fondamentalement parce que c’est le seul outil qu’il nous a été donné de connaître, c’est pourquoi je crois que l’art abstrait et l’art figuratif partagent fondamentalement la même mère. Lorsqu’un artiste peint la toile d’une couleur (je donne l’exemple d’Yves Klein), cette couleur est quelque chose, elle fait partie de la réalité. Personnellement, même dans mes peintures les plus abstraites, je suis toujours parti d’une idée de forme tangible ou que j’avais en tête, d’une architecture formelle qui pouvait être décrite par des lignes et des géométries, à tel point que je suis convaincu que même la peinture la plus abstraite part toujours de quelque chose qui a été vu et qui s’est installé dans l’esprit où il a trouvé un lieu de vie et s’est ensuite épanoui. Tout ce que je fais, c’est prendre un morceau de la réalité et le transporter sur la toile.

Paolo Maggis, H1744 (2017 ; 147 x 195 cm)

Paolo Maggis, H1805 (2018 ; 83 x 92 cm)

Quels sont vos modèles pour votre art? Êtes-vous inspiré par des artistes ?

Il y a évidemment beaucoup de références dans mon travail, comme j’imagine qu’il y en a pour la plupart des artistes. Nous avons tous étudié, expérimenté et ressenti l’art, et nous sommes allés dans des musées: les choses que nous voyons sont stockées dans notre cerveau et réapparaissent ensuite. Comme je l’ai dit, j’ai de nombreuses références qui couvrent l’ensemble de l’histoire de l’art. Un artiste que j’ai toujours beaucoup aimé est Titien, surtout dans la dernière phase de son œuvre ; j’adore l’œuvre de Vedova, qui est beaucoup plus abstraite et contemporaine ; j’aime la grande figuration, de Masaccio à David Hockney ; cependant, il m’est très difficile d’identifier des éléments concrets. Je reconnais dans mon travail une vision centripète, où tous les éléments convergent vers un centre, et je reconnais aussi une racine profondément italienne d’un point de vue pictural. Je procède par grands coups de pinceau qui, s’ils étaient juxtaposés au début de ma recherche, sont maintenant sédimentés, créant une surface structurée en couches . Il ne s’agit donc plus de couleurs isolées, mais la couleur se présente au spectateur de manière vibrante grâce à la somme de superpositions plus ou moins transparentes, comme c’était le cas avec les voiles dans la peinture du XVIIe siècle.

Vous avez déclaré: “Oui, l’art, appelons-le utopie, peut changer le monde”. Qu’entendez-vous par là? Quel rôle joue l’art pour vous ?

Je faisais référence aux arts en général, qu’il s’agisse d’art, de philosophie ou de littérature. Je crois que l’art est cette magie, ce miracle qui, d’une manière ou d’une autre, comme cela m’est arrivé, peut changer votre vie, votre vision des choses, vous faire penser différemment. L’art, de par sa capacité à générer de la pensée, mais aussi des émotions, des sensations, le subconscient, possède une force motrice par laquelle notre cerveau et notre personne peuvent changer. Cela m’est arrivé de nombreuses fois en voyant des œuvres d’art ou en lisant des livres, des poèmes dont beaucoup n’étaient pas compris ou considérés comme suffisants au départ, mais qui, sans que je m’en rende compte, se sont gravés dans ma mémoire. Avec le temps, ces choses lues et vues m’ont en quelque sorte fait passer physiquement d’une position à une autre ou d’une vision myope à une vision plus claire et plus large. Je crois que l’art peut changer le monde s’il est vécu comme une relation et s’il est vécu en relation avec la vie, il peut changer la tête des gens et changer le point de vue avec lequel ils reviennent à la réalité. L’art peut changer le monde au sens humain et expérientiel du terme: cette parole prononcée, ce tableau vu peuvent vous faire redécouvrir la vie. Dans les œuvres que vous voyez, vous faites l’expérience de quelque chose de grand qui peut déclencher le désir de s’approprier, de revenir pour faire l’expérience de cette beauté, de cette grandeur, et ce désir vous pousse à accomplir des actions qui vous changent pour toujours.

Vous avez vécu à Berlin et vous vivez et travaillez aujourd’hui à Barcelone. Comment voyez-vous la situation actuelle de l’art contemporain dans les autres pays européens par rapport à l’Italie ?

En partant du principe que l’Allemagne et l’Espagne sont des situations très différentes et qu’elles n’ont pas grand-chose à voir avec la situation italienne, je pense que l’art italien souffre beaucoup en ce moment. Tant au niveau institutionnel qu’au niveau culturel général, il y a un manque total d’approche de l’art. En Allemagne, les gens sont habitués à visiter les musées sans complexe, y compris leurs enfants, alors qu’en Italie, et en Espagne encore plus, il y a beaucoup moins de fréquentation des salles d’art. Cela engendre évidemment toute une série de conséquences où l’art risque de devenir, tant au niveau de sa production qu’au niveau de sa réalisation, un langage spécifique déconnecté du monde, absolument anti-démocratique, c’est-à-dire hors de la possibilité pour tout un chacun d’y avoir accès, et d’autre part incapable d’engendrer. Si l’art est générateur de pensée, générateur de beauté, mais aussi critique de la vie, dès lors que son intérêt et son exercice ne sont pas stimulés dans les écoles et dans la vie quotidienne des familles, son pouvoir est complètement annihilé. En Allemagne, tout le monde a accès aux musées, les gens ont l’habitude d’aller au musée, les écoles emmènent les enfants au musée, ce qui n’est pas le cas en Espagne et en Italie, où cela se fait de manière sporadique. Le problème de l’art, comme de tout ce qui touche à la culture, c’est qu’il ne suffit pas de le voir une fois pour le comprendre, mais qu’il faut de la constance et du dévouement. Il est très difficile de comprendre ce qu’est l’art en voyant une œuvre par an, il faut de la fréquentation, ce qui n’a jamais été stimulé en Italie, ni à l’école, ni au niveau éducatif. Aujourd’hui, nous faisons l’expérience d’une déconnexion entre l’art et la vie, presque comme si l’art était un antagoniste inutile du chemin cognitif de l’être. Si, d’une part, l’art contemporain ne parle plus qu’à lui-même parce qu’il est aseptisé, hermétique, qu’on le voit et qu’on ne peut le comprendre qu’après avoir lu toute une série de volumes et d’écrits qui le justifient, d’autre part, le public a cessé de le chercher, donc de le regarder et de lui demander quoi que ce soit. L’art, précisément parce qu’il est visuel, a besoin d’être regardé et regarder demande du temps et de l’amour.

Quels sont vos projets d’avenir ?

Dans cette situation, les projets d’avenir sont un peu volatiles, vagues, mais ces jours-ci, l’exposition Close-Up ouvre ses portes à Milan, où j’aurais aimé être présent. Cela fait un certain temps que je souhaite retourner en Italie avec mon studio. Il y aura certainement d’autres événements, privés et publics, mais tout est encore très confus. Pour l’instant, nous vivons dans l’incertitude et tout est bloqué ou avance timidement. Même si vous voulez faire quelque chose, vous avez du mal à le faire. Mais nous continuons: l’art ne s’arrêtera jamais.

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